Les revues de COOL NIGHT

Marco Taggiasco "Things And Moments Live" (2011)

2012-01-18T19:02:00.000+01:00

"I thought it would have been nice to gather round some friends and make a concert to share those songs and give them a chance to be heard in a fresher way". Voilà qui résume le plus parfaitement ce "THINGS AND MOMENTS LIVE" que nous offre Marco Taggiasco & Friends.

Cet album peut aussi apparaître comme un joli collector, avec la chance d’entendre des titres unrealeased et puis bien sûr ses bonus vidéo.

Après l’instrumental "Ouverture In D" à la David Foster, "Let My Love Grow" lance le show et permet à ce titre de prendre plus d’ampleur live qu’en studio. S’ensuit le génial "Thousand Things", déjà un classique, avec en prime un super solo de saxophone par Gabrielle Pistilli. Ce dernier agrémentant de belle manière de nombreux titres. "Burning For You", "This Moment" et "Angel Of August" montre une fois encore l’incroyable talent de vocaliste que possède d’Andrea Sanchini.

Le milieu du show sera l’occasion de découvrir de nouvelles ballades comme "Breathless" ou "Wish On A Star" et de redécouvrir certains de ses mid-tempo. "April In My Heart", demeure ma préférée et apparaît comme un hit, tellement, elle possède un sacré potentiel. Ces dernières menées à la baguette par la chanteuse Daphne Risi.

La troisième partie de ce Live fait la part belle à ce parfait mélange de Westcoast Music comme "Got To Believe (This Time)" composé avec Robbie Dupree, ou "Healing This Time" (qui fait sensation avec la géniale voix de Claus Leonhardt) et de Pop Sophistiquée sur "Radio Silence" ou "Hangin’ On Tomorrow".

Je n’oublierais pas de mentionner les rythmiques groovy de Riziero Bixio à la batterie et Fabio Penna à la basse. Ces deux musiciens donnent à Marco une section rythmique de grande classe. C’est le magique "Never Too Late (For Love)" qui clôture cet album.

Des percussions, des cuivres, des musiciens de très haute volée et Marco Taggiasco en maître de cérémonie font de "THINGS AND MOMENTS LIVE", un must have et prouve que Marco est devenu tout simplement l’artiste number one en Adult Contemporary Music.

Work Of Art "In Progress" (2011)

2011-09-15T18:55:00.000+02:00

Depuis déjà quelques années, la Suède propose de jeunes artistes ou groupes très talentueux et c’est tout sauf une surprise de voir l’un de ses représentants, s'asseoir sur le trône (selon mon opinion) et d’être couronné "King of Melodic Rock". Pour ceux qui ont déjà fait le tour des très nombreuses reviews de ce "IN PROGRESS", il sera pour moi dur d’être original. Simplement, Work Of Art réédite son premier coup salvateur qui avait déjà fait le buzz. Aussi, la suite est du même calibre. Pourquoi autant de passion autour de ce groupe?
Trois ingrédients font la différence.

Le premier authenticité. Ce groupe est surprenant de classe et totalement décomplexé. Un premier album révélation, on pouvait penser qu'il ferait une suite avec des ouvertures metal, prog, indie pour rallier le chaland... du tout. Puriste, sans compromission, donc culte.
Le deuxième c’est sa créativité artistique et je reconnais qu’entre Lars Säfsund et Robert Säll, c’est le ticket gagnant, avec un potentiel qui n’a pas d’équivalent actuellement.
Le troisième est leur mise en place, parfaite. Déjà vétéran et malin le jeune Work Of Art sur certains plans : quelques titres aux mélodies rapidement décelables ou prévisibles, pas grave, la voix de Lars (qui a pris une sacré ampleur), un riff ingénieux ou des éclats de synthés les rehaussent et rendent la copie tellement brillante.
"The Rain" et "Nature Of The Game" ouvrent l’album, c’est explosif, ils enchaînent avec un de mes titres préférés "Once Again", mid-tempo tonique avec ce refrain si fragile, plein de feeling. "Never Love Again" enchaîne avec son synthé pétaradant. "Eye Of The Storm" et "Until You Believe", le groupe sait les faire passer facilement.

Le deuxième round est phénoménale, on repart avec le diabolique "The Great Fall" et cette intro de folie, "Call On Me", "Emelie", "Fall Down" sont géniales. L’album se termine avec deux superbes clin d'oeil, très surprenant à Bon Jovi avec "Castaway" et le dernier en hommage à Toto avec "One Step Away" (à tomber), qui offre des frissons aux ultras (comme moi) du légendaire groupe californien.
La suite se jouera au niveau des ventes, du bon moment et des live que le groupe pourra obtenir et bien sûr de son management, qui réussira ou non, à les rendre prime time.

Soit (et je leur souhaite de tout coeur), ils sont le grand tant attendu, soit il risque de faire comme par exemple Street Talk, des albums cultes au début et après un relatif anonymat. Il y a par contre une différence importante entre ce dernier et d’autres groupe oeuvrant dans ce style musical. Work Of Art, tant au niveau de son style, look et son registre complexe, jouant sur une dichotomie entre fragilité et assurance réussit à franchir un palier élevé qui faisait de lui une révélation musicale anachronique, en devenant un groupe inscrit puissamment dans le contemporain par son AOR avant gardiste. C’est peut-être leur plus belle victoire et de la faire partager avec ses fans autour du monde.

Orleans "Dancin’ In St.Thomas Moonlight" (2011)

2011-05-08T18:02:00.001+02:00

Je n’ai jamais eu la chance de voir Orleans live, c’est d’autant plus malheureux que le groupe possède déjà 40 années de carrière à son actif, "DANCIN' IN St. THOMAS MOONLIGHT" représentait une bien belle occasion pour moi, à travers deux supports de profiter d’un show récent, donné par ce groupe si génial.

Enregistré à Saint Thomas dans les îles Vierges américaines le 26 février 2010 au Reichold Center, ce concert rentrait dans le cadre d’une opération caritative au profit d’un orphelinat.

Orleans entra rapidement dans le vif du sujet avec ses intemporels singles que sont "Let There Be Music" et "Dance With Me", avec pour ce dernier, des guitares acoustiques, amenant toujours un feeling si particulier. S’ensuivit un "Dancin’ In The Moonlight" plein de groove (avec en guest Doc Robinson - Boffalongo, King Harvest), parfaitement adapté au lieu. De plus, il y a une histoire derrière ce titre qui liait Boffalongo et Larry Hoppen et un clin d'oeil à l'organisation de ce show. Le mid-tempo coloré "Heaven" est l’occasion de magnifiques harmonies vocales, une marque de fabrique du groupe il est vrai, comme le style musical célébré par Cool Night. Place au titre que je préfère, le magique "Love Takes Time", issu de leur album de 1979 "FOREVER". Cet étonnant d'ailleurs la fraîcheur de cette composition qui parait bien plus récente.

"Golden Slumbers" représentera un titre un peu différent pour ce concert, une reprise des Beatles, très acoustique et interprété presque en solo par Dennis Amero qui remplace maintenant la plupart du temps John Hall. On repart sur du Rock qui sent bon les highways avec "Please Be There". Le groupe terminant par deux classiques, que sont le débonnaire "Juliet", avec une nouvelle fois un travail remarquable dans la mise en place des coeurs et son duo aux trompettes entre Larry et Lane ! Puis par leur plus gros single "Still The One", pour lequel, on peu difficilement résisté tant cette chanson vous apporte des good vibes.

Certes 9 titres, cela fait court, mais Orléans propose (une excellente idée) un pressage sur deux support en CD et en DVD pour ce live, donc cela compense. Le DVD est filmé en one-cam, donnant un côté intime à leur prestation. Le line-up est classique avec Larry Hoppen et Lance Hoppen, Lane Hoppen aux keyboards et Charlie Morgan à la batterie.

En conclusion, une belle dose de Westcoast Music par un groupe de premier ordre, tant par la qualité de ses compositions et bien évidemment par le talent artisitique de ses musiciens, qui propose un réel collector, car l’édition est en tirage très limitée.

Rolf Jardemark "Sunset In Guitarland" (2010)

2011-03-23T20:15:00.000+01:00

Voila un album qui risque de me réconcilier avec les titres instrumentaux. Merci donc à Zink Music qui a édité ce "SUNSET IN GUITARLAND de Rolf Jardemark.

Après recherche, car le garçon m’était pour le moins inconnu, ce Suédois a quand même une certaine côte dans le petit monde de la Californian Music. Rien qu’à voir le plateau des musiciens et autres interprètes qui figurent sur le CD , on a compris qu’on avait pas à faire à un manche! Bill Cantos, Michael Ruff, Peter Friestedt à la prod, Neil Stubenhaus, John "JR" Robinson et Per Lindvall, bref que du beau monde! Rolf Jardemark officie entre Westcoast et Smooth Jazz et force est de constater que le bougre maitrise ces styles de façon hyper pro. Sur les 9 morceaux, 7 sont instrumentaux et deux chantés. "Cahuenga And Vine" interprétée par Bill Cantos vaut à elle seule l’achat du CD. Comme souvent avec Bill Cantos, les titres qui lui sont proposés sont magiques. On se souvient du superbe "Roxann" sur le Airplay For The Planet ou bien ceux qu’il interprétait sur les "LA Project" de Peter Friestedt, c’est parfait comme Westcoast 5 étoiles. "Rhythm Of The Rain" chantée par Michael Ruff fait plus dans la bossa tendance musique Brésilienne à la Sergio Mendes, pas désagréable mais pas ce que je préfère non plus. Par contre, là, où d’habitude je décroche fortement, les instrumentaux sont tous d’une qualité extrême. On voyage en Californie sans bouger de son canapé avec les superbes "Sunset In Guitarland", "Smoothie", "Back To You" ou "Del Mar". Rolf Jardemark maitrise la 6 cordes sans en faire des tonnes. Il distille des mélopées sublimes tout en finesse mais avec un sens de la mélodie très appliqué. Ces morceaux pourraient fort bien bénéficier de parties vocales tellement ils sont réussis.

Sur le dos de la pochette, il y a des palmiers bordant une rue de Californie, eh bien on y est aussi! Voyage gratos garanti mieux que Last Minute.Com. Les amoureux de Westcoast Music s’y retrouveront sans peine pour les autres un voyage pour aussi peu d’effort et de frais ne se refuse pas.

Joseph Williams & Peter Friestedt "Say Goodbye" (2010)

2011-02-28T18:51:00.000+01:00

Une mise en bouche avec l'édition de ce CD single 3 titres de Joseph Williams et Peter Friestedt qui annonce la sortie d’un album pour bientôt.

3 titres figure sur ce mini EP avec un seul titre du futur opus, "Say Goodbye". Cela annonce franchement de très bonne chose car le titre est parfait. Joseph Williams a toujours été un chanteur d’exception et ce morceau le prouve encore. On retrouve ici toute la classe du chanteur comme dans ses opus solos "I’M ALIVE" et "3". Une superbe mélodie, des arrangements soignés, bref parfait. Séance de rattrapage en ce qui concerne les deux autres titres avec "Gotta Find It" et "One More Night" tous deux tirés du LA Project 1 et 2 de Peter Friestedt. Interprété également par Joseph Williams, ces deux morceaux sont ébouriffants de classe. Je les connaissais déjà, bien sur mais cela ne fait jamais de mal de réécouter des compos de cette qualité.

Autant, le teasing pour Josef Melin avec le EP "OFFSHORE MONSTERS" ne m’avait pas emballé plus que ça, autant je salive d’avance et j’attends avec impatience la sortie courant 2011 du projet de Joseph Williams et Peter Friestedt. Cela sent l’album Westcoast de l’année!

Josef Melin "Offshore Monsters" (2010)

2011-02-21T20:29:00.000+01:00

Un petit focus sur ce CD 4 titres édité par l'excellent label Zink Music et qui annonce la sortie de l’album début 2011 de Josef Melin. Qui est ce type? Ceux qui s’intéresse à la Westcoast auront reconnu une des deux têtes pensantes de Smooth Reunion ; super projet Scandinave dont le premier album "CLEANING UP BUSINESS" avait été une franche réussite en 2008. En effet, cet opus était bourré de talent, de fraicheur, de drôlerie et franchement j’avais été fortement emballé par ce dernier.

Josef Melin a décidé de quitter le duo et de sortir son premier opus solo baptisé "PREPARE FOR Y2K". En attendant, Zink Music, son label sort cet EP 4 titres pour attirer le client. Ce 4 titres est en fait un trois titre puisqu’on retrouve deux fois le titre phare, "Offshore Monsters" sous deux versions différentes. On avait pointé le fait que Smooth Reunion était très influencé par Steely Dan, c’est peut être encore plus le cas ici. Plus que le Dan je dirais Donald Fagen en solo avec la voix qui est un mix entre Michael Franks et Randy Goodrum. Franchement, les deux premiers titres que sont "Offshore Monsters" et "Let Me Know ne sont pas vraiment facile d’accès. Il faut plusieurs écoutes pour les apprécier. C’est une Westcoast assez intellectuelle qui nous est proposée avec une instrumentation réduite à sa portion congrue. En effet, à part les synthés on entend pas grand chose d’autre. "Wave To Friends" le troisième titre est nettement plus intéressant pour moi car le coté minimaliste est abandonné pour quelque chose de plus musical avec des cuivres et une ambiance plus festive. A priori, ce titre ne figure pas sur l’album.

Je reste sur une impression assez mitigée dans l’ensemble, là ou Smooth Reunion m’avait bluffé, Josef Melin me déçoit un peu. Le garçon ne manque pas de talent mais d’un autre coté, je pense qu’il peut encore plus, par ce genre de compos, radicalisé le style Westcoast qui n’est déjà pas sous le feux des projecteurs. Sa musique est trop compliqué pour s’ouvrir sur le monde, dommage!

LA Cowboys "Endless Summer" (1993)

2011-01-28T19:03:00.000+01:00

1000 copies et c’est tout! Non ce n’est pas parce que c’est la période des soldes que je met cela mais tout simplement pour dire qu’AOR Heaven réédite cet album de LA Cowboys sur 1000 exemplaires.
Franchement, ce "ENDLESS SUMMER" est certainement un des meilleurs album de Westcoast de tous les temps à ranger avec le Airplay, le David Roberts, le Planet 3 entre autres.

Pour revenir à la genèse, il faut savoir que le groupe se compose de deux éléments qui sont :
James Studer au chant et aux claviers qui a travaillé avec Jim Messina et Al Jarreau et
Wayne Nelson au chant et à la basse qui fut membre du Little River Band.
L’album sort en 1993 sur un label Japonais et AOR Heaven le réédite en 1998 avec un nombre de 1000 copies. Depuis, délicat de se le procurer si ce n’est qu'en import Japonais et vous connaissez les prix de ces produits! C’est donc avec appétit que je me suis jeté cette année sur la nouvelle réédition du label.

La plupart des compos ont étés composées au départ pour des artistes Japonais totalement inconnu dans nos contrées mais visiblement adulés au pays du soleil levant. Bien entendu la liste des invités est ultra-prestigieuse et on retrouve Mick Fleetwood, Michael Thompson, Buzz Feiten, Tris Imboden et le grand Joseph Williams qui délivre une performance vocale de premier plan sur l’excellent "Something In My Heart". Ce morceau absolument sublime est tiré d’un film Japonais "Hitomi" qui remporta une médaille d’argent sur le 800 m en 1928 pour le Japon au JO d’Amsterdam. Mais des compositions aussi magiques que celle-ci , il y en a pléthore. C’est bien simple tout frôle le grandiose dans un style entre Airplay, Toto, Peter Beckett, Little River Band. Si on veut quand même ressortir quelques titres "Tokyo Woman", "Endless Summer", "Say You Love Me", "Wall Me Of The Water" et "Terra" peuvent être citées. Cette dernière propose un refrain d’une beauté immense et franchement rien que pour ce titre il faudrait acheter le CD.

Tous les fans de Westcoast et d’AOR soft doivent avoir cet opus dans leur collection. Un album de cette qualité il est rare qu’en Westcoast de nos jours il en sorte des tonnes.

MUST, MUST, MUST

Andrew Gold "All This And Heaven Too" (1978)

2011-01-28T18:05:00.000+01:00

Un focus sur cet album "ALL THIS AND HEAVEN TOO" d’Andrew Gold s’imposait car c’est un classique de la Westcoast.

Andrew Gold est un compositeur dont le père avait écrit la musique du film "Exodus" et la mère doublait Nathalie Wood dans "West Side Story" sur les parties chantées et Audrey Hepburn sur "My Fair Lady". Andrew bosse dans les années 70 avec des gens comme James Taylor ou Linda Ronstadt et sort son premier album en 1975 sous son nom perso. En 1977 sort l'album "WHAT'S WRONG WITH THIS PICTURE" son second essai puis en 1978 ce "ALL THIS AND HEAVEN TOO". Ensuite, et après "WHIRLWIND" en 1979 sa carrière solo périclite un peu et il perd le soutien de son label. On le retrouve au milieu des années 80 avec Graham Gouldman de Ten CC pour un projet du nom de Wax. Deux albums suivront avec un méga hit "Bridge To Your Heart". Ensuite, il reforme Bryndle avec entre autre Karla Bonoff puis il continue sa carrière solo. Il tournera dernièrement avec America et Stephen Bishop pour une série de concert.

Pour revenir sur ce troisième album, il faut dire qu’il a été réédité en 2005 par Collectors Choice Music avec quelques bonus, 5 au total qui ne sont pas essentiels mais plus pour le fan aguerri qui cherche les raretés. On a droit à la version originale de "Geneviève" qui n’est en rien identique à celle qu’il y a sur l’opus. Une version totalement musique Brésilienne. Cet album est un pur régal pour les oreilles et franchement il n’a pas pris une ride. Andrew Gold est un grand compositeur et enchaîne les hits comme "How Can This Be Love", le superbe "Oh Urania", "Never Let Her Slip Away" et "Genevieve" déjà citée. Ceux qui écoutait RFM dans les années 80 doivent connaitre ce classique de la Westcoast qui passait très souvent sur cette station. Mais le morceau de l’opus se nomme "Thank You For Being A Friend" qui fut son premier énorme Hit. Il faut dire que cette composition est magique et me fait toujours de l’effet malgré le fait que je l’ai entendu des centaines de fois. Elle rentre dans la tête sans lasser, bref un classique. Pour ceux qui ne connaisse pas cet artiste immense qu’est Andrew Gold , je vous conseille fortement une compilation "THANK YOU FOR BEING A FRIEND" sorti en 1997 et qui reprend de façon exhaustive le travail d 'Andrew à travers les années. Je vous conseille également les deux CDs de Wax dans un style plus pop synthétique mais de toute première bourre également, "AMERICAN ENGLISH" et "MAGNETIC HEAVEN".

Gary Wright "Headin' Home" (1979)

2010-11-18T19:08:00.000+01:00

Autour de la fin des années soixante et du début des seventies Gary Wright fût tour à tour clavier et compositeur de Spooky Tooth ( "Better By You, Better Than Me" ) et de Johnny Hallyday, j’en vois qui rigolent mais je rappelle qu’à l’époque de "FLAGRANT DELIT" le groupe comprenait également Mick Jones (futur-Foreigner) à la guitare.

Gary Wright est donc plutôt éclectique puisqu’il est capable de passer du blues-rock progressif à la variété-rock et même de faire un détour en 79 pour se rapprocher de notre musique favorite. Nous connaissions son talent de songwriter confirmé, restait à voir le résultat en solo. L’album alterne mid-tempos, ballades et Soul blues. Dans la première catégorie on trouve l’énergique "Keep Love In Your Soul" sur lequel on remarque la présence aux guitares de Steve Lukather (Toto) et de Fred Tackett qui rejoindra plus tard Little Feat ainsi que celle du saxo de Jim Horn. Dans la même veine "I’m The One Who’ll Be On Your Side" nous gratifie de la voix de Michael McDonald sur les chorus, certainement le morceau le plus accrocheur. Section ballades "Love’s Awake Inside" délicate et magnifiée par les harmonies vocales de Crosby et Nash avec Buzz Feiten à la guitare, "Moonbeams" dépouillée avec voix haute et la présence de Jeff Porcaro. Quand aux titres plus vigoureux "You Don’t Own Me" et "Stand" dans lequel la voix se fait plus éloquente avec le soutien de choeurs féminins.

Un album typique de la fin des seventies avec un sens averti de la mélodie évidente.

The Doobie Brothers "World Gone Crazy" (2010)

2010-11-05T18:59:00.001+01:00

Il ne vous a pas échapper que les Doobie Brothers fêtaient leur 40 ans de carrière ! Derrière ce chiffre tout simplement époustouflant, ils ont eu la bonne idée de célébrer cet anniversaire par la réalisation d’un nouvel album produit par Ted Templeman. Pour la petite histoire, ce dernier était aux manettes lors de leur premier disque en 1970, puis bien sûr, par la suite, derrière nombreux de leurs classiques.

Cette réunion s’annonçait donc vintage comme l’est également "WORLD GONE CRAZY".

C’est le coloré "A Brighter Day" qui ouvre les festivités avec un "steel drum" et des refrains très "gospelisant", titre surprenant, mais finalement réussit. S’ensuit le brûlant "Chateau", avant d’entrer dans le vif du sujet avec les deux pièces de choix que sont le magique "Nobody" (un remake de celui de 1970, mais bien plus enflammé). Une grande part de l’héritage musicale que nous offre les Frères Pétard se condense dans ces 4 minutes 35 et les freeways infinis qui vont avec, puis par "World Gone Crazy" qui rappel le Doobie de la fin des Seventies, là aussi tout y est. "Far From Home" est une jolie balade signée Pat Simmons, certes, un poil naïve. On termine la première partie de l'album par le punchy rock "Young Man’s Game".

Le deuxième chapitre redémarre par le nostalgique mid-tempo "Don’t Say Goodbye" avec la présence d’un Michael McDonald, lui aussi venu célébrer sa carrière au sein du groupe, suivit par "My Baby", un titre simple, mais efficace. Un gros clin d’œil à Santana apparaît avec "Old Juarez" qui mixe le style du guitariste moustachu et les brûlants rythmes des Doobie qui sentent bon le désert comme leur album "CYCLES". On termine par "I know We Won" (avec Willie Nelson) et "Law Dogs" qui par contre ne m’ont pas transcender. Si vous vous procurez les deux bonus, sachez que "Little Prayer" n’apporte rien, même pour les freaks comme moi, à l’inverse de "New York Dream" qui est vraiment un plus.

A bord du navire demeure Tom Johnston, Patrick Simmons, John Mc Fee et Michael Hossack. Une impressionnante liste de guests est venue en nombre pour participer à cette nouvelle réalisation.

La majorité des titres est signée Johnston avec en écho une association Simmons/Templeman. "WORLD GONE CRAZY"" a bien débuté aux USA, il vous fera passer un excellent moment. En étant un peu plus exigeant, on pourra toujours reprocher quelques compositions faciles pour un groupe de cette stature, mais l’essentiel est vraiment présent.

Paul Anka "Somebody Loves You" (1989)

2010-11-05T18:54:00.000+01:00

Encore un Anka à considérer comme un plat de résistance, "hard to find" car édité uniquement en Allemagne et non réédité depuis, mais qui vaut le déplacement dans tous les sens du terme.

Six ans le sépare de son prédécesseur, le mythique "WALK A FINE LINE" judicieusement proposé par CD Japan depuis quelques semaines.

Difficile de connaître les différents protagonistes car le livret ne délivre aucune information à part le nom des producteurs Humberto Gatica et Robbie Buchanan ainsi que celui de David Foster pour le titre "Stay With Me". Des études poussées menées sur le Web nous indiquent la présence de David Foster, Michael McDonald, Jeff Porcaro, Michael Landau et même de Dionne Warwick sur le duo "You And I". Cela reste hypothétique mais vraisemblable car les claviers notamment sont Fosteriens en diable "Somebody Loves You", "You And I" et "Let Me Try Again". Résolument décliné sur le mode langoureux, "Can We" avec piano et saxo à rendre sensuelle une actrice adepte du bistouri et du botox qui vient de gagner son procès, l’album nous offre néanmoins deux titres rythmés de bonne facture "A Steel Guitar And A Glass Of Win" et "The Lady Was".

Hautement recommandé aux amateurs de mélodies lascives et de production haut de gamme.

Steve Lukather : "All's Well That Ends Well" (2010)

2010-11-05T18:47:00.002+01:00

Mine de rien en plus de sa carrière au sein de Toto, Steve Lukather est en train de ce faire un petit patrimoine solo sympathique.

Premier album en 1989 et voici le petit dernier qui sort cette année sous le nom "ALL'S WELL THAT ENDS WELL". Le précédent "EVER CHANGING TIMES" en 2008 était publié par Frontiers mais cette fois ci c'est Mascot Records qui prend la suite. Toujours entouré de sa bande de potes pour les compos comme CJ Vanston, Fee Waybill ou bien Randy Goodrum, Luke délivre un bon album qui le caractérise totalement. On retrouve la patte guitaristique mais aussi les diverses influences qui transpirent du bonhomme depuis toujours. Du Rock, du Jazz, du Blues, du Hard et de la Pop c'est la recette de cet essai qui ne dénote aucunement des précédents. On retrouve toujours les mêmes qualités mais aussi les mêmes défauts sut tous les albums de Luke. Que le garçon soit mon guitariste préfèré c'est un fait, maintenant j'aimerais que ses solos soit plus régulier dans la qualité. Déjà, on évite un trop plein d'instrumentaux avec le seul "Tumescent" qui se suffit à lui même. Sur 9 titre, 1 instrumental c'est déjà beaucoup et en plus celui ci ne me fait pas apprécier ce type de musique. En fait, à bien y reflechir, à part le titre précité, il n'y a pas vraiment de mauvais morceaux. Il manque simplement des hits.

Un album de Luke s'étudie avec finesse, je vais donc essayer de le faire de la plage 1 à 8:

On débute par "Darkness In My World" avec une entame sombre et glauque avant de se lâcher un peu. Un titre très technique peut être trop mais qui prouve quand même combien le type est doué.

On continue avec "On My Way Home" où Luke nous emmène vers des sentiers Jazz Rock à la Steely Dan. Grosse performance du bassiste Carlitos Del Puerta. Cela groove sévère comme on dit. Il manque peut être un refrain plus mélodique pour faire de ce titre une totale réussite.

"Can't Look Back" est certainement le morceau le plus mélodique et propose un rock FM à la Toto ou Luke excelle. Une superbe composition.

"Don't Say It's Over" est une ballade romantique assez sombre mais de haute qualité. Luke fait pleurer sa guitare et assure au niveau du chant sur ce type de composition lente.

"Flash In The Pan" est un morceau Blues Rock un brin fusion. Cela déménage sec mais le refrain est peut être un brin faiblard par rapport au couplet et aux riffs endiablés.

"Watching The World" propose la seconde ballade du CD. Un titre très atmosphérique mais réussi. Luke a l'habitude de chanter les ballades dans Toto et il le fait parfaitement avec le groupe comme en solo.

"You'll Remember" emprunte le même chemin que "On My Way Home" en proposant des influences Jazz Rock avec cependant ici un refrain réussi.

"Brody's" est la seule composition co-écrite par Randy Goodrum. Teinté un brin 70's, ce titre est très réussi que ce soit musicalement ou bien au niveau mélodique. Le riff est entêtant et ne nous lâche plus.

Comme souvent après la sortie d'un album solo de Luke, j'ai le cul entre deux chaises. Je trouve ça bien mais il me manque quelque chose pour en faire un must. Cet album en est encore la parfaite illustration. Tout est bon ou presque mais pourtant une fois que je l'aurais rangé, vais je le ressortir? Pas sur!

Bill LaBounty "Back To Your Star" (2009)

2010-10-19T20:00:00.000+02:00

18 ans après son "RIGHT DIRECTION", Bill LaBounty marquait son retour par cette réalisation qui avec son artwork offrait un clin d’œil affiché à son prédécesseur.

Si Bill officie depuis bien longtemps du côté de Nashville, il n’en a pas oublié et souvent déclaré que sa musique, était bien plus inspiré, par la Côte Ouest californienne. Une évidence quand on écoute le single de cet album "California Turnaround".

Finalement et un peu logiquement, avec les années, elle a pris des accents jazz et soul mais reste toujours très typé westcoast comme sur "Running On Fumes" et "Cinderella". Pour les amateurs de rhodes, l’album en est truffé et c’est toujours pour moi un plus. De jolies mid tempo comme "Dianne" qui pourrait provenir des sessions de son éponyme de 1982 ou "Back To Your Star" sont présents. A noter, le groovy "Golden Now" qui me fait penser à Robbie Dupree, tant la musique entre les deux amis est contiguë.

On pourra toujours reprocher à cette nouvelle réalisation quelques titres un peu passe partout, parfois mollasson comme "Old Habits" ou "River Girl", mais une composition comme "HWY 85" vous apportera un frisson salvateur tant elle est géniale et comme son titre l‘inspire, vous donnera l’envie de freeways et de liberté.

Au rayon des invités Robbie, Larry Carlton, David Hungate, Steve Wariner, Danny Parks, Steve Levine, Michael Rhodes pour un album qui encouragera Bill à revenir nous voir plus souvent, on l’espère.

California Groove

2010-10-07T08:54:00.000+02:00

Honte à moi! Sorti avant l'été , je n'avais même pas évoqué le deuxième volume de la compilation de référence Westcoast, "CALIFORNIA GROOVE".

Après le premier volume sorti l'an dernier, on a droit à la même pochette mais avec un fond violet au lieu de bleu. Toujours 4 CDs pour une somme modique et cela est remarquable. Comme sur le premier volume, "CALIFORNIA GROOVE 2" propose les mêmes qualités et les mêmes défauts.

Qualité, car on retrouve la crème de la crème Westcoast avec des titres références comme "Good Life" de Bill LaBounty, "What You Won't Do For Love" de Bobby Caldwell, "Steal Away" de Robbie Dupree et "Broken Wings" de Mr. Mister entre autres. Qualité aussi, car sont aussi compilés des titres d'albums, à ce jour, difficilement trouvable sauf en import Japonais comme "Moonlight Over Paris" de PM, "Which One Of Us On Me" de Jay Gruska, "Knock Down The Walls" de Steve Kipner. Qualité également car la Westcoast d'aujourd'hui n'est pas oublié avec les très bons titres de State Cows ou bien Sven Larsson.

Il y a aussi des défauts et des manques comme dans un premier temps le choix des titres. Comment expliquer le choix de "Island Fever" pour Jack Wagner qui est certainement un des plus mauvais titre qu'il n'ait jamais fait? Comment, peut on prendre dans la discographie "Davy" de Sergio Mendes en occultant les titres de BRASIL 86" ou bien "CONFETTI"?

De plus, je trouve que la part belle est faite quand même a la période 70s qui n'est pas ma préférée en ce qui concerne la Westcoast avec "Love Song" de Robert Lamm, "Carolina Caroline" de Jonathan Edwards qui sonne plus country classique que Westcoast ou bien "Alexi" de James Gang.

Que dire aussi de certains oublis comme Chicago, Eagles, Kenny Loggins, Airplay, Planet 3 et toute la mouvance Westcoast Scandinave comme Sko/Torp, Edin Adahl ou Lava.

Dans l'ensemble cette compilation tient fortement la route et vu le prix et la qualité d'ensemble, il serait dommage de s'en priver. Alors a l'année prochaine pour le Volume 3.

Amy Grant "Somewhere Down The Road" (2010)

2010-10-07T08:43:00.000+02:00

7 longues années que ma chanteuse préférée n'avait pas sorti d'album studio à proprement dit. A part un live, des disques de Noël, des compilations et des apparitions sur différents hommages à d'autres artistes, plus de news d'Amy Grant.

Comme le laissait entrevoir "SIMPLE THINGS" dernier essai en date, la belle se cantonne maintenant dans un filon pop folk assez calme, voir même trop calme. La voix est toujours la mais les compos ne sont plus aussi intense que du temps de "HOUSE OF LOVE", "LEAD ON ME" ou bien "HEART IN MOTION". En fait depuis qu'elle a quitté Gary Chapman pour Vince Gill sa musique a gagné du spleen. Pourtant, les compositeurs des débuts comme Wayne Kirkpatrick sont toujours la mais j'avoue avoir du mal à ne pas complètement m'endormir après les 12 titres de cette galette. Bien entendu, il reste des moments de grâce comme "Better Than A Hallelujah" ou bien le superbe duo avec Sarah Chapman (sa fille?), "Overnight". On retrouve du grand Amy Grant, des titres tout en finesse mais avec une grâce qui se dégage qui m'est pour le moins inexplicable. Toujours dans le rayon des réussites, je citerai "Every Road" et "Unafraid" magnifique ballade simplement à la gratte sèche.

En fait le problème n'est pas tant sur la qualité des compos mais plutôt sur le coté uniforme de l'ensemble qui fait que peu de titre vienne pour faire décoller l'ensemble. En fait, le CD devrait s'arrêter après "Hard Times" et "What Is The Chance Of That", le reste est franchement dispensable avec en point d'orgue l'horrible "Third World Woman". On a même droit à une version 2010 de son ancien titre "Arms Of Love" qui ne méritait franchement pas d'être réorchestré.

Même si je reste un fan fidele et indéboulonnable d'Amy, j'avoue qu' elle m'a un peu déçu. Je dis souvent que les EP sont trop court mais pour cet album, elle aurait pu le faire...

Jeff Cannata "Watching The World" (1993)

2010-09-26T19:58:00.000+02:00

La FM progressive n’est pas si courante surtout quand elle présente les attraits de "WATCHING THE WORLD" l’album de Jeff Cannata (et non Richard comme je l’ai baptisé dans une chronique précédente) qui est sorti en 1993.

Compositions, arrangements, mixage, production et instruments, avec l’aide de quelques invités, on ne peut pas dire que Jeff Cannata aura chômé même si un album tous les cinq ans c’est pas non plus l’usine : "ARC OF AN ANGEL" (1983), "IMAGES OF FOREVER" (1988). Saluons une fois de plus Mark Ashton, (Now and Then Records) qui a eu l’initiative de cet enregistrement.

Des lignes de chant d’une grande richesse mélodique aux harmonies délectables "Over The Line", "Watching The World" avec des guitares et des claviers à l’envie. Des chansons ciselées avec rupture de rythme à la clef "When It’s Love" des ballades à vous mettre des orties dans les veines "Just You And Me", "Let It Be" cette dernière avec un petit sax en prime et toujours cette touche progressive bien en évidence sur "Take Me Over".

L’album se termine par une chanson interprétée par son fils de 4 ans, celle-ci on s’en serait passé, mais vous savez comment sont les pères... monsieur Bruno.

Lara Fabian "Carpe Diem" (1994)

2010-09-26T19:45:00.000+02:00

Avant d’être championne es décibels et de nous célinedioniser ses chansons, Lara Fabian a eu une vie, et surtout un fabuleux talent d’interprète à la voix claire et expressive.

Quand elle vivait au Canada, elle a fait connaissance de toute une pléiade d’artistes que l’on retrouve ici en compagnie de Rick Allison, son pygmalion et amoureux de l’époque. Imaginez que pour son second album la belle s’offre des compositeurs du niveau de Richard Marx, Stan Meissner et Bruce Gaitsch. Ca tue non ?

Du Soft Rock interprété avec émotion qui vous titille la corde sensible "Puisque C’est L’amour", "Tu T’en Vas", "Si Tu M’aimes" en oscillant entre ballades et mid-tempos avec même parfois une touche Westcoast : "Je Vivrai". Si Lara démontre déjà une puissance vocale impressionnante c’est avec suffisamment de retenue pour ne pas faire exploser les tweeters de vos haut-parleurs "Ramène-Moi". Les musiciens enjolivent l’ensemble mais comment pourrait-il en être autrement lorsqu’ils s’appellent Bruce Gaitsch (guitare), Stan Meissner (guitare) ou Dave Pickell (claviers). Et quand Lara Fabian vous la joue intime, piano et voix, dans "Pas Sans Toi" on a quasiment la sensation qu’elle s’adresse à vous seul. A condition d’apprécier les chansons d’amour, Lara s’avérait déjà un formidable auteur dans ce registre.

Puisse-t-elle un jour revenir à ses premières amours puisqu’elle a déjà réussi à baisser le ton ce qui nous évite de baisser le son.

C’est comme Hélène Segara (ne riez pas !) dommage qu’elle n’aie pas poursuivi dans le genre "Une Voix Dans La Nuit", enfin c’est mon avis.

Terry Brock "Diamond Blue" (2010)

2010-08-29T07:14:00.000+02:00

C’est avec une infinie patience que nous attendions ce 2ème album solo du chanteur américain Terry Brock, car depuis 1999, il nous avait mis l’eau à la bouche avec "BACK TO EDEN", déjà sorti chez Frontiers Records. Il y a même des fans du vocaliste qui commençaient à désespérer, c’est dire !!!

Le très talentueux chanteur (qui a chanté pour Kansas, fondé Strangeways en fin des 80’s et œuvré sur le projet The Sign) a certes été très occupé depuis le début du siècle, notamment avec Seventh Key au niveau des chœurs et à la guitare, avec Phantom’s Opera sur l’album "ACT IV" sorti en 2003, sans oublier bien sûr sa phénoménale performance sur l’album "NOWHERE LAND" de son compère Mike Slamer. De plus il est récemment devenu le chanteur de Giant sur leur tout dernier album "PROMISE LAND". Ses contributions musicales toujours aussi performantes ont malheureusement reculé à chaque fois ses sessions pour Diamond Blue. Ayant enfin pu se dégager de ses obligations, il a conçu son 2ème album solo avec le brillantissime guitariste, compositeur et compère de toujours, le magique Mike Slamer, Andy Bigan complétant de fort belle manière le duo à la batterie. Car ce nouvel effort mélodique est truffé de titres alléchants, de chœurs et de guitares étincelantes avec d’entrée le très entrainant et surtout très rock FM "Diamond Blue", aux guitares ciselées et qui place ainsi la barre très haut, mélodiquement parlant. Un titre déjà qualifié de must qui comporte tout ce qu’il faut pour donner un élan musical unique à cet album. Une fois ce cadre posé, les autres compositions vont poursuivre ce travail mélodique intense, tant au niveau composition qu’au niveau interprétation sans oublier la qualité instrumentale et la production, hyper claire, rigoureuse et sans à coups. Avec ensuite "It’s You" très rock, "Jessie’s Gone" composé avec le guitariste de Strangeways, Ian Stewart, "No More Mr. Nice Guy" hyper enthousiasmant, "Broken" plus musclé sans oublier les excellents mid-tempo que sont "Why", "Too Young" ou "Soldier Falls", c’est alors un déluge de guitares splendides et toutes en finesse à la fois, de mélodies sublimes, gorgées d’émotions, de chœurs FM poignants. Avec de plus 2 ballades "The Rain" et "Face The Night" qui clôt l’album, Terry Brock manifeste sa grande présence sur la scène mélodique internationale, par sa voix chaude, emplie de feeling et de sincérité.

Le duo formé avec Mike Slamer, symbole de la pureté guitaristique même, reconnaissable entre mille, devient incontournable dans ce domaine et ce disque va faire très mal, vraiment. Un diamant éternel que nous délivrent là les 2 Américains au talent immense !!!

Tommy Shaw

2010-08-29T07:12:00.002+02:00

"GIRLS WITH GUNS" (1984)

"WHAT IF" (1985)

"AMBITION" (1987)

Deux minutes SVP, j’enlève mes lunettes de soleil et mon string, j’essuie l’ambre solaire et promis j’attaque ma chronique des Tommy Shaw.

Bon, pour être sincère, je n’ai jamais été un grand fan de Styx à l’exception des titres qu’il a signés dont "Crystal Ball" que j’écoutais en boucle à l’époque
.
Notre relation aurait donc pu s’arrêter là si un collègue ne m’avait fait découvrir au début des années 90 "AMBITION" le troisième album solo du bonhomme. Une bombe parue en 1987 et que ne renierait pas un terroriste accompli. Dès lors, j’épluchais les bacs des disquaires d’occasion, le lot de beaucoup d’albums devenus cultes, et trouvais mon bonheur et ses petits frères Boulevard Saint-Michel à Paris.

"GIRLS WITH GUNS" son premier effort en solo qui date de 1984 vit la chanson éponyme figurer au générique de la série télé américaine "Miami Vice". L’album confirme déjà les qualités d’un compositeur et interprète doublé d’un guitariste redoutable en alignant rocks carrés avec gimmicks de guitare assorti "Come In And Explain", "Fading Away", mid-tempos enlevés ; "Outside In The Rain" interprété en duo avec Carol Kenyon (The Division Bell de Pink Floyd), "Heads Up" au refrain multi-voix co-écrit avec Kenny Loggins, "Free To Love You" et les ballades "Lonely School", "Kiss Me Hello" 7’47 de bonheur aux vocaux aériens avec de longs passages instrumentaux jouissifs.
On termine en beauté avec "The Race Is On" qui voit la présence au saxo de Richard Cannata dont certains CD’s mériterient bien une chronique future.

"WHAT IF" en 1985 est selon mon coiffeur un poil en-dessous du précédent et du suivant. Je partage assez son avis car l’ensemble est moins brillant, les mélodies moins inspirées, même si "Remo’s Theme (What If )" possède un refrain accrocheur, "Reach For The Bottle" une guitare acérée et "This Is Not A Test" un entrain communicatif.

Pour "AMBITION" sorti en 1987, Tommy s’est trouvé un allier de choix en la personne du producteur Terry Thomas (Bad Company) qui co-signe également les neuf titres originaux. L’album rutile de partout avec des mélodies passées au polish. "No Such Thing" un rock pêchu dans lequel Tommy s’en donne à cœur joie vocalement et côté guitare, "Dangerous Game" mid-tempo exaltant dont le refrain multi-voix est suivi de soli limpides, "Are You Ready For Me", "Love You Too Much", "The Weight Of the World" et leurs refrains tubesques. "The Outsider" qui possède des accents à la Brian Adams, celui de "Run To You" avant qu’il ne s’égare dans la forêt de Sherwood avec Robin des bois. Sans oublier la ballade "Ever Since The World Began" empruntée à Survivor.

En 1990, Tommy s’associera avec Jack Blades (Night Ranger) et Ted Nugent pour fonder Damn Yankees avec qui il publiera 2 albums avant de poursuivre en duo avec Jack Blades à deux reprises entre lesquelles il reviendra en solo avec "7 DEADLY ZENS" en 1998.

Coverdale-Page "Coverdale-Page" (1993)

2010-08-29T07:07:00.000+02:00

L’exemple type de l’album à controverses, pour certains un pâle succédané de Led Zeppelin, et pour d’autres une sorte de résurrection pour Jimmy Page et David Coverdale, ex et futur leader de Whitesnake en 1993. N’en déplaise aux premiers, je fais partie des seconds et regrette que mon papa ou ma maman n’aie pas fauté avec un(e) asiatique, ce qui m’aurait permis d’assister à l’un des rares concerts qu’ils donnèrent au pays du soleil levant. Mais je sors un peu du sujet comme dit Cynmi quand il est dérangé en aimable compagnie.

Pour ce qui nous occupe, il ne s’agit certes pas d’un album de légende, ils ont renoncé à temps à cette appellation et si l’on est souvent proche de la caricature, "Over Now" en faux cachemire, plusieurs titres raviront les nostalgiques de Led Zep et Whitesnake. A commencer par "Waiting On You" dans lequel Coverdale joue les "rauqueurs" accompagné par les riffs impériaux de Jimmy Page. "Take Me For A While" qui suit s’avère une ballade saisissante avec cette vigueur que sait leur donner David Coverdale dans les envolées finales. "Pride And Joy" sonne comme du Led Zeppelin plus vrai que nature sans sombrer dans l’auto-parodie en mélangeant acoustique et électrique, calme et hargne, porté par une batterie omniprésente. "Easy Does It" illustre la prodigieuse capacité de Jimmy Page à construire des morceaux à l’atmosphère menaçante (les notes basses) qui éclatent finalement dans des breaks de guitares qui vous libèrent de cette tension sous-jacente. "Don’t Leave Me This Way" renoue avec la veine Bluesy du dirigeable pour un morceau fleuve de 7’52 qui rappelle le bon vieux temps : voix déchirée et guitare déchirante pour des vagues de violence lancinante. L’album s’achève sur "Whisper A Prayer For The Dying" à la rythmique martelée qui, contrairement à son titre, démontre que nos deux comparses sont encore bien vivants.

Malheureusement, cette réunion ne fut qu’une union fugitive comme une impasse signalisée par le panneau insolite qui illustrait la pochette de l’album.

Petra "No Doubt" (1995)

2010-08-29T07:05:00.000+02:00

Une question me taraudait : Petra, Petra pas ? Hé bien oui ! car la bande de Bob Hartman nous délivre une très bonne cuvée qui leur apporta d’ailleurs le Grammy Award du meilleur album de Rock Gospel en 1995.

Plusieurs changements notables avec cette galette : au niveau du personnel John Lawry (claviers) s’en est allé et est remplacé par Jim Cooper, David Lichens (guitares) remplace Bob Hartman qui participe à l’album mais délaisse les tournées.

Une bonne nouvelle c’est que John et Dino Elefante sont revenus à la production et cela s’entend : la voix est mixée en avant, les guitares claquent et chaque instrument possède du relief. M’est avis que notre bande, en bons représentants du Rock Chrétien, s’est calée les joues avec des hosties pleines de vitamines.

"Enter In" attaque très fort avec une mélodie au refrain monstrueux, j’en ai flingué la touche repeat de ma télécommande. "Think Twice" assure le doublé gagnant avec des chorus en boucle. Est-ce qu’ils vont nous laisser souffler ? Que nenni ! cela continue avec "Heart Of A Hero" dans lequel John Schlitt prend sa voix de méchant et où ses acolytes nous martèlent les tympans dans une cavalcade revigorante portée par la batterie de Louis Weaver qui nous réduit en miettes. Que c’est bon mes frères ! enfin, façon de parler. "More Than A Thousand Words" calme un peu le jeu avec une ballade néanmoins puissante qui nous amène au titre éponyme, seconde ballade dans la même lignée. Ainsi, si votre chèr(e) et tendre n’avait pas compris la première fois, "No Doubt" que cette fois-ci il ou elle rendra les armes.

Ca a pété ! Ils nous l’ont joué tranquille sur deux titres et nous attaquent en traîtres avec le suivant "Right Place" qui nous balance du TNT pur jus dans les gencives, du moins dans les oreilles. Je passe tout de suite au dernier morceau, j’peux plus attendre sainte mère de Dieu (pardon !) tellement qu’il est bon : "We Hold Our Heart Out To You", ballade typée californienne avec des voix type re-re, des envolées, des choeurs célestes (ça c’est normal), une vraie splendeur vous dis-je.

Quant aux autres titres que j’ai omis de mentionner, je vous assure qu’ils sont de la même trempe mais il faut bien ménager un peu de surprise.

Henry Kapono "Same World" (1991)

2010-08-17T14:37:00.001+02:00

Une curiosité exotique d’un chanteur Hawaïen qui s’adresse avant tout aux admirateurs de Michael McDonald et dans une moindre mesure de Jeff et de Mike Porcaro. Ces derniers sont présents ensemble ou séparément sur 5 des 10 titres de l’album tandis que Michael est le co-auteur de "Same World" sur lequel il assure le contre-chant de même que sur "I’ll Be Here".

L’album nécessite de dépasser certains à priori dont en premier lieu la pochette mais comme on dit dans certains monastères : l’abri ne fait pas le moine. Le second est le premier titre "Insy’a" à moins que vous ne soyez nostalgique de votre dernier voyage en club de vacances quand vous dansiez collé serré avec votre voisine de bungalow. Pour être franc les deux titres avec McDo sont les meilleurs avec une préférence pour "Same World" aux accents Westcoast caractéristiques du bonhomme. Le slow "All Because Of You" avec les Porcaro’s brothers n’est pas désagréable, de même que la ballade "Hold Me Up" et si vous aimez le reggae "Stand In The Light" avec Third World et Tower Of Power. Pour le reste, je conseillerais quelques rations de Ti' punch avant l’écoute.

State Cows "State Cows" (2010)

2010-08-17T14:32:00.001+02:00

ATTENTION MONUMENT! Le label Avenue Of Allies m'avait envoyé la totalité de leur production et j'avoue avoir été chaudement intéressé par toutes les sorties du label. Néanmoins, une ressort du lot pour l'amateur de Westcoast que je suis.

Le groupe s'appelle State Cows et est composé de deux musiciens suédois. D'un coté Stefan Olofsson qui s'occupe des parties claviers et de l'autre Daniel Andersson qui officie au chant et à la guitare. Ce dernier ne m'était pas inconnu car il avait sorti en solo un excellent EP, "DAYS IN LA", qui m'avait déjà fortement marqué. En effet, j'avais trouvé l'album trop court tellement la Westcoast que proposait le garçon était jouissive. On sentait le fort potentiel. Du potentiel il y en a et je peux dire sans prendre de risque que ce State Cows fera date au sein du mouvement Westcoast. N'ayons pas peur des mots, on a la un chef d'œuvre absolu digne des plus grands opus fin 70, début 80. On croit écouter, soit Pages, soit Airplay voir un des premiers albums de Marc Jordan avec des relans de Steely Dan. D'ailleurs, les arrangements, la production, l'utilisation des instruments, la façon de poser la voix tout est fait pour rappeler l'époque bénie de la Westcoast Music. A part, quelques titres comme "Painting A Picture" qui sonne plus actuel, on a l'impression que l'album a été enregistré en 1980. Même Jay Graydon , leur idole, ne s'y est pas trompé en venant poser un petit solo sur l'incontournable "New York Town". Tous les morceaux sont d'une puissance absolue. Nous avons à une section de cuivre de 1er choix : saxos, trombones et autre trompettes. On croirait que la section cuivres de Chicago s'est déplacée tellement cela joue de manière sensationnelle. Les parties de guitares sont à la fois jazzy par moment, parfois plus rock mais toujours avec l'influence de type comme Jay Graydon ou Michael Landau. La voix rappelle Marc Jordan, Jay Graydon ou Randy Goodrum. Le son est tout bonnement fantastique.

Absolument rien à redire à ce premier essai de nos deux Suédois si ce n'est que ce State Cows est certainement un des meilleurs CD de la Westcoast Music de ces 20 dernières Années, si ce n'est plus. MUST, MUST, MUST!

Stan Bush "Dream The Dream" (2010)

2010-08-17T13:28:00.001+02:00

3 ans après le magnifique "IN THIS LIFE", qui nous avait vraiment enchantés, le chanteur américain Stan Bush aligne donc son 10ème album solo avec à peu près la même équipe : Holger Fath aux guitares et claviers, Matt Bissonnette à la basse (remplaçant Lance Morrison) et Matt Laug aux fûts. Et bien sûr le nouveau venu "DREAM THE DREAM" ajoute encore un peu plus de mélodies, de guitares cristallines et de compositions ciselées, travaillées et parfaitement AOR. La force musicale de Stan Bush alliée à un enthousiasme toujours présent, prédomine sur chacun des 12 titres de cet album. Tout incite au rêve et illustre cette capacité à produire une musique riche, dynamique et résolument rock FM. Avec sa voix si particulière, légèrement cassée mais toujours empreinte d'une émotion extraordinaire, Stan Bush rayonne de A à Z sur cette galette soignée, bien produite par Holger Fath. Ouvrant avec une composition en béton hyper AOR "Never Hold Back", la suite s'échelonne de mid-tempo en mid-tempo avec une énergie mélodique superbe : les "Don't Give Up On Love", "Two Hearts", "In My Life" fleurent bon la musique AOR américaine, cher à notre chanteur. Le sommet de l'album est bien le titre même "Dream The Dream" qui alterne la douceur FM avec une mélodie rehaussée par des guitares plus mordantes et des chœurs magnifiques. N'oublions pas non plus le travail des claviers toujours là à point nommé sans quoi un tel album ne serait que quelconque. Inutile donc de vous dire que la suite regorge encore de titres impeccables, alignés avec bonheur, appuyés par les guitares toujours éclatantes du sieur Holger. Même si l'argument du renouveau n'est pas vraiment approprié à cet album, il n'en reste pas moins que cette pureté musicale, cet AOR vivace que Stan Bush perpétue encore et encore a de beaux jours devant lui. Même si le dernier titre revisité "Sam's Theme (The Touch)" peut paraître incongru dans cette galette, c'est vraiment un bravo vibrant que nous adressons à l'américain pour cette nouvelle perle mélodique, poignante, sincère et ô combien impressionnante !

Yoso "Elements" (2010)

2010-07-29T20:42:00.000+02:00

Yoso est le nouveau projet créé de toutes pièces par Bobby Kimball (Toto) avec Tony Kaye et Billy Sherwood (Yes). Ils se sont associés pour former un condensé de Toto et de Yes et poursuivre l’aventure là où les 2 groupes respectifs l’avaient laissée. Yoso est un nouveau groupe certes intéressant mais qui n’innove pas trop sous le soleil américain du rock mélodique. Cela reste très conventionnel, 12 titres qui ne vont pas défrayer la chronique de la scène musicale loin s’en faut ! On croit vraiment entendre du Toto parfois ("Only One", "Come This Far", "Time To Get Up") et puis ensuite du Yes sur "Return To Yesterday", plus progressif, plus recherché et surtout plus long (7’20’’), en clôture d'album. Rien qu'à l'écoute de ces titres, on est déjà sur notre faim, musique claire mais assez insipide et pas vraiment envoutante. Et le reste ? Avec "Path To Your Heart", nos oreilles ont commencé à frémir : jolis solos de guitares, mais la voix de Bobby Kimball devient de plus en plus aigue et commence sérieusement à agacer, au fur et à mesure que les titres défilent. Certes de jolies ballades viennent agrémenter cet ensemble peu riche comme "Where You ''ll Stay" ou "To Seek The Truth" et avec "Walk Away", il y a un éclairage plus alléchant à cet album intitulé tout simplement "ELEMENTS", qui ma foi porte bien son nom puisque l’on a affaire à un assemblage d’éléments disparates, de qualité certes mais sans grande originalité. Le seul point positif est le titre qui ouvre l’album, le très novateur "Yoso" car il laisse entrevoir un futur plus intéressant, vu sa structure musicale plus moderne et plus attirante, avec ses chœurs bien chatoyants et une mélodie qui vous restera en tête. On peut donc croire que le prochain album de Yoso ira voyager vers ces contrées nouvelles et apportera plus qu’un amalgame de titres hétéroclites. A noter qu’un CD bonus live complète le tout, avec des classiques de Toto et de Yes, qui à mon sens n’apportent rien, les originaux restant tout de même inégalables. A ne conseiller qu'aux vrais inconditionnels passionnés de ces groupes phares.

Licence "Hogt Spel" (1981)

2010-06-29T20:30:00.000+02:00

Pour tous les fans de Westcoast Music, cet album de Licence est un Graal dans le sens où c'est la première fois qu'il existe un pressage en format CD...

En effet, cet opus des Suédois est sorti en 1981 et depuis n'avait jamais eu les faveurs même chez les Japonais d'une réédition. C'est chose faite aujourd'hui grâce à Zink Music. Merci donc à eux.

Pour en revenir a l'album et au groupe, ce dernier est composé de 6 membres qui ont depuis disparu de la circulation. Le projet a été fondé comme un équivalent Suédois au groupe Airplay. Il est vrai que musicalement il existe une très forte similitude. Les compositions rappellent avec évidence le projet de Jay Graydon et de David Foster. Mais il y a un hic! Tout est interprété en Suédois et j'avoue avoir beaucoup de mal avec cette langue comme avec l'Allemand d'ailleurs. Chanté en Anglais cet album serait énorme, en Suédois cela m'accroche l'oreille. Un seul titre est en Anglais et c'est un bonus "Out Of Control" qui montre un peu ce qu'aurait été l'album chanté dans la langue de Shakespeare.

Pourtant la qualité musicale est bien présente sur les morceaux comme "Over", "Fragor" ou bien "Ingen Ande". Tout est parfaitement en place, des guitares présentes sans être envahissantes, des touches de pianos ou de synthés magiques, des chœurs parfaitement maitrisés, bref une réussite au point de vue musicale. Qu'aurait donné "Vanliga Ord", superbe morceau, en Anglais? On ne le saura jamais.

Néanmoins, pour les collectionneurs comme moi, cet album de Licence trônera quand même fièrement dans ma discothèque plus comme un objet de valeur que comme un CD que j'écouterais régulièrement.

Sven Larsson "Sunlight And Shadow" (2010)

2010-06-29T20:28:00.000+02:00

Sven Larsson est un guitariste Suédois qui joua au départ dans des groupes obscurs comme Galleon (Rock progressif) et Xinema (AOR-Prog). Après , ces deux expériences il rejoint Fredrik Bergh et Goran Edman pour le projet Street Talk et leur second album "TRANSITION". Il devient le guitariste du groupe et participe à tous les opus. En parallèle, il fomente un projet solo qui donnera "SUNLIGHT AND SHADOW" qui sort cette année sur l'excellent label Avenue Of Allies.

J'avoue avoir été un peu déçu aux premières écoutes de ce CD mais cette impression s'est estompée au fil du temps. Je m'attendais peut être trop à un Street Talk bis et de plus il est vrai que Sven Larsson n'a pas la voix de Goran Edman. En fait, il faut prendre ce premier solo comme on prend les solos de Steve Lukather. Des ressemblances avec Street Talk mais une touche personnelle en plus et un jeux de gratte bien mis en avant par rapport au groupe de Fredrik Bergh. D'ailleurs la comparaison avec Luke est vraiment adaptée car beaucoup de titres ressemblent à du Toto et le garçon part aussi de temps en temps dans des délires guitaristiques qui peuvent paraitre bizarre mais qui donne une touche toute personnelle à cet album.

Ce côté personnel, on le retrouve sur les instrumentaux que sont "Tube" et "Candy" mais aussi sur "Bastard" titre qui rappelle fortement Luke en solo et même la digression un brin jazzy Westcoast qu'est "Daydreamer". Ici Sven Larsson se lâche totalement. Ensuite on adhère ou pas mais on appréciera quand même le talent du guitariste qui est énorme. Sur le reste on retrouve une compo typique Street Talk avec "Sunlight And Shadow", des ballades Totoesque comme "It's Over" ou bien "Fly On By", du rock plus musclé à la Toto période "KINGDOM OF DESIRE" avec "I'll Turn My Back" et des très bons titres AOR comme "Eagle" ou "This Is Not The Right Time".

Un album complet rempli de petites pépites qui prouvent que le garçon a du talent à revendre. Ce premier essai mérite d'être écouté et réécouté car franchement on mettrait Steve Lukather sur la pochette , je pense qu'on en parlerait plus. Premier essai prometteur à confirmer par la suite et en espérant bientôt un nouveau Street Talk.

Sedona "Golden Valley" (2010)

2010-06-29T20:25:00.001+02:00

Cocorico! Merci au label Avenue Of Allies de nous permettre d'entendre cet album de Sedona, des petits Français qui font dans l'AOR et la Westcoast.

Avec cette introduction, je tiens à saluer ce nouveau label qui avec ses différents artistes propose actuellement des choses très intéressantes que ce soit en terme de Westcoast, d'AOR et de Hard mélodique. C'est certainement actuellement le label le plus novateur et le plus éclectique du circuit.

Parenthèse refermée attachons nous à cet album. Sedona est donc un combo Français qui a commencé par sortir deux essais en Français, "DREAM CATCHER"et "TOUT ARIZONA". J'avoue n'avoir jamais écouté ces deux raretés. "GOLDEN VALLEY" est leur premier album en Anglais et date de 1995 mais ils n'ont jamais pu le sortir. Aujourd'hui c'est chose faite et Patrick Liotard (chant, guitares), Stéphane Larribat (batterie) et Jack Andouar (basse) prouve que la musique Française n'est pas qu'un ramassis de bouses qu'on entend perpétuellement à la radio.

Voila un bon album qui navigue entre Westcoast pure et AOR à la Tim Feehan ou au Boulevard. La production est convenable mais je pense qu'avec plus de moyen , le groupe aurait pu encore transcender les compos. Si vous aimez King Of Hearts, AOR, et autres FM Canadienne, cet album ne vous décevra pas. Il y a de très bon morceaux sur cet opus qui méritent toute votre attention comme le superbe "Magic Dreams" qui ouvre de façon magistrale l'album. Quand le ton se durcit un peu on retrouve des relans de Tim Feehan sur "Surfing State Of Mind". On repart dans la pure Westcoast matinée de country sur l'excellent "Golden Valley" que n'aurait pas renié Venice ou King Of Hearts, ambiance LA garantie! "California Ballad" porte bien son nom. On y est sur les grandes étendues de la cote ouest pour une Westcoast de haute qualité. Le jeux de gratte de Patrick Liotard tout en finesse est à signaler. "Sweet Wave Of Sunset" est peut être le meilleur titre du CD en proposant une ballade somptueuse à la Chicago. J'adore vraiment ce titre rempli de feeling. Je passe sur l'instrumental "Laguna" pour repartir avec "Rock Board" qui propose une facette plus rock de Sedona. La guitare se veut incisive et on se rapproche de certaines compos de Steve Lukather en solo. On repart avec l'AOR de "You Choose Fanatic", une belle ballade à la Toto. "The Story "revient sur les terrains Westcoast à la King Of Hearts, le travail sur les vocaux est superbe. On termine avec "Tessalia" une ballade sympathique également mais franchement pas le meilleur titre du CD.

Un bon album qui ne souffre que d'un manque de grosse production. En effet, sans être mal produit "GOLDEN VALLEY" sent quand même beaucoup l'autoprod. avec peu de moyen. Ce genre de musique qu'est la Westcoast doit être surproduit pour pouvoir faire mouche. Sedona y arrive quand même sans gros moyen ce qui est en soi une vraie performance. J'attends avec impatience la suite.

PS : Un gros défaut pour cet album, il s'agit du très gros accent français sur l'intégralité des morceaux... Dommage, car cela nuit à la qualité de cet album. On peut espérer que du mieux pour le prochain album...

AOR "L.A Ambition – The Best Of AOR 2000 - 2010" (2010) - Escape Music

2010-06-22T20:42:00.001+02:00

C'est avec une grande joie et un plaisir non dissimulé que nous apprenons la sortie de ce double "Best Of" d'AOR concocté par Frédéric Slama pour le 10ème anniversaire du projet AOR. Depuis l'an 2000, le maître du rock mélodique français a sorti des albums d'anthologie, avec des musiciens de renom, la crème des artistes américains, suédois et anglais. Et là c'est dans un magnifique digipack de 2 CDs que sont remasterisés les titres de folie de son parcours musical depuis 10 ans.

La bonne idée est d'avoir un disque dédié au côté plus hard de sa musique (The Hard Side) sur lequel on retrouve les titres affolants de "JOURNEY TO L.A" (2009) avec "Waiting In The Darkness", "Desperate Dreams", "Never Surrender", de "L.A ATTRACTION" (2006) avec "Like An Open Book", "The House Of Love", "One More Chance", "Don't Ever Say Goodbye" de "L.A REFLECTION" (2002) avec "If No One Cared", "Sensation", "Dream Them Away", "So Young And Innocent", "Leave Her To Heaven", pour ne citer que les principaux. Rien à redire, c'est le must de cette musique exaltante et vous vous délecterez à l'écoute des Philip Bardowell, Steve Overland, David Chamberlin, Göran Edman, Rick Riso, J. Lynn Johnston sans oublier les guitares de Frédéric Slama, Tommy Denander, Steve Lukather, Michael Landau et autres Bruce Gaitsch. Les connaisseurs pointus constateront aussi que certaines versions ont été remixées avec des solos différents des originaux avec changement de guitariste notamment, Michael Landau remplaçant Steve Lukather, et vice versa. Avec ce 1er disque, on frissonne déjà et le temps passe si vite à déguster ces ambiances mélodiques incomparables, non dénués d'énergie loin s'en faut !

Et vous en prendrez encore une bonne dose avec le second disque qui explore le côté soft ou westcoast d'AOR (The Soft Side) avec les magnifiques "Never Gonna Let Her Go", "On Dangerous Ground", "In My Crystal Ball", "Lost In Your Eyes", "Give A Little Love" ou "Worlds Away" : de la grande musique, des titres en or massif, que du bonheur, avec les autres interprètes tout aussi talentueux et en adéquation totale avec cette musique chatoyante, que sont Bill Champlin, David Roberts et Michael Ruff. Mais me direz-vous, ce n'est après tout qu'un "Best Of", qui ne fait que retracer cette belle carrière et effectivement nous n'aurions rien à ajouter à cette affirmation… mais il y a un mais hyper positif, c'est que l'ami Slama nous a réservé 5 belles surprises. Oui vous avez bien lu, 5 nouveaux titres jamais édités viennent compléter le tableau déjà conséquent pour porter à 28 le nombre de titres de ces 2 disques. Ce sont "Marina" sur le 1er disque, aux guitares éclatantes, un vrai bijou de rock FM, empli de mélodies et de feeling, magnifiquement interprété par Michael Kisur, et sur le second : "Back To Your Heart", "Searching For Heroes" (tous 2 issus du CD démo de 1992, "L.A RENDEZ-VOUS"), "On A Distant Path" (issu de l'introuvable "NEXT STOP : L.A" de 2001), et enfin "The Way You Love Me". Ces 5 bonus apportent un plus mélodique indéniable et permettent de montrer que déjà à l'époque, il y avait cette flamme, cette force de composition et cette capacité à émouvoir, et c'est une excellente idée de les avoir intégrés à ce double album.

Tous les titres de ce "L.A AMBITION" permettent de bien cerner le talent de compositeur, s'il fallait encore le prouver et du musicien toujours à la pointe de son art. Une œuvre complète donc, par son assemblage parfait de titres magnifiques, qui ravira les fans et donnera l'occasion aussi à ceux qui découvrent, de s'offrir un bien bel objet de 2 disques remarquables, aux facettes multicolores et à la musicalité indémodable. La pièce maitresse indispensable à tous les amoureux de musique mélodique, hard ou soft !!!

Bamboo Brothers "Moments"

2010-06-10T20:37:00.000+02:00

De retour déjà depuis quelques années, il manquait plus qu’un nouvel album pour que le come-back des Bamboo Brothers soit complet. C’est chose faite avec ce dernier, montrant au passage, un groupe dans sa maturité, qui a emmagasiné du vécu. Si le premier titre "Moments", et choix étonnant, propose une acoustique song, c’est "15 Minutes Of Fame" et le génial "Easy Life", qui lancent véritablement l’album, puis par leur single "Would You Believe". Il en ressort rapidement une Westcoast Music lorgnant ouvertement sur Steely Dan, avec souvent des sonorités rappelant les grands espaces américains. S’ensuit un mordant "How Could You Do It", puis la jolie ballade "Celia".

Les musiciens sont tous de très haute volé, mention spéciale au bassiste Assi Roar et au guitariste Troels Skovgaard. La production est superbe, une règle constante chez les groupes ou artistes scandinaves (pourtant pas forcément réalisée avec de gros moyen financier, mais que de compétences).

La deuxième partie de l’album offre les touchants "Sweet Echoes" et "Maybe Someday" (rappelant sur ce titre, les Doobie Brothers) sont de belles réussites. Par contre, la ballade "Mayday", ne m’a guère emballée. Le groovy blues "Nothing To Do" est fort sympathique et le dernier titre "The Nightfly Album", comme son titre l’évoque, vous l'aurez compris, rend un superbe hommage au maître Fagen (bien fun dans les lyrics). Un très bon album qui marque un retour prometteur.

Sweet Comfort Band "Cutting Edge" (1982)

2010-06-10T20:35:00.000+02:00

1 an après "HEARTS OF FIRE!" sort "CUTTING EDGE" toujours avec le même line-up mais cette fois David Diggs a laissé sa place de producteur au spécialiste chrétien Jack Joseph Puig. Ce changement a une incidence par rapport à l'orientation musicale du groupe... Le précédent œuvrait dans des sonorités 70s et balayait un style plutôt Westcoast, "CUTTING EDGE" est bien ancré dans le début 80 et joue dans la cour AOR. On navigue entre I-Ten, Petra ou même Allies que Randy Thomas fondera quelques années plus tard. "CUTTING EDGE" est un pur chef d'œuvre! Rien que pour "Runnin To Win", il faut avoir le CD chez soi. Quel morceau avec ce saxo étourdissant. D'ailleurs cet instrument se retrouve sur d'autres compos comme le mid-tempo "Falling In Love With You", magique. Que dire du hit, "What Have You Got" ou du rentre-dedans "Armed And Ready" où le groupe sait se faire plus rock.

Les ballades ne sont pas oubliée avec les superbes "Haven't Seen You" et "Changed Hearts". Le son Westcoast est encore présent avec "Breakdown Love" et ses harmonies vocales dantesques mais aussi sur "Live It" où le groove l'emporte sut toute autres considérations. Que dire encore du magique, "Valérie"? Simplement que c'est de l'AOR qui tue!

Avec cet album, Sweet Comfort Band rentre dans la cour des grands et cet opus bien que datant de 1982 n'a pas pris une ride. Il fera très bien dans votre collection entre I-Ten et "BEYOND BELIEF" de Petra. Un must!

Sweet Comfort Band "Hearts Of Fire!" (1981)

2010-06-10T20:24:00.000+02:00

Sweet Comfort Band est un groupe de Westcoast/AOR chrétien, fondé en 1974, et qui aura eu une durée de vie de 10 ans (soit jusqu'en 1984 date de leur dernier album "PERFECT TIMING"). Le groupe est composé de Bryan Duncan au chant et au clavier (qui fera une grosse carrière solo par la suite), de Randy Thomas au chant et à la gratte (qui fondera le groupe Allies avec Bob Carlisle) et des deux frangins Thomson, Kevin à la basse et Rick aux futs. Leur premier album éponyme sort en 1977 et sera suivi de "BREAKIN THE ICE" en 1979, "HOLD ON TIGHT" en 1980, "HEARTS OF FIRE!" en 1981, "CUTTING EDGE" en 1982 et "PERFECT TIMING" en 1984. Absolument introuvable à ce jour, le label Retroactive décide donc de ressortir l'intégral de la discographie à partir de "BREAKIN THE ICE".

Je ne connaissais que de nom ce groupe mais franchement je loupais quelque chose. Pour ces chroniques, j'ai décidé de m'attaquer à la discographie du groupe à partir de 1981 et "HEARTS OF FIRE!". Je ne saurai quand même vous conseiller de jeter une oreille sur les précédents, excellents aussi. Avec HEARTS OF FIRE! produit par David Diggs, le groupe ne semble pas encore avoir fait le deuil des sonorités 70s. Cela donne, des compos Westcoast absolument sublime comme "They Just Go On" ou les deux voix de Bryan Duncan et de Randy Thomas se marient à merveille. Un titre qui pourrait figurer sur les premiers Robbie Dupree. "Can You Help Me" plus dans une ambiance Eagles que la aussi aurait fort bien interprété un Timothy B Schmit. Un coté un peu plus élaboré avec "Isabel" et son intro au piano qui rappelle un peu le Toto des débuts, là aussi imparable. "You Can Make It" et son riff de piano nous replonge avec délice dans les années Airplay. Avec "Feel Like Singin", on se replonge dans les 70s et ses rythmes un peu disco à la Average White Band ou Alessi, ce genre de compos se retrouvent plus sur "BREAKIN THE ICE". "Now Or Never" a des ambiances jazzy avec un solo de guitare aux petits oignons. "Contender" fait plus dans l'AOR et on termine par le sublime "You Need A Reason" une ballade somptueuse. La voix de Bryan Duncan est grandiose mais cela je le savais déjà car possédant pas mal de galettes solos de ce dernier. De plus, le reste des zicos est d'un niveau incroyable épaulé par des requins de studios comme David Diggs, Paul Jackson Jr. ou bien Dave Boruff.

Ce "HEARTS OF FIRE!" est donc à posséder impérativement dans toutes bonnes discothèques Westcoast digne de ce nom.

Drive She Said "Dreams Will Come" (2010) - AOR Heaven

2010-05-31T18:45:00.000+02:00

Drive, She Said un des groupes FM les plus prisés dans la fin des années 80 nous met l'eau à la bouche avec une nouvelle compilation de titres non pas chez Frontiers Records comme en 1997 avec "ROAD TO PARADISE", mais cette fois chez AOR Heaven.

Mark Mangold et Al Fritsch se sont retrouvés en 2009 au Firefest et ont donc eu envie de reprendre la route. Cette compilation n'est certes pas très originale car il y a 6 titres du 1er album éponyme sorti en 1989 : "If This Is Love", "Hard Way Home", "Don't You Know", "Maybe It's Love", "Love Has No Pride", "Hold On" puis 4 titres du 2ème album "DRIVIN' WHEEL" de 1991 : "Drivin' Wheel", "Think Of Love" et "Hard To Hold" et enfin 2 titres du très décevant "REAL LIFE" sorti en 2003 à savoir "Real Life" et "Stronger". La vraie nouveauté réside dans 4 titres. Mark Mangold a écrit "Fool’s Game" pour Michael Bolton dont ce fut le 1er single en 1983 et "I Found Someone" pour Cher en 1987. Il a voulu inclure ses titres avec l'apport de Jon Bivona à la guitare. Les 2 autres titres sont du pur Drive, She Said et laisse augurer peut-être un nouvel album : ce sont "Dreams Will Come" parfait dans la mouvance AOR et "Try 2 Let Go", dans un ton plus rock et plus enlevé.

Vous l'aurez compris, pas de quoi pavoiser mais si d'aventure le duo de musiciens se met à pondre des titres de cette envergure, nous serons donc très attentifs à toute nouvelle galette, complète et riche, histoire d'effacer le très triste "REAL LIFE" qui nous est resté un peu en travers de la gorge.

Grand Illusion "Brand New World" (2010) - AOR Heaven

2010-05-31T18:38:00.000+02:00

Après 4 ans de silence, le groupe suédois Grand Illusion nous revient avec ce "BRAND NEW WORLD", hyper travaillé et toujours dans la lignée des 3 albums précédents sortis en 2001 ("THE BOOK OF HOW TO MAKE IT"), 2002 ("VIEW FROM THE TOP") et 2004 ("ORDINARY JUST WON'T DO"). Le groupe avait alors décidé de faire une pause en 2005 et chaque musicien a pu ainsi se perfectionner au contact d’autres groupes et projets.

La singularité de ce nouvel album, avec toujours aux commandes Anders Rydholm (basse, claviers, guitares), Peter Sundell et Per Svensson (chant) est la liste des invités : que du must ! Gregg Bissonette à la batterie (il a oeuvré avec des artistes connus notamment David Lee Roth, Steve Vai, Toto, Joe Satriani, Don Henley, Overland), aux guitares : Tim Pierce (Michael Jackson, Richard Marx, Rick Springfield, Bruce Springsteen, Meat Loaf, Bon Jovi, Alice Cooper, Seal, Phil Collins), Danny Jacob (George Michael, Elton John, Ray Charles, Bette Midler et aussi Signal), Mike Slamer (City Boy, Streets, Steelhouse Lane, Seventh Key) et Roger Ljunggren sans oublier Kjell Klaesson à la guitare acoustique et les textes de Arlene Matza-Jackson. Tous ces invités enrichissent cet album de leur expérience et rehaussent la qualité déjà présente de la musique de ces suédois très entreprenants. Leur marque de fabrique toujours la même, est encore bien plus performante sur cet album : superbes mélodies un brin progressif parfois, chœurs enchanteurs toujours aussi impeccables, et avec en plus la patte des Américains que sont Tim Pierce, Mike Slamer et Danny Jacob, les titres ont plus d’impact et plus de hargne : "157th Breakdown", "Burning Bed", "Sacrifice" ont du caractère et du tonus. Mais pour les inconditionnels, la musique de Grand Illusion n’a pas changé, elle s’est étoffée et a plus de consistance et de relief, avec un fond mélodique très AOR et même parfois plus rock que sur les albums précédents. Le côté américain apporte aussi un plus grâce aux fameux musiciens susnommés et ajoute de la maturité et un rythme plus important. Si on ne peut détacher un titre en particulier, c’est parce que toutes les compositions ont une identité mélodique poussée : "All Out In Love", "Emily", "Never Find Her Alone" restent des classiques de Grand Illusion et avec le titre "Brand New World", on a encore une magnifique intro au piano avec une montée en puissance impressionnante relayée par des chœurs somptueux. "Playing With Fire" possède aussi une structure mélodique bien AOR et représente aussi bien cette musique travaillée et enthousiaste.

Oui Grand Illusion est bel et bien de retour avec un opus fort en mélodies et en chœurs soignés. Ce sont 3 musiciens au top qui nous délivrent là une brillante collection de titres : SUPERBE !!!

Sweet Comfort Band "Perfect Timing" (1984)

2010-05-31T18:27:00.001+02:00

Nul besoin d’être bigot pour apprécier le rock chrétien, avec toutefois un léger avantage pour ceux qui ne pratiquent pas l’anglais. Michael W. Smith, Petra et d’autres sont là pour prouver le talent artistique de cette frange musicale et Sweet Comfort Band ne faillit pas à la règle.

Leur site officiel annonce l’ enregistrement du successeur de "PERFECT TIMING" leur sixième album dont la parution remonte tout de même à 1984. C’est l’occasion de nous pencher, sauf sujets au vertige, sur cette galette de rois. Si à l’époque le groupe est toujours composé de ses membres initiaux Bryan Duncan (Chant), Randy Thomas (Guitare, Chant), Kevin Thomson (Basse) et Rick Thomson (Batterie), on remarque la présence de Dino et de John Elefante à la production et le renfort de deux claviéristes Peter Robinson et John Schreiner. Chacun apporte sa contribution aux compositions et John Elefante ajoute même une couche vocale sur des chœurs déjà bien fournis. Le titre éponyme qui ouvre les festivités est à cet égard de tout premier ordre avec synthé, guitares et des chorus qui libèreront le chanteur qui sommeille en vous avec trois mélodies magiques pour le prix d’une, le type de chanson qui remonterait le moral d’un condamné à mort à l’aube de son dernier jour. "Habit Of Hate", "Don’t Bother Me Now", "Looking For The Answer" qui suivent ne déparent pas dans le tableau et dégagent suffisamment d’énergie pour faire tomber les pellicules, quant à la ballade au piano "Prodigal’s Regret (Never Should Have Left You)" elle comblera d’aise les amateurs d’émotion forte. Dans un registre différent, "Envy And Jealousy" fait preuve d’un groove certain, de même que "Neighborhood Kids" et son parfum jazzy.

En résumé, un remède efficace contre les crises de foi où chose inattendue vous n’entendrez pas une seule fois les mots Lord, God et Jesus de rigueur dans cette discipline.

Asia "Omega" (2010)

2010-04-25T08:44:00.000+02:00

Après la sortie de "PHOENIX"en 2008, Asia semblait émoussé car cet album n’obtint pas tous les suffrages de la scène mélodique, même si la qualité était toujours présente.

Il nous a fallu attendre 2 ans quasiment jour pour jour afin de retrouver ce groupe mythique à la carrière impressionnante et avec le line-up d’origine : "OMEGA" est donc là et on peut tout simplement dire quelle claque ! Les 4 musiciens ont mis un point d’honneur à nous offrir tout leur savoir-faire, leur art consommé de la mélodie, dans leur style, à la fois rock, clair, sensuel comme ils savent si bien le faire.

Après une introduction très rythmée par un titre déjà énorme "Finger On The Trigger", nous sommes emportés dans un voyage mélodique ininterrompu, avec l’envol vocal monumental de John Wetton, les claviers éclatants de Geoff Downes et la qualité incroyable des titres, au nombre de 12, tous aussi performants et flamboyants les uns que les autres. Nos oreilles enchantées se régalent à l’écoute de tant de subtilité, de magnificence : que ce soit le très solide "Through My Veins", directement issu de ce qu’écrivait Asia dans les 80’s, "Listen Children", affolant nos sens avec ses claviers entêtants, "Light The Way" magnifique et lyrique, pur produit de ce que Asia peut créer sans oublier les magiques "Ever Yours", "I Believe", "I’m Still The Same", qui vous arracheront des larmes et les poignantes ballades que sont "Emily" et "Don’t Wanna Lose You Now". Et bien sûr, le maître mot d’Omega est la mélodie, aucun titre ne souffrant de faiblesse, ils ont tous ce souffle éclatant, cette magie musicale que peu de groupes peuvent dégager.

Avec cet album, on est projeté 30 ans en arrière, la réussite est complète, car l’enthousiasme réel, l’élégance musicale innée de ces artistes éclatent à chaque note. Une information intéressante est à préciser : c’est un producteur extérieur au groupe, Mike Paxman (Status Quo, Uriah Heep) qui a pris en charge la production, une première pour Asia. C’est donc une œuvre magnifique appelée à entrer dans la haute sphère des albums incontournables du rock mélodique classieux.

Fiore "Today Till Tomorrow" (1998)

2010-04-25T08:35:00.000+02:00

En 1998, le tandem de choc Harry Hess/Pete Lesperance du groupe Harem Scarem était en pleine veine créatrice et multipliait les projets parallèles. C’est ainsi que nos canadiens s’associèrent au chanteur américain Jon Fiore pour nous balancer dans les étiquettes un album à côté duquel un bâton de dynamite ressemble à un pétard mouillé.

Rock mélodique, Hard FM ou AOR, vous pouvez l’appelez comme vous voulez mais cette musique va vous déboucher les cages à miel plus efficacement que du Destop. Une collection de hits en puissance aux refrains de haute volée qui s’enchaînent sans faiblir "Out Of Love", "All Along", "It Can Only Get Better" et "Anything". La voix voilée de Jon Fiore et les harmonies puissantes qui l’accompagnent donnent une envergure phénoménale à des compositions superbes d’intensité mélodique. Un disque qui fait la part belle aux guitares agressives mais qui n’oublie pas de nous distiller quelques ballades avec "Strong Enough", "Someday Soon" et "Don’t Take It Too Fast". Pour les curieux et les érudits, je signalerai la présence dans les guests de Ray Coburn, le clavier du fameux Honeymoon Suite, mais comme le disent les groupies en Backstage, c’est connu que dans les groupes de Hard les membres vont et viennent…

La pochette est pas terrible mais vous l’aurez compris l’album ne nécessitait pas de Fiore(itures) supplémentaires.

Peter Mayer "Green Eyed Radio" (1996)

2010-04-19T19:45:00.000+02:00

Le premier PM qui parût en 88 (Voir chronique) était un summum de bon goût et d’inspiration solaire qui passe mieux l’épreuve du temps que les sentiments, si j’en croit les rumeurs qui courent actuellement dans les rédactions. Son successeur en 1993 (5 ans quand même !) portait le titre alléchant de "STREET OF DREAMS" et sur 13 chansons comportait son lot de merveilles étincelantes "Tender Moments", "Street Of Dreams", "Wind On The Water" ou encore "Sister Annie" et sa guitare lumineuse. Une ration supplémentaire pour les amoureux du premier album. La même année paraissait "RED WINE & LIMONADE" que je préfère passer sous silence en regrettant que Peter Mayer (guitare) aie cru bon de partager le chant principal avec son frère Jim Mayer (basse) et avec Roger Guth (batterie).

En 1996, le leader (Peter Mayer comme PM) nous offre son premier album solo "GREEN EYED RADIO" sur lequel on retrouve la finesse mélodique, instrumentale et vocale de son groupe précédent "All Tea In China", "Shall We Dance" et "In The Meantime". Peter Mayer est un chanteur attachant "Under Your Spell" aux modulations mélodieuses "Michaelangelo", "One And One Makes Three" doublé d’un guitariste éloquent et élégant (il tînt l’instrument au sein du Jimmy Buffett's Coral Reefer Band). Il est accompagné de Tom Kennedy (basse), de son ancien partenaire Roger Guth (batterie) et de quelques participants ponctuels.

L’exemple manifeste d’un être humain en état de grâce.

Gardner Cole "It's Your Life" (1991)

2010-04-19T19:39:00.000+02:00

Difficile de faire plus synthétique, même si l’album affiche tout de même 49’36. Gardner Cole n’est pas un inconnu, il a participé à l’album "TAKE IT TO HEART" de Michael McDonald, il a co-écrit "Open Your Heart" pour la Madone et collaboré avec une liste impressionnante d’artistes parmi lesquels Bobby Caldwell, Jay Graydon ou Patrick Leonard (Third Matinee) sans compter les bandes originales de films auxquelles il a collaborées telles que celle du Fugitif. C’est également un multi-instrumentiste qui s’est illustré dans le passé comme batteur avec ABC et clavier avec A-HA ("Take On Me" lors des Grammy Awards en 1987). Pas mal comme pedigree ! (Surtout ne le répétez pas à mon chien !).

"WALL OF FEAR" ouvre l’album dans une veine mécanique renforcée par un beat appuyé. Gardner Cole y assure la totalité des instruments avec l’aide de machines, ce qui donne un côté déshumanisé à l’ensemble mais renforce aussi le côté danse robotique qu’il m’arrive de pratiquer les samedis soir de grande solitude "Love Is Blind". Le principal intérêt de l’album est d’y retrouver au hasard des chansons des invités tels que David Paich (Toto), David Pack (Ambrosia), James Ingram, Dean Parks, Chuck Sabatino et quelques autres "The Place I’m From", "My Spirit’s Broke". Quelques notes de saxo viennent diversifier l’ambiance sur la ballade "Best Of Me". Vous avouerez que cela mérite d’y jeter une oreille. Avis aux collectionneurs compulsifs.

FM "Metropolis" (2010)

2010-04-03T09:15:00.001+02:00

Après Treat qui est revenu en force sur le devant de la scène Hard Rock après plus de 18 ans sans nouvel album, c’est un autre grand de la musique FM qui revient aussi avec un album, après 15 ans d’abstinence.

Le bien nommé groupe anglais FM a en effet décidé de relancer la machine mélodique qui a fait son succès dans les années 80. Le retour de ce géant était déjà prévisible puisque les musiciens ont rejoué ensemble en live en octobre 2007, au Firefest pour être précis, et avec le line-up constitué de membres historiques c’est-à-dire Merv Goldsworthy (basse), Steve Overland (chant) et Pete Jupp (batterie) auxquels se sont joints Jem Davis (claviers), déjà présent en 1995 sur "DEAD MAN'S SHOES" et Andy Barnett (guitare) qui officiait déjà en 1991 sur "TAKIN' IT TO THE STREETS". Cela leur a permis de se retrouver et de former le projet de reprendre le chemin des studios mais après ce live, Andy Barnett jeta l’éponge et c’est un grand fan de FM, Jim Kirkpatrick, qui reprit le manche de la guitare laissée vacante. Son jeu sobre et efficace brille déjà de mille feux sur "METROPOLIS", maintenant dans nos mains et plus que jamais dans nos oreilles. Ce retour étincelant est aussi dû aux mélodies toujours présentes, au feeling et à la performance vocale de Steve Overland, à la finesse de la production et à l’enthousiasme musical palpable tout au long des 13 titres. S’il n’est pas possible de comparer cette galette à ces glorieuses ainées que sont "TOUGHT IT OUT" ou "INDISCREET", il est indéniable que c’est un véritable hymne à ce Hard Rock FM chatoyant, clair, émouvant, caractéristique du groupe anglais. La prouesse musicale, l’absolu lien entre les musiciens, l’unité mélodique des titres et en toile de fond cette magnifique interprétation vocale font déjà de ce disque une œuvre de qualité supérieure. De "Wildside" à "Over You" en passant par "Hollow", "Unbreakable" en passant par le petit intermède instrumental qu’est "Metropolis", sans oublier les merveilles que sont "Bring Back Yesterday", "Who’ll Stop The Rain" et le sublime final de 7 mns qu’est "Still The Fight Goes On", chaque titre possède ce fameux feu sacrément mélodique qui vous fera frissonner et vous donnera cette énergie, ce bien-être, comme FM sait si bien le distiller.

Un superbe album, déjà, et un événement mélodique sans pareil en ce début 2010, année riche en nouveautés et retours gagnants. Bravo à FM pour cette offrande, cette magie, cette magnificence !!!

Timothy B. Schmit

2010-04-03T09:09:00.002+02:00

Dans la catégorie des chanteurs à la voix haut perchée, Little Eagle a sans contexte ma préférence, notamment sur les titres multi-voix tels que "Keep On Tryin’" qu’il écrivit pour l’album de Poco "HEAD OVER HEELS" en 1975.

Timothy B Schmit a démarré sa carrière solo après la séparation des Eagles qu’il avait rejoint en 1977 suite au départ de Randy Meisner.

Son premier album "PLAYIN’ IT COOL" (1984) contient deux titres, dans la lignée de celui cité précédemment, "Voices" qui comme son titre l’indique est un festival d’harmonies vocales et "So Much In Love". La plupart des chansons sont écrites avec la complicité de Vince Melamed et de Josh Leo qui sont rejoints par J.D. Souther sur le titre éponyme qui rock gentiment. "Take A Good Look Around" et "Tell Me What You Dream" auraient aisément pu trouver leurs places sur un album des Eagles, des ballades atmosphériques comme on les aime. "Wrong Number" bénéficie de la présence de David Paich, de Jeff Porcaro et de Steve Lukather que l’on retrouve également sur "Something's Wrong" avec Joe Walsh qui participe également à "Gimme The Money". Un premier album encourageant qui permet à Timothy de déployer ses ailes.

"TIMOTHY B" lui succède en 1987 avec comme nouveaux partenaires à la composition Will Jennings et Bruce Gaitsch qui s’avèrent un choix plutôt judicieux à l’écoute de titres aussi mélodiques que "Boys Night Out" et "Hold Me in Your Heart" aux refrains délicieusement hypnotiques. Quant à la ballade "Into The Night" qu’il a composée seul c’est un régal de délicatesse aérienne. Bruce Gaitsch assure les guitares et les programmations avec le renfort des claviers de Randy Waldman "Everybody Needs A Lover", "Don’t Give Up" et de Jerry Hey venu astiquer ses cuivres sur "Down Here People Dance Forever". Cela swingue délicatement porté par la voix suave de Timothy : "A Better Day Is Coming", "I Guess We’ll Go On Living" et "Jazz Street". Un second effort qui permet au chanteur de consolider son nid.

"TELL ME THE TRUTH" arrive dans les bac en 1990. L’équipe de compositeurs reste la même avec l’apport de Gregg Sutton sur deux titres, quant aux participants plusieurs figures illustres : Don Henley (Eagles), Danny Kortchmar, Rick Vito, Jaï Winding, Jeff Porcaro (Toto), Bill Payne (Little Feat). I subodore (je suis totalement bilingue) que l’on ne va pas s’ennuyer. "Tell Me The Truth" le prouve d’entrée avec un titre bien balancé magnifié par les choristes, à l’image du suivant "Was It Just The Moonlight" qui n’a rien à lui envier. On retrouve le son Eagles dans les ballades "Roxy’s Eyes" et surtout "Something Sad" en provenance directe du pays d’Alice, toutes deux dues à la plume de TBS. "Let Me Go" et "Perfect Strangers" reprennent la formule Rock FM avec d’excellents chorus de guitare envoyés par Bruce Gaitsch. "For The Children" termine l’album sur une ballade lancinante avec Rita Coolidge, Marilyn Martin et un chœur d’enfants de célébrités à découvrir. Six producteurs se partagent la tache : David Cole, Don Henley, John Boylan, Danny Kortchmar, Bruce Gaitsch et TBS en personne. Autant dire que le résultat est sans faille et que Timothy B. Schmit s’envole littéralement.

Brian Howe "Circus Bar" (2010)

2010-03-31T19:21:00.000+02:00

Frontiers se met à la Pop? En effet, après la réédition de "VENUS IN OVERDRIVE" de Rick Springfield, voilà certainement avec "CIRCUS BAR" le premier album de Pop Rock du label Italien.

Brian Howe est surtout connu pour son activité au sein de Bad Company en remplacement de Paul Rodgers. Son arrivée coïncida avec un changement de cap du groupe qui allait le temps de 4 albums de haute volée assener un rock FM US sous la houlette du producteur Terry Thomas. Difficile de remplacer Paul Rodgers mais j'avais trouvé qu'il l'avait fait très proprement et comme le combo avait changé de style cela ne choquait en rien. Apres son départ de Bad Co, il sortit son premier album solo "TANGLED IN BLUE" que MTM ressorti quelques années plus tard sous le nom de "TOUCH". Si on reprend les critiques et commentaires de l'époque en particulier sur Crossrocks, j'étais un des rares à m'être enthousiasmé pour cette galette. Beaucoup l'avait trouvé trop soft ce qui est un fait mais peu avait perçu la qualité mélodique des compos et le chant magique de Brian Howe tout au long de cet essai. Avec "CIRCUS BAR"c'est donc la seconde livraison du bonhomme qui signe encore une vraie pépite. Nettement moins soft dans l'ensemble que "TOUCH", même si on retrouve des similitudes, ce nouvel album se veut résolument Pop Rock. Peu de gens connus accompagne l'artiste sur le CD mais en tout cas les compos elles font mouches. Le tryptique de départ avec "I'm Back", "Life's Mystery" et "There's This Girl" vaut son pesant de cacahouète. Trois compos qui déchirent grave, entraînante pleine de guitares mais aussi très mélodique qui fait qu'on les retient sans peine. A partir de "Surrounded" le rythme se calme un peu et on retrouve les compos qui jalonnaient "TOUCH", des petits plaisirs mélodiques à souhait avec "Flying" et "How It Could Have Been". Ce tryptique est aussi exceptionnel. Que du grandiose. La voix de Howe est majestueuse. On retrouve deux superbes reprises de sa période Bad Co avec "Holy Water" version plus calme que l'original et le monument "How Bout That" certainement un de mes titres préféré de la période Bad Co et tiré du phénoménal "HERE COMES TROUBLE". Si certain avait des doutes quand à la capacité de Howe de faire du rock, du vrai qu'ils écoutent le brulôt "If You Want Trouble" qui ne fait pas dans la dentelle.

Une énorme sortie chez nos amis de Frontiers, personne ne l'attendait spécialement mais "CIRCUS BAR" figurera dans ma playlist de l'année 2010, à n'en point douter.

Bobby Barth "Two Hearts One Beat" (1986)

2010-03-30T19:05:00.000+02:00

Bobby Barth est surtout connu comme le leader du groupe de Hard FM Axe, que MTM avait sorti du placard au lancement du label et aussi comme producteur du premier Cita. Il avait rejoint Blackfoot en 1984 en remplacement de Ken Hesley pour l'album "VERTICAL SMILES". Wounded Bird réédite son album solo, sorti en 1986. La réédition date de l'été 2009 mais personne n'en a parlé et pourtant quel album!

Je tiens à préciser que la musique déroulée le long des 8 titres n'a absolument rien à voir avec Axe. On est dans une mouvance Westcoast et Rock FM plutôt que dans le Hard mélodique avec quelques touches celtiques que propose Axe. Je m'étonne d'ailleurs que les sites spécialisés Westcoast ne cite pas ce "TWO HEARTS ONE BEAT" comme un monument du genre et pourtant cet album n'a rien a envié à un "STRRET TALK" par exemple de Steve Perry. Bobby Barth en plus d'être un très bon guitariste est un très bon chanteur. Il le prouve ici et on se demande pour quelle raison il avait besoin d'un vocaliste dans Axe.

Cet album est parfait de bout en bout. On retrouve "Dangerous Games" que certains possèdent sur la compilation "TWENTY YEARS VOLUME 2" d'Axe mais elle est présentée ici dans une version nettement différente et qui me convient nettement mieux. Des compos Westcoast de choix avec des cuivres et un saxo magique sur "Don't Come To Me" co-écrit par Eddie Schwartz (auteur pour Gowan et du "Hit Me With Your Best Shot" de Pat Benatar) et David Tyson producteur des premiers Alannah Myles, aussi le sublime "Sara" qui n'a rien à voir avec la composition de Starship et qui propose un côté soul qui colle aux oreilles. Une reprise des Supremes avec "Stop In The Name Of Love" qui est absolument divine. Il est pourtant compliqué de reprendre ces standards de la musique black des années 60 en les réorchestrant Westcoast, AOR, et c'est pourtant fort réussi. On retrouve aussi de l'AOR racé à la Jack Wagner comme sur "Burn Me Once, Burn Me Twice" avec cette voix féminine si sensuelle dans les choeurs.

Je le dis tout net "TWO HEARTS ONE BEAT" est un petit chef d'œuvre. La réédition de Wounded Bird est toujours aussi bonne au niveau son mais toujours aussi pauvre en ce qui concerne le livret. On regrette au final qu'il n'y ait que 8 titres et surtout que Bobby Barth n'ait pas sorti de second opus de ce calibre car j'aime bien Axe mais à coté c'est du pipi de chat.

Auras "New generation" (2010)

2010-03-24T19:12:00.000+01:00

Le renouveau mélodique entamé en 2009 avec de nombreuses sorties de qualité continue à poursuivre sa route. Et ce sont maintenant les Brésiliens d'Auras, d'ailleurs les premiers Sud-Américains à signer chez Frontiers Records, qui viennent nous régaler d'un hard rock mélodique très FM, à la manière d'un Journey ou d'un Survivor.

Les membres fondateurs d'Auras, Gui Oliver et Ferpa Lacerda, ont eu la chance d'ouvrir pour Jeff Scott Soto et Jimi Jamison lors d'un concert chez eux à Curitiba. Et cette soirée leur permit d'accéder au label italien et de conclure un accord avec le plus que brillant et phénoménal Dennis Ward pour mixer leur premier album. Tout était donc en place pour que "NEW GENERATION" naisse dans de bonnes conditions et si le groupe veut s'affirmer en tant que tel et ne pas être juste un assemblage de musiciens de studio, il le prouve par cette galette et à chaque titre. L'écoute révèle un parfum de fraîcheur, une rythmique FM proche de celle de Journey voire aussi de Foreigner, des refrains entrainants, des chœurs fort à propos, une voix chaude que certains trouveront clone de celle de Steve Perry. Mais le tout a un caractère bien spécifique, enjolivé par de sacrés claviers et un enthousiasme bien présent tout au long des 12 titres de "NEW GENERATION".

"Beauty Of Dreams" démarre l'album dans des conditions très mélodiques, essentiellement Rock FM, qui donne le ton musical de l'album et qui annonce déjà une constance magnifiée, répétons-le, par de solides claviers. Le reste de l'album sera tellement exaltant qu'il est difficile d'en sortir un plutôt qu'un autre, de ce lot AOR proposé. Citons le très FM "Forgive And Forget", le très rythmé "Never Give Up", la belle ballade "In My Arms", le remuant "Reach Out". On notera de plus une clarté toujours présente dans la production, pas de titres phares car ils le sont pratiquement tous. Pour l'auditeur épris de cet AOR riche et classieux il faut aussi mentionner la finesse de "New Generation", les grosses guitares de "Forever In Your Eyes", les sonorités subtiles de "Keep On Loving You", sans oublier bien sûr leur 1er titre connu au Brésil, celui de leurs débuts, le magnifique "Hungry Hearts".

Un album qui est donc très alléchant, avec un son très riche et très moderne même si on navigue dans du classique de chez classique. Mais cet essai est visiblement impressionnant pour ces nouveaux maîtres AOR, Brésiliens de surcroit !

Barry Manilow "Here Comes The Night" (1982)

2010-03-24T19:03:00.003+01:00

On peut réduire Barry Manilow à "Copacabana" comme Peter Allen à "I Go To Rio" mais ce serait manquer d’une totale curiosité ou d’un sacré manque de culture. Parmi sa vaste discographie, je vous propose un album qui flirte avec la Westcoast et sur lequel on retrouve quelques pointures du genre : Bill Champlin, Richard Page, Steve George, Tom Kelly (Chœurs), Bill Mays (Piano), Richie Zito, Paul Jackson Jr, Robben Ford (Guitare).

L’album "HERE COMES THE NIGHT" est paru en 1982, on le trouve également sous le titre "I WANNA DO IT WITH YOU" dans un pressage européen amputé de la chanson "Oh Julie". Pour les points culminants, je citerai "Here Comes The Night" et le Chicagoesque "Stay" qui illustrent la veine romantique habituelle de Barry, "Let's Get On With It" un titre enlevé dans une veine Calif proche des Doobie Brothers magnifié par les chœurs de nos deux "Pages", les up-tempo "Some Kind Of Friend" et "Heart Of Steel", tous composés par lui-même ce qui confirme que l’on est jamais si bien servi que par soi-même. Je ne peux pas non plus passer sous silence "Memory" popularisé par Barbra Streisand, les Rocks tendance Fifties "Some Girls", "I Wanna Do It With You" ; "I'm Gonna Sit Right Down And Write Myself A Letter" sur lequel plane l’ombre d’Elvis ni "Getting Over Losing You" ballade sentimentale qui gagne en ampleur et intensité au fur et à mesure de sa progression.

Après cette prise de contact vous pourrez vous pencher sur les autres albums répertoriés dans la Bible, toutes confessions confondues…

Here Comes The Night

Heavens Edge "Heavens Edge" (1990)

2010-03-22T19:03:00.000+01:00

Un quintette de Philadelphie qui déménage davantage que des transporteurs professionnels mais que la vague Grunge priva d’une reconnaissance méritée. Saluons Mark Evans (Chant), Reggie Wu (Guitare et claviers), Steven Perry (Guitare), G. G. Guidotti (Basse) et David Rath (Batterie et percussions) qui nous offrent un album bourré de guitares et de chœurs aussi à l’aise dans les créneaux Heavy qu’AOR, boosté par la production de Neil Kernon (Michael Bolton, Queensryche…).

Des guitares agressives et acidulées qui véhiculent un Rock basé sur des rythmiques bien lourdes avec un chant hargneux et maîtrisé: "Play Dirty", "Skin To Skin", "Bad Reputation" et "Daddy’s Little Girl".

De l’AOR dix-huit carats où la voix se fait plus mélodieuse tandis-que les guitares toujours bien senties se mêlent aux touches discrètes de claviers : "Find Another Way", "Hold On Tonight" et "Come Play The Game".

L’album comporte un témoignage Live enregistré à l’Empire Rock Club de Philadelphie "Is That All You Want?" avec guitare Slide en prime.

Et pour les plus énervés d’entre-nous, je recommande les speedés "Can’t Catch Me" et "Don’t Stop, Don’t Go". Du rentre-dedans qui fait du bien comme me disait gentiment ma copine de l’époque.

Le groupe se séparera en 1992 pour se réunir sans Steve Perry en 1998 et publier chez MTM "SOME OTHER PLACE/SOME OTHER TIME" en 1999.

Paul Laine "Stick It In Your Ear" (1990)

2010-03-11T07:00:00.000+01:00

En rejoignant Danger Danger en 1995, Paul Laine s’est fait connaître des amateurs de Hard mélodique mais lorsque paru "STICK IT IN YOUR EAR" en 1990 c’était pas la cohue devant les présentoirs pour s’arracher l’album. En conséquence, beaucoup pleurent aujourd’hui en parcourant les sites de vente en ligne où de vilains pas beaux profitent du désarroi des amateurs. Je fais partie des veinards qui possèdent l’album en pressage japonais, mon banquier s’en rappelle encore.

Paul Laine s’est entouré sur l’album de Kenny Kaos que l’on retrouvera par la suite sur le projet The Distance avec Chris Ousey (Heartland), des batteurs Pat Stewart et Mickey Curry (Bryan Adams), du bassiste René Worst (Zebra) et de quelques autres, avec une production qui claque dans les oreilles due à Bruce Fairbairn (Bon Jovi). Question Hard, un assembleur de PC dirait que nous sommes en présence d’un disque dur non formaté, comme en témoigne "One Step Over The Line" le premier titre de 7’06 dont le break central décrasse sérieusement, de l’AOR magnitude 9 sur l’échelle de Richter, de quoi se faire expulser de son appartement séance tenante (depuis j’habite à la campagne). Autant donc parler de Heavy FM car nos compères arrivent à conjuguer charges héroïques et mélodies qui vous huilent les conduits auditifs "We Are The Young", "Is It Love" et "Heart Of America". Une petite ballade de rigueur "I’ll Be There" pour ne pas oublier le câlin du soir et même un petit Boogie Blues "Doin’ Time" pour l’éclectisme.

Non content d’être un chanteur à la voix mémorable, on remarquera que Paul Laine signe tous les titres seul ou accompagné, la preuve déjà tangible d’un talent reconnu depuis.

Rosco Martinez "Rosco Martinez" (1994)

2010-03-06T08:36:00.000+01:00

L’album de Rosco Martinez est sorti en 1994 dans une indifférence quasi générale malgré une bonne critique que j’avais écrite à l’époque. C’est quand même un comble !

Bon, on rigole mais Rosco avait pourtant de sérieux atouts pour faire carrière : une voix puissante légèrement voilée à la Michael Bolton, un toucher de guitare plutôt bienvenu et des compositions à l’avenant co-écrites avec Peter Wolf, le producteur de l’album, l’un des partenaires de Lou Gramm sur son second album solo "LONG HARD LOOK". Ceux qui s’attendaient à des roucoulades avec renfort de castagnettes sont rassurés, les taureaux peuvent dormir sur leurs deux oreilles et continuer à honorer leurs belles. A l’époque, j’ai craqué en l’entendant par hasard chanter "Neon Moonlight" dans l’émission Taratata où il se révéla un artiste ni manchot ni paralysé des cordes (vocales) et je me suis procuré illico l’album. En réécoutant "She’s Wearing My Love" je me demande une nouvelle fois pourquoi cette mélodie et ces caresses métalliques n’ont pas eu plus d’écho. De même que "Capturame", l’une des trois chansons qu’il interprète en espagnol, qui m’a presque donné envie de renouer avec ma prof de quatrième qui m’avait pourtant dégoûté de sa langue (l’espagnol !!!).

Rosco Martinez est un artiste cubain-américain qui aurait pu devenir une star de la musique Latino –Américaine mais des abus divers l’ont relégué aux oubliettes : à la place nous avons eu droit à Ricky Martin, c’est comme çà. Un type qui était bourré d’énergie "Take Me To Your Jungle" mais aussi capable de douceurs exquises "Marie-Anna", "Dulce Tiempos". Toujours inspiré "The Water Song" et sa guitare mouvante ou "I Won’t Rain On Your Parade" au refrain et à la voix qui déchirent ! Et que dire de "Thank’s" qui clôture l’album, une power ballade au chant musclé avec contre-points de guitare.

Simplement merci, en regrettant qu’il n’est pas eu une ambition et une volonté proportionnelles à son talent.

Mr Mister

2010-02-27T07:19:00.001+01:00

Richard Page et Steve George sont de retour en 1984, dans une veine plus Pop que Westcoast et à la tête d’un vrai groupe. Entre parenthèses, imaginez ce que vous diriez d’un groupe français qui déboulerait avec le patronyme de Monsieur Monsieur… Bref ! Leurs nouveaux partenaires s’appellent Steve Farris (guitare) et Pat Mastelotto (batterie).

Le premier album du quatuor "I WEAR THE FACE" débute en beauté avec "Hunters Of The Night" qui ne pût franchir les portes du Top 40 mais s’avère une de leurs meilleures compositions des années plus tard. Si vous aimez les synthés et les voix impeccables vous allez être servis. Plus loin "I Get Lost Sometimes", "32"et "Talk The Talk" m’ont immédiatement fait penser à Police dans la structure et le rythme des mélodies. C’est pourquoi j’avais d’abord songé appeler cette rétro en deux temps "Les métamorphoses de Richard Page". L’une des forces du gaillard étant d’ailleurs de garder son identité malgré des influences très marquées. L’accueil public reste en deçà des espérances.

Mais Monsieur n’a pas dit son dernier mot et va connaître le succès en 1985 avec son second album "WELCOME TO THE REAL WORLD" dont seront issus deux singles qui vont cartonner : l’inusable "Broken Wings" et le vache "Kyrie" (…). D’autres titres auraient mérité une telle exposition à commencer par "Black/White" un mid-tempo syncopé qui ouvre les débats avec une mélodie ciselée, des nappes de synthé et la guitare omniprésente de Steve Farris. "Into My Own Hands" fait la part belle aux vocaux avec un refrain particulièrement addictif tout comme celui de "Is It Love" qui confirme une fois de plus à quel point Richard Page est un chanteur talentueux et combien le quatuor est en parfaite osmose. Un album sans remplissage typique des années 80.

"GO ON" qui paraît en 1987 affiche un son plus mature et un chant plus passionné : "Stand And Deliver", "Healing Waters" tout en préservant intact leur don pour les mélodies romantiques : "Dust", "The Border". Nos amis n’hésitent pas également à s’aventurer vers des ambiances nouvelles avec le ténébreux "Power Over Me" aux accents mystiques. On retrouve l’influence de Police sur "Contrôl" et l’on se régale du duo basse batterie en avant sur la plupart des titres "Bare My Soul". Malgré cela l’album ne connaîtra pas le succès du précédent et Steve Farris quittera le groupe dans la foulée, remplacé par Buzz Feiten (Larsen-Feiten Band) sur la tournée qui suivra sa parution. C’est en sa compagnie que le groupe enregistrera "PULL" qui hélas ne sera jamais publié et précédera la dissolution du groupe. Une grande tristesse si l’on se réfère à "Waiting In My Dreams" qui en est extrait et qui figure sur "THE BEST OF…" paru en 2001.

Chynna & Vaughan "One Reason" (2009)

2010-02-25T09:25:00.000+01:00

Je suis un fan absolu des Wilson Phillips et je considère malgré leur faible discographie, en nombre, que c'est certainement le plus grand groupe vocal féminin qu'il m'ait été entendu d'écouter. Depuis "CALIFORNIA", leur album de reprise plus de news des sœurs Wilson et Chynna Phillips. C'est donc avec joie que j'accueillis ce nouveau projet où l'on retrouve Chynna Phillips et Vaughan Penn une compositrice chrétienne qui a tourné avec Huey Lewis, Edwin McCain et Emmylou Harris.

Chynna s'est donc lancé dans le chrétien avec un style qui s'apparente à la New Country. Une Country quand même très Pop dans les mélodies. On retrouve les mêmes harmonies vocales qu'au sein des Wilson Phillips sur des bases acoustiques. Tous les titres s'écoutent avec plaisir et délectation, rien à jeter. On se met à chantonner "Everyday Miracles", "Now I Know Your Love" ou le sublime "Cuts Straight Through". On a vraiment l'impression de revenir quelques années en arrière avec des titres comme "Hold On", "Release Me", "Flesh and Blood" tiré des deux premiers opus des Wilson Phillips. Chynna n'a rien perdu de sa superbe vocalement et même physiquement à en croire les photos du livret. Quant à Vaughan Penn que je ne connaissais pas, elle mérite d'être plus dans la lumière car cela semble être une compositrice et une interprète de premier plan.

"ONE REASON" est vraiment un pur régal, un petit plaisir délicat dont je ne me lasse pas.

White Sister

2010-02-22T10:47:00.000+01:00

Le premier album éponyme de White Sister est un classique du Hard mélodique paru en 1984, produit et arrangé par Gregg Giuffria (ex-Angel-Giuffria-House Of Lords) qui tient les claviers sur deux titres et participe aux choeurs. Des guitares qui cisaillent "Straight From The Heart", "Don’t Say That You’re Mine", "Can’t Say No", des claviers qui soulignent "Love Don’t Make It Right", "One More Night", des mélodies faciles à retenir et un chant limpide accompagnés de riches harmonies, telles sont les caractéristiques de ce premier essai. Nos quatre chevelus en cuir rouge et bottes blanches "so fashion" ont pour noms Dennis Churchill-Dries (Chant, basse), Rick Chadock (Guitare), Garri Brandon (Chant, Keyboards) et Richard Wright (Batterie).

Le titre de leur second album en 86 "FASHION BY PASSION" confirme leur goût pour la mode mais la photo de pochette présente le risque que le disque soit classé au rayon musique brésilienne par tout disquaire non spécialiste. Même s’il est plus soft, l’album reste dans la lignée du précédent en dépit du départ de Garri Brandon et de l’absence de Gregg Giuffria mais avec le concours d’un clavier intérimaire Joël Goldsmith. Plusieurs titres sont instantanément mémorisables "Place In The Heart", les power ballades "Save Me Tonight", "Until It Hurts" ou le soutenu "April".

Dans une interview parue en 1991 dans un hors série du magazine Best lors de la sortie de "RODE HARD, PUT AWAY WET", Dennis Churchill-Dries confiait à Hervé Picart que le projet White Sister était un exercice de style, et qu’après le second album ils désiraient "faire quelque-chose de plus naturel et davantage orienté vers les guitares". L’exemple rarissime d’un groupe qui change de nom Tattoo Rodeo et opère une métamorphose musicale tout en conservant ses membres d’origine. Moins FMinés et plus Roots, nos gaillards ont troqué leur strass contre des cache- poussière sans pour autant renier leur sens mélodique "Tell Me Why", "One Way Love", mais c’est plus rugueux "Strung Out", "Sweet Little Vikky" comme le dit ma voisine de son nouveau sex toy.

"SKIN", l’album suivant en 1993, semble un compromis entre la Sœur blanche et les Cowboys tatoués qui voit le retour accentué des claviers "Chamber Of Marry’s Gun", "Charity" et celui des mélodies typiquement AOR "Feels Like Love" tout en conservant le côté Southern Rock du précédent "Train", "Sure Enough" et "Blackened".

Malgré le décès en 2006 du batteur Richard Wright et les propos tenus précédemment par Dennis, White Sister refît surface en 2008 au festival de Firesfest pour un show immortalisé sur DVD.

Cherie & Marie Currie "Messin' With The Boys" (1979)

2010-02-16T18:58:00.000+01:00

Grâce à Cool Night, je venais d'apprendre que Renaissance Records avait réédité cet album depuis quelques temps et comme beaucoup j'étais passé à coté. Pourtant, c'est certainement l'une des meilleure réédition de ces dernières années.
Présentons donc les deux protagonistes. D'un coté Cherie Currie, chanteuse du groupe de Hard féminin mythique The Runaways où elle partageait entre autre le leadership avec Lita Ford et Joan Jett. De l'autre, Marie Currie sa sœur jumelle qui elle n'a aucun passé musical et n'aura pas non plus d'avenir. Son seul fait d'arme c'est d'avoir été l'épouse pendant quelques années de Steve Lukather. Après son départ des Runaways, Cherie décide d'embarquer sa frangine dans ce projet avec une joyeuse troupe aux manettes. On retrouve les membres de Toto qui sont omniprésents tout au long de l'album aussi bien en tant que musiciens ou bien compositeurs. Bobby Kimball signe même le titre "I Just Love The Feeling" qu'il interprète avec les deux frangines. Ce morceau est digne du grand Toto de l'époque "HYDRA" ou "TURN BACK". On retrouve ce style Totoesque sur "All I Want" et sur "Elaine" écrit par David Paich qui déchire grave un peu comme "All Us Boys" sur "HYDRA".

A côté, on retrouve deux titres de Russ Ballard écrit pour Rainbow, "Since You've Been Gone" et le mythique "I Surrender". Autres reprises, le "Wishing Well" de Free et "Cherry Bomb" des Runaways. Autre titre à signaler l'excellent "Overnight Sensation" écrit à l'origine par Eric Carmen et qui est absolument magique.

Il y a quand même 17 titres sur cette réédition et c'est vrai que la fin de l'album est un peu moins intéressante. Néanmoins, un très très bon album que j'ai découvert avec une très bonne vocaliste qui rappelle sans peine Ann Wilson de Heart.

Ceux qui aiment le Toto époque 80 ne seront pas déçu. Pour les autres qui aurait peur d'une Westcoast soft rien de tout cela, c'est une Westcoast orienté guitare et à forte consonance rock qui se dégage de cet album. A découvrir d'urgence !

Giant "Promised Land" (2010)

2010-02-15T18:57:00.000+01:00

Un nouvel album de Giant est toujours un événement en soi car le groupe américain a vraiment marqué les esprits avec ses 2 albums magnifiques que sont "LAST OF THE RUNAWAYS" (1989) et "TIME TO BURN" (1992). Si le 3ème album simplement intitulé "III" (2001) a lui aussi sa place en tant que pièce maitresse du groupe, que pensez alors du nouvel effort proposé aujourd'hui 9 ans après et dénommé "PROMISE LAND" ?

Il faut en effet savoir que Dann Huff n'officie plus ni à la guitare ni au chant, même s'il a participé à l'écriture de quelques titres. Sa présence plane certes sur cet opus mais avec Terry Brock (Strangeways, Seventh Key) au chant et John Roth (Winger) à la guitare. Un disque bien ficelé en somme, bien interprété, Terry Brock est impeccable, la section guitare-batterie est bien en place, on trouve de belles mélodies, de l'énergie parfois mais force est de constater que ce n'est pas du "vrai" Giant. Avec Dann Huff, le chant avait plus d'impact, plus d'énergie en un mot cela sonnait plus Hard Rock mélodique avec cette pointe de folie que l'on ne retrouve pas sur cette galette. Avec un autre nom cela aurait constitué un excellent album de Hard FM, mais les 13 titres de "PROMISE LAND" s'ils sont bien dans cette veine Hard FM, sont pour la plupart des mid-tempos ("Our Love"), des ballades assez standards ("Through My Eyes", "Dying To See You") et si quelques titres sont plus énergiques comme "Two Worlds" ou "I"ll Wait For You", il manque des titres plus enlevés qui auraient pu emporter l'album vers d'autres sommets, digne du "vrai" Giant. On a plutôt l'impression de déjà entendu, rien d'enivrant ni de classieux, même si répétons-le c'est bien produit, les fans de Giant feront donc eux-mêmes le bilan : en ce qui nous concerne une petite déception, alors que cette galette est annoncée avec force louanges et comme un must. Pas vraiment du rêve ni la terre promise annoncée, à notre plus grand regret !

Trillion "Clear Approach" (1980)

2010-02-07T10:28:00.000+01:00

Dans la série réédition, ce second album de Trillion est passé un peu inaperçu. Sorti en 1980 et réédité l'année dernière par Rock Candy, il était pourtant à ce jour introuvable en format CD.

Je ne connaissais le groupe que de nom surtout par le fait que sur le premier album c'était Fergie Frederiksen qui officiait au chant. Pour ce second album c'est Thom Griffin qui le remplace. Vous pouvez retrouver cet excellent chanteur sur le projet Ambition sorti il y a quelques années chez Frontiers. La musique du combo est souvent catalogué de Pomp Rock dont les pionniers furent sans doute Styx. C'est quoi le Pomp Rock ? Pour faire simple c'est un mélange d'AOR et de progressif. A l'écoute de "CLEAR APPROACH", effectivement on retrouve des ambiances à la Styx sur les deux premiers titres "Make Time For Love" et la balade "Love Me Anytime" qui peut rappeler "Babe" du groupe de Tommy Shaw en moins mélodique tout de même. Mais je pense que les deux plus grosses influences pour Trillion c'est Saga et Kansas, c'est à dire un coté progressif plus prononcé. La preuve avec "Make It Last Forever" qui rappelle sans mal sur la construction musicale le groupe de Michael Sadler. Kansas est plutôt très présent sur "Clear Approach" ou sans peine on imagine Steve Walsh à la place de Thom Griffin, le violon en moins. Idem sur "Wishing I Knew It All" ou ce sont les vocaux et surtout les chœurs et leur construction qui rappelle Kansas.

L'album est produit par l'excellent John Boylan qui avait produit le premier Boston. "CLEAR APPROACH" est un bon album même si je m'attendais à quelque chose de plus mélodique. En effet, peu de titres font figure de hits. Par contre pour les fans de Saga période "IN TRANSIT" et ceux de Kansas période "AUDIOVISION", je leur recommande chaudement cet album il ne seront pas déçu.

Randy Goodrum

2010-01-25T18:15:00.000+01:00

"FOOL'S PARADISE" (1982)

"SOLITARY NIGHTS" (1985)

Connu davantage pour ses talents de compositeur (Steve Perry "Oh Sherrie", Michael McDonald "Love Lies", Davis Pack "Won’t Let You Lose Me"…) ou d’accompagnateur (Steve Wariner, Georges Benson...) Randy Goodrum n’en a pas moins publié plusieurs albums dont les deux premiers au cours de la merveilleuse décennie des années 80. Un chanteur attachant à défaut d’un vocaliste très puissant mais surtout un compositeur d’une grande finesse mélodique qui s’est confectionné pour l’occasion du sur mesure.

"FOOL’S PARADISE" date de 1982 et contient plusieurs titres en métal chromé à l’image de "We're So Close" et de "Savin’ It Up". Du délectable qui vous fait oublier l’engueulade que vous avez adressée à votre collègue après celle que vous aviez reçue de votre femme avant de partir au boulot. Certains vous diront que cela manque de nerf mais cela ne veut pas dire que cela manque de rythme, écoutez "Win Back Your Heart", "One Step Ahead Of The Bad News" et "Time To Say I’m Sorry" par exemple. La tonalité rappelle parfois Michael Franks avec "Dues", "One More Fool" ou le duo romantique "Second Chance Of Love" avec Mary MacGregor ("Torn Between Two Lovers" n° 1 en 1976) qui assure par ailleurs les chœurs. On remarque la présence de Steve Khan à la guitare et celle de Jeff Porcaro à la batterie et aux percussions. C’est pas du Rock mais c’est pas du toc "Hellbent For Mexico".

"SOLITARY NIGHTS" en 1985, malgré ses qualités, souffre un peu de la comparaison du fait de l’omniprésence des machines, avec une basse et une batterie synthétiques plutôt pénibles à l’écoute dont le titre "Computer" est emblématique, et d’une absence de guitare.. C’est d’autant plus regrettable que l’album comporte d’excellentes chansons "It's Like You Never Left It All", "Solitary Nights" ou les ballades "Silhouette" et "The Lady In The Doorway". Le titre de l’album semble indiquer que Randy était seul dans la nuit des studios mais je ne l’affirmerai pas car le livret est en japonais, langue que je ne pratique pas encore couramment.

Alfie Zappacosta "Innocent Ballet" (1995)

2010-01-25T18:01:00.000+01:00

Mode d’emploi du CD : tamisez les lumières, versez le champagne dans les coupes, glissez le CD dans le tiroir et vous-même dans les bras de votre partenaire, c’est parti !

Question romantisme, Alfie qui est plus pointu qu’un expert de série télé vous embarque dés les premières mesures où vous entendez sa voix chaude dans un univers de douceur et de sensualité duquel vous ne sortirez pas indemne. Je vais vous faire un aveu, j’ai le CD en double exemplaire : un pour la maison, l’autre pour la voiture, histoire de préparez le terrain ou de saisir une occasion. Cette musique qui parle aussi à l’âme est un mélange de soft Jazz et de musique latine que Zappacosta vous distille de sa voix de velours aux accents de crooner, un régal pour tous ceux qui aiment. Effet garantie, sinon Bruno vous rembourse la différence. Je cite quelques titres pour la forme car ils sont d’égale valeur "500 Days", "Someone", "Orlanda" et "Give It Away".

Tout est léché, nous sommes en présence de vrais musiciens, et même l’accordéon dont j’ai habituellement horreur trouve grâce à mes oreilles.

Il faudra que je revienne sur la carrière de ce canadien qui oeuvrait précédemment dans le registre AOR, ce que vous pouvez découvrir sur la compilation "ZAPPACOSTA - OVER 60 MINUTES WITH... » .

Leo Sayer "Silverbird" (1973)

2010-01-18T19:30:00.000+01:00

En 1973, Leo Sayer n’est connu que des amateurs qui suivent la carrière solo de Roger Daltrey pour qui il a écrit avec David Courtney plusieurs titres du premier album solo dont le tube "Giving It All Away". Côté talent d’écriture c’est donc plié mais il nous restait à découvrir un chanteur de première bourre qui n’a, à mon avis, jamais réussi à égaler la qualité de ce premier essai où il retrouve son partenaire habituel.

"Innocent Bystander", "Drop Back", "Show Must Go On" par exemple possèdent une force mélodique étonnante. Un vrai talent qui surprend et captive l’auditeur de la première à la dernière note. Leo joue d’une voix acidulée qui module dans les hauteurs : "Why Is Everybody Going Home" et "Dancer". Un album intemporel où chaque écoute est un nouveau plaisir avec un personnage pour lequel il est difficile d’établir une filiation musicale. A l’époque, il fallait savoir dépasser son à priori car le look de Pierrot lunaire adopté par Leo Sayer avait de quoi décourager l’auditeur le mieux disposé. S’il abandonna par la suite ce travestissement, sa musique devint hélas beaucoup plus conventionnelle et il ne réussit qu’à de rares exceptions près à retrouver l’inspiration de ce monument sur lequel on retrouve une vieille connaissance à la guitare en la personne de Russ Ballard.

Eric Martin Band "Sucker For A Pretty Face" (1983)

2010-01-18T19:26:00.000+01:00

En voila une bonne idée de la part de Wounded Bird de rééditer ce premier témoignage musical de Mister Eric Martin sous le nom de Eric Martin Band. Mon CDR commençait la aussi à sérieusement s'user.

L'album date de 1983 et le groupe s'appelait à l'origine 415. La maison de disque décida de le rebaptiser Eric Martin Band. Forte pression pour un jeune garçon d'une vingtaine d'année qui se retrouve propulsé du jour au lendemain sous les feux de la rampe et entrainant un combo. de 6 musiciens y compris lui. De plus, le groupe allait tourner pas mal en première partie de Journey et autre Rick Springfield, Foreigner ou Hall And Oates. Que des groupes de seconde zone surtout début 80!

Le résultat de ces prestations live est d'ailleurs consigné à la fin de l'album où l'on retrouve 6 titres de l'album. Force est de constater que par rapport à la prestation studio, le groupe déchire également "grave" comme disent les "jeuns". Musicalement, c'est parfait, plein de peps et Eric Martin s'impose déjà comme un grand vocaliste.

J'aime beaucoup cet album qui propose un rock FM assez musclé par moment et qui n'a pas pris une ride. Je parlais à juste titre de l'AOR du début des années 80 qui avec son flot de synthés avait mal vieilli, ici ce n'est pas du tout le cas. Constat, la guitare vieillit mieux que les claviers!

Je disais un super album de Rock and Roll avec des brûlots comme "Don't Stop" ou "Sucker For A Pretty Face". On oublie pas le côté plus FM avec le très bon "Private Life" et son piano entêtant. Une ballade magistrale "Letting It Out" où la voix d' Eric Martin déverse un torrent d'émotion. L'AOR de "Just another Pretty Boy" et celui de "Catch Me If You Can" qui laisse présager du futur d' Eric au sein de Mr Big lors des deux premiers albums solos.

Il s'agit d'un bon album avec des musiciens injustement oublié. Qui a des news de David Jacobson au clavier, Tom Duke à la basse, John Nymann à la guitare et clavier, Troy Lucketta à la batterie et Mark Ross à la guitare?

On a même droit à une excellente reprise version rock du tube des Supremes, "Stop In The Name Of Love" maitrisée de main de maitre.

Au vu de la qualité de ce premier essai, on peut regretter que ce fut un "one shot". Heureusement qu' Eric Martin allait, lui, continuer et nous offrir que ce soit en solo ou avec Mr Big de très bons moments musicaux.

Duke Jupiter "White Knuckle Ride" (1984)

2010-01-18T19:16:00.000+01:00

Ce groupe Américain sort son premier album en 1978. Après pas mal de changement de line-up et le décès de leur bassiste Georges Barajas d'une tumeur au cerveau au début des années 80, "WHITE KNUCKLE RIDE" sort en 1984 et sera leur avant dernier opus. J'avoue être passé complètement à coté du vinyl à l'époque alors que beaucoup de spécialistes d'AOR ont toujours considéré cet album comme un classique. Je ne l'avais pas non plus en CDR et c'est avec une certaine envie que j'acquis la réédition chez Renaissance édité cette année.

Il s'agit d'un bon album mais à en faire un classique, je ne franchirais pas le pas... C'est un peu dans la veine de 38 Spécial en plus AOR avec nettement plus de claviers. La voix rappelle celle de Johnny Van Zant et le contenu est dans la même veine, un AOR assez vitaminé ou prédomine les claviers typique 80 mais aussi un petit coté Sudiste. La preuve avec "Don't Turn Your Back". On peut même discerner des influences Westcoast sur "Top Of The Bay" ou bien "A Woman Like You" deux titres mid-tempos de très grande qualité. Le reste navigue entre les hymnes AOR avec "She's So Hot" ou bien "Me And Michelle" et les titres un peu plus rock comme "Backfire" ou "Little Lady" qui sont plus bluesy dans leurs approches.

En fait, je n'arrive pas à trouver de mauvais titre à cet opus mais il manque la petite flamme, le petit plus qui fait que cet album ne quittera pas ma platine.

Une rareté à découvrir c'est certain et à posséder dans toutes discothèques AOR de renom qui se respecte. A contrario, comme beaucoup d'album de ces années 80, cela fait quand même assez poussiéreux et cela sonne daté. L'AOR vieillit mal, là ou la Westcoast vieillit plutôt bien...

Winger

2010-01-16T14:02:00.001+01:00

Auparavant, Kip Winger (chant, basse ) officiait au sein du groupe d’Alice Cooper, que Paul Taylor (claviers) rejoignait sur les tournées. Reb Beach (guitare) était musicien de séances (Roger Daltrey, Twisted Sister…) et Rod Morgenstein (batterie) faisait partie du band Dixie Dregs. C’est lors d’une tournée en 1987 que les deux premiers envisagent de monter un groupe. Kip contacte alors Reb Beach qu’il a connu au cours de sessions d’enregistrement et nos trois musiciens font passer une audition concluante au batteur. Le quatuor commence alors à travailler des compositions originales et rentre en studio avec le producteur Beau Hill.

Le résultat paraît en 1988 sous le nom de Winger, Sahara ayant été abandonné bien qu’il figure en bas à droite de la pochette. Du hard FM policé, dixit un ami chirurgien esthétique, mais néanmoins ardent m’empresserai-je d’ajouter. Le style de compositions à reprendre devant sa glace avec son air guitare. Onze titres dont 8 parus en singles parmi lesquels les très commerciaux "Madalaine" et "Seventeen" mais aussi le somptueux "Headed For A Heartbreak". La ballade extatique "Without The Night" composée par Paul Taylor en aurait constitué un neuvième parfait, une raison supplémentaire d’acquérir le CD qui offre de plus l’inédit en vinyle "Higher And Higher". Il ne faudrait pourtant pas croire à de la musique cachère car Reb Beach et consort sont aussi capables de passages bien saignants "Poison Angel", "Hanging On" et dans une moindre mesure "Time To Surrender". L’album finira platine.

"IN THE HEAT OF THE NIGHT" lui succède brillamment en 1990 avec de nouveau onze titres qui confirment les qualités mélodiques et d’interprétation du combo avec les solides "Easy Come, Easy Go", "Rainbow In The Rose", "Can’t Get Enough", "Loosen Up", les ballades "Under One Condition", "Miles Away" cette dernière due une nouvelle fois à Paul Taylor, l’hyper mélodique "In The Day We'll Never See" ou "In The Heart Of The Young" power ballade capable d’enflammer les foules lors des concerts. Un parfait exemple de compromis entre musique élaborée et volonté commerciale.

Les années qui suivent voient l’arrivée de Nirvana et de Metallica en tête de gondoles. On se souvient que les seconds en la personne de Lars Ulrich témoignaient de leur dégoût pour le groupe dans le clip de "Nothing Else Matter".

D’où 3 ans d’attente avant la sortie de "PULL" en 1993 dans lequel on constate le départ de Paul Taylor et un durcissement du son auquel l’ascension de Metallica n’est sans doute pas étrangère. En durcissant le ton, Winger ne perd rien de ses qualités mélodiques "Down Incognito", "Blind Revolution Mad" "Spell I'm Under" et c’est sans hésitation mon album favori. Les rythmiques sont plus lourdes "In For The Kill", "Junkyard Dog", le chant plus rauque et l’ambiance plus adulte y compris sur la ballade "Who's The One". L’album ne fera malheureusement pas un carton et le groupe splittera dans la foulée avant son retour en 2006. Dans l’intervalle sera sortie une compilation "THE VERY BEST OF WINGER" avec l’inédit "On The Inside" enregistré pour l’occasion en 2001.

Pour les fans de "PULL" je recommande l’effort solo de Reb Beach "MASQUERADE" sorti la même année sur lequel il se révèle un excellent chanteur et qui laisse penser que son influence fût déterminante dans les compositions et le son du troisième album du groupe.

Shooting Star "It's Not Over" (1991)

2010-01-09T07:19:00.000+01:00

Il est des seconds couteaux qui arrivent parfois à planter dans le mille comme c’est la cas du groupe Shooting Star avec la publication de "IT'S NOT OVER" en 1991.

Sixième album du groupe, ce dernier présente plusieurs changements notables dont principalement l’arrivée du nouveau chanteur Kim Mitchell en remplacement de Gary West et une orientation musicale AOR alors que le groupe oeuvrait jusqu’alors dans un style Pomp Rock à la Styx. Menée par Van McLain qui est toujours aux commandes tant au niveau des compositions qu’au maniement des guitares, cette mue s’avère des plus séduisante. Paru à la même époque que l’album éponyme de Shadow King et que "UNUSUAL HEART » de Foreigner, "IT’S NOT OVER" possède un savoir faire mélodique mis en valeur par la voix de Kim Mitchell, assez proche de celle du grand Lou, les guitares ardentes de McLain et les claviers essentiels de Dennis Laffoon. Le morceaux titre accroche l’oreille d’emblée avec un refrain fédérateur, des riffs de guitares tranchants et un solo rayonnant pour faire bonne mesure. Comme au CARLTON la suite est impériale, que ce soit dans les titres rythmés "Believe In Me", "Dancing On The Edge", "Cold Blooded" (suivez mon regard), les mesurés "If You’ve Got Love", "Get Excited" ou les ballades tueuses "We Can’t Wait Forever" ou "Compassion" et sa guitare Floydienne. On remarquera que cette nouvelle direction n’a rien d’improvisé puisque 3 des 10 titres portent la co-signature de Gary West l’ex, si je puis dire, de McLain.

Le groupe continuera sous diverses formations qui verront d’ailleurs le retour au chant de Gary West jusqu’à l’arrivée de Kelvin Chalfant (The Vu, The Storm) sur l’album "CIRCLES" publié en 2006.

Spin Gallery "Embrace" (2009)

2010-01-01T07:25:00.000+01:00

Encore un groupe que je n’espérais plus. 5 ans après l’excellent "STANDING TALL" sort "EMBRACE" sous le même nom mais avec quand même une grosse différence au niveau du line-up. En effet, la première mouture proposait 3 vocalistes : Chris Antblad, Magnus Weinemo et Kristoffer Lagerström. Tout ce beau monde étant chapeauté par le grand Tommy Denander qui assurait entre autre la production et imposait sa patte sur le son et la structure des compositions. Le résultat était parfait et proposait un AOR teinté Westcoast de haute volée. Avec ce nouvel album, Tommy Denander est toujours la plus présent encore que sur le premier et il est accompagné d’un seul vocaliste en l’occurrence Kristoffer Lagerström.

Après ce petit historique rapide, je veux quand même faire un aparté sur le site Melodicrock qui visiblement a un problème avec Tommy Denander. Tous les projets auquel il participe sont pour le moins boudé par ce site qui l’encensait il y a encore quelques temps. Ce qui me choque le plus, ce n’est pas temps qu’on aime ou pas un album c’est la notation qui est mise à chaque fois sur la qualité de la production. Comme le dernier AOR (auquel Tommy a participé fortement), ce Spin Gallery est encore cloué au pilori par Andrew. On peut reprocher des choses à "EMBRACE" mais certainement pas une mauvaise qualité de son et de production.

Je pense que Tommy Denander va peut être commencer à s’énerver et faire comme Roger Scott Graig qui a répondu vivement à la chronique acerbe du dernier 101 South. Tout cela pour dire que ce site qui était une référence pour les amateurs de rock Mélodique semble partial et avoir comme on dit "ses tronches".

Cette petite digression faite revenons à "EMBRACE". Je pense que cet album doit s'apprécier après plusieurs écoutes pour en saisir toutes les subtilités. En effet, de premier abord on peut le trouver quelconque mais en l'écoutant plusieurs fois on s'y attache. Le boss c'est Tommy et ses qualités de musiciens et de guitaristes sont exploitées à fond. Que ce soit les arrangements, les solos grandioses on est vraiment dans le haut du panier. Les mélodies sont surtout présentes sur les refrains et les couplets peuvent parfois surprendre comme sur "Embrace" ou bien "Brilliance Of The Drugs". On a droit à un duo exceptionnel avec Mme Robin Beck sur le hit "Just A Momentary Why", un autre au tempo enlevé avec Dan Reed (que l'on peine à reconnaitre) sur "You Do The Things You Do". Une ballade épurée magnifique, "Blood In My Veins". Et puis on peut citer aussi certainement le meilleur titre du CD, "Indulge" qui rappelle Toto avec Fergie Frederiksen.
Du coté des loupés, on peut parler du naïf "Eyes Wide Open" qui dénote par rapport au reste. En effet, cette petite compo aux arrangements (pour une fois) bâclé, surprend par son peu d'épaisseur.

Le résultat d'ensemble est quand même très positif pour un album qui se bonifiera avec le temps. Ceux qui aiment AOR, Radioactive, Deacon Street ou bien Toto vont certainement apprécier cet album à sa juste valeur.

Melidian "Lost In The Wild" (1989)

2009-12-26T07:19:00.000+01:00

Dans la série futur sans avenir je vous présente 20 ans plus tard le groupe Melidian dont l’album "LOST IN THE WILD" emballa à juste titre les chroniqueurs de l’époque mais qui ne sut aller au-delà de ce premier essai pourtant convainquant.

Un album à écouter d’urgence le lundi matin pour se booster avant une semaine de travail. J’ai longtemps contemplé la pochette dans l’espoir que la lointaine tornade finisse par balayer les voiles qui masquaient les formes appétissantes de la jeune femme, mais ce fût en vain. Je me suis consolé avec la musique, on a les compensations que l’on peut. En l’occurrence, je n’y ai pas perdu au change car Chris Cade et consort font preuve d’une énergie redoutable dès "Rock Ready" aux riffs de guitares appuyés, avec rythmique plombée et gimmick de clavier de bon aloi sur les refrains. Question guitares agressives, saluons Jayson Lane dont les prestation sont remarquables tout au long de l’album "Livin’ Under The Gun", "Fire Up The Heart" mais la ballade "Sleepless Nights" met aussi à l’honneur les claviers somptueux de Eddie Wohl qui se montre efficace et discret sur le reste des titres. "Lost In The Wild" qui donne son titre à l’album est plus tempéré mais tout aussi performant grâce à la rythmique exemplaire de Pete Greene (batterie) et de Dave Clark Howell (basse). Enfin, la ballade atmosphérique "Broken Toys" qui clôture l’album de belle façon figurait sur celui d’Hellion le groupe (à ne pas confondre avec celui homonyme de Ann Boleyn) que Chris Cade avait monté 5 ans auparavant.

Lors de sa sortie, le vinyle comportait un sticker avec la mention "Métal de la 4ème dimension" témoignage d’une grande acuité critique mais aussi d’un don de voyance inversement proportionnel.

Pages

2009-12-12T09:39:00.000+01:00

Richard Page et Steve George sont deux copains d'enfance dont la présence vocale enrichit déjà un nombre phénoménal d'enregistrements quand ils décident de franchir le pas et de s'exposer dans la lumière.

Leur premier album sans titre paraît en 1978, une pochette mauve avec le dessin d'une créature sexy qui se penche sur un livre dont elle va sans doute tourner les "Pages". Ce premier essai s'avère un archétype de la musique Californienne de l'époque, un mélange de Soft Rock et de Soul blanche aux influences Jazzy, assez proche des Doobie Brothers version McDonald, de Kenny Loggins et précurseur Larsen Feiten Band, avec même parfois des réminiscences vocales héritées des Beach Boys comme sur "Let It Go" chanté par Steve, ou de Chicago avec "Listen For The Love". L'album est agréable à l'écoute : "Clearly Kim", "This Is For The Girls" mais pêche par un manque de tubes capables de le propulser en haut des hits parades malgré la parution du single "If I Saw You Again". Les compositions sont écrites par nos deux compères avec John Lang, le cousin de Richard. On trouve au détour des titres la présence de Peter Leinheiser (guitares), Michael Brecker (saxo) ou encore Philip Bailey (choeurs). Avec le recul, il s'avère un peu trop lisse mais déjà prometteur.

Ils reviennent en 1979 à une vitesse supérieure avec "FUTURE STREET" qui démarre par un tube (ou ce qui aurait dû être) "I Do Believe In You" avec un fameux gimmick de guitare dû à Charles Icarus Johnson et un son beaucoup plus étoffé et puissant qu'auparavant. On reprend le refrain en choeur dès la première écoute, un signe qui ne trompe pas. Kenny Loggins est venu prêté main (et voix) forte sur le titre "Who's Right, Who's Wrong" que l'on retrouve également sur son propre album "KEEP THE FIRE". On est très proche de Steely Dan : "Sailor's Song", "Future Street" voire de Michael Sembello avec "Two People". Malgré ses qualités indéniables, l'album fait de nouveau un flop.

Ce n'est que deux plus tard en 1981 que paraît "PAGES" deuxième du nom avec à la production Jay Graydon ainsi que Bobby Colomby pour les deux titres parus en single. Le style se rapproche davantage de Toto et de Michael McDonald dont Richard Page a déjà adopté précédemment le look barbu en vogue à l'époque. Cet album désormais culte démarre en haute position par le single "You Need A Hero", un mid-tempo soulful et se termine par une ballade minimaliste "Midnight Angel" avec un Richard Page olympique (et sans dopage apparent) dans les deux registres. Entre les deux beaucoup de bonheur : "Only Dreamer", "Tell Me", "Sesatia" et leurs choeurs MacDo pur jus ou la ballade "Fearless", comme des démonstrations de maîtrise vocale aux arrangements subtils.

Le peu de succès rencontré conduira néanmoins Richard Page et Steve George a reprendre le chemin des sessions avant leur retour en 1984 pour de nouvelles aventures.

Overland "Diamond Dealer" (2009)

2009-12-10T18:56:00.000+01:00

Steve Overland ne connais pas la crise. En effet, depuis que le label Escape l'a récupéré, il ne chôme pas entre ses différents projets : The Ladder, Shadowman et Overland ainsi que le retour de FM ; Overland étant son projet le plus personnel.

"DIAMOND DEALER" est le second opus sous ce titre. Le premier "BREAK AWAY" était en tout point excellent mais proposait une facette plus Hard de ce majestueux chanteur. Il faut dire que Anders Rydholm, membre de Grand Illusion, était sans doute pour quelque chose du fait de sa présence quasi-permanente le long de cet album. Avec "DIAMOND DEALER", l'équipe a changé. Steve s'est entouré d'autres musiciens dont Tor Talle qui fait office du nouveau Anders Rydholm. Tor Talle était l'instigateur du projet Northern Lights sorti il y a quelques années chez MTM. Un album, qui sans être un must, tenait quand même bien la route. Avec cette nouvelle équipe, le style musical a changé. Steve Overland revient à son premier amour, FM...

Cette galette rappelle les 2 premiers albums de FM. On retrouve des titres typique AOR comme "Train Train" et le hit "You Lift Me Up", un soupçon de Drive She Said sur "Where Is The Love". La 2ème partie du CD est plus AOR voire Westcoast avec des titres bons mais plus calme comme le tryptique "I'm Still Breathing", "Rise" et "Hearts Don't Lie". Un vrai régal pour nos oreilles et où l'on peut énoncer un poncif qui est de dire que Steve Overland est un sacré chanteur...

La fin d'année 2009 est vraiment du pain béni pour les amateurs d'AOR que ce soit chez Frontiers ou bien Escape avec l'album d'Overland. Les fans de ce genre musical ne savent plus ou donner des oreilles. "DIAMOND DEALER" est en tout cas, lui aussi, bien placé pour figurer dans les playlists de l'année.

Shark Island "Law Of The Order" (1989)

2009-11-28T08:04:00.000+01:00

On commence par un titre riche en Oméga-3 "Paris Calling", condensé de Hargne Rock, un croisement entre Billy Idol, période Steve Stevens, et Blackie Lawless (WASP, dont je conseille à tous les fans des Who l’album gigantesque "THE CRIMSON IDOL"). On pige d’entrée que l’album est à tendance brutale, pas de sucreries, on va à l’essentiel avec riffs en éclats de shrapnel, rythmique artillerie lourde et voix de rauqueur.

La colonne vertébrale du groupe c’est Richard Black (chant) et Spencer Sercombe (guitares) qui se sont adjoints à l’écriture les services de Jack Ponti (Bon Jovi, Stan Bush etc…) de Dave Sabo (Skid Row) et de Matt Bissonette (David Lee Roth). On poursuit : "Shake For Me" couplets mordants et refrains accrocheurs avec toujours ces riffs tranchants à la Jack l’éventreur. "Somebody’s Calling" "Spellbound" voix à l’arrachée, guitares qui creusent profond et des refrains qui vous font headbanger comme au temps où vous aviez des cheveux. "Passion To Ashes" faux airs de Blues Rock pas très éloigné du dirigeable. "Get Some Strange" "Ready Or Not" rocks binaires qu’on entonne en se déhanchant devant la glace avec pour le premier un break apaisé qui précède le retour à un refrain dévastateur. "Why Should Have Believe" ballade bluesy voluptueuse qui démontre une nouvelle fois l’habileté des durs à cuire dans ce domaine. On termine avec une reprise incendiaire limite méconnaissable du hit de Fleetwood Mac "The Chain".

En conclusion, un méga album qui l’fait, que certains kiffent grave et que j’aime trop pas !

Steven Curtis Chapman "Beauty Will Rise" (2009)

2009-11-28T07:57:00.001+01:00

Je me doutais un peu que ce nouvel essai de Steven Curtis Chapman n’allait pas être d’une gaîté à toute épreuve. En effet, cet album a été conçu suite au décès d’une de ses filles par accident. Néanmoins, j’avais lu une critique dithyrambique sur Melodic.net qui avait mis 5 étoiles ce qui est assez rare. Je me disais donc que malgré la douleur et la peine, Steven allait nous faire encore un album rempli d’émotion en y apportant son talent de mélodiste indéniable. Force est de constater que je m’étais trompé. Non pas sur le coté triste mais plutôt sur la qualité d’ensemble du CD. Je le dis haut et fort, "BEAUTY WILL RISE" est de loin le plus mauvais album du chrétien.

Je ne suis pas contre les titres lents avec des ambiances intimistes mais sur 12 morceaux cela fait un peu beaucoup. De plus, sur cet album, je dirais que l’émotion tue l’émotion. Ne comprenant rien aux paroles, j’avoue être passé totalement à coté de la tristesse et de la douleur que Steven insuffle dans ses textes et ses mélodies. J’ai déjà été touché par des titres qui parlait d’un être cher disparu comme "He’s My Son" de Mark Schultz ou "My Father’s Chair" de Rick Springfield, mais ici rien de tout cela. La faute à un manque de mélodie, à une épure trop importante sur la construction des titres qui fait qu’on se ballade de titres intimistes acoustiques à d’autres encore plus intérieurs piano voix. Seul quelques parties de cordes viennent de temps en temps rehaussé les compos mais sans vraiment faire décoller l’ensemble. Conséquence, une certaine torpeur voir un certain ennui à la fin de l’album. J’avais hâte que cela se termine.

Alors je me doute bien que perdre un enfant est la chose la plus horrible qui soit, mais je pensais qu’un croyant comme Steven Curtis Chapman allait justement se servir de sa douleur et de sa peine pour décupler son talent et nous pondre des titres grandioses. Au lieu de cela on se retrouve comme si on était chez lui et qu’il nous assène soit avec sa guitare, soit avec son piano des bluettes (aux paroles certainement fortes) qui ne décollent pas.

La déception de l’année pour moi à n’en pas douter car jusqu’à présent il n’y avait eu aucune fausse note dans toute sa discographie.

Blanc Faces "Falling From The Moon" (2009)

2009-11-17T20:13:00.000+01:00

Les frères La Blanc n'ont pas vraiment de chance. En effet, ce nouveau Blanc Faces sort en même temps chez Frontiers au milieu de deux autres sorties de poids : Mastedon et WET. Du coup, peu de personne ont parlé de ce second album du groupe des deux frangins. Pourtant le premier sorti en 2005 avait été pour tous les fans d'AOR pur et dur, une franche réussite.

Avec "FALLING FROM THE MOON", on est plus dans la réussite mais dans le Monument. En effet, j'estime que cet opus s'il était sorti en 1985 ou 1986 serait aujourd'hui autant reconnu que "VITAL SIGNS" de Survivor. On en à fait trois tonnes, à juste titre, sur Pride Of Lions, et bien franchement ce nouveau Blanc Faces n'a rien a envié aux 3 albums du groupe à Jim Peterik. Alors certes, j'entends déjà poindre les grincheux qui vont trouver cela trop conventionnel. A ceux la je répondrais simplement que tous les styles de musique peuvent paraitre conventionnel, rien ne ressemble plus à un album d'ACDC qu'un autre album d'ACDC, ici on est dans l'essence même de l'AOR et ce style a une identité propre qui se résume en quelques points, un gros son, un grand chanteur, des mélodies mémorisables de suite et des musiciens qui font le boulot. Avec cet album, tous ces ingrédients sont présents et bien plus encore.

Que dire d'un titre comme "I Come Alive" qui ouvre l'opus qui est vraiment le morceau de l'année ni plus ni moins. Et puis "Falling From The Moon" qui est construit comme les titres de Pride Of Lions à ceci prêt que Robbie La Blanc fait office de deux chanteurs à lui tout seul. Et encore la ballade qui tue, "Everything" qu'on croit déjà avoir entendue mais qui frôle le sublime. Le groupe sait de temps en temps durcir le ton sur le très rock "Like A Believer" qui lorgne plus du coté de Giant. Le CD se termine par trois titres exceptionnels que sont la superbe ballade "Light Of The World", le magique "I Will" qui rappelle le titre "I Come Alive" du début et une autre ballade sublissime "Fly". La voix de Robbie La Blanc est tout bonnement somptueuse. Le gratteux en chef Butch Taylor délivre à chaque fois des soli incisifs, la section rythmique est au diapason.

Vous l'aurez sans doute compris que cet album fait partie de mes incontournables de 2009 qui commencent à devenir nombreux. En effet, je ne me rappelle pas une année musicale avec autant de bons albums. Une mention particulière pour Frontiers qui nous a quand même pondu cette année de nombreuses pépites.

NB: A noter que sur cet album joue Kyle Woodring décédé en septembre 2009. Ce type avait quand même une carte de visite intéressante puisqu'il avait officié avec Survivor et Dennis De Young entre autre. Il laisse derrière lui ce testament musical dont il peut être fier.

Mastedon with John Elefante "3" (2009)

2009-11-17T10:34:00.061+01:00

Je remercie le "boss" de Frontiers d'avoir ressorti du placard, John Elefante, qui fait partie de mes 5 chanteurs préférés. En effet, depuis 1999 et "DEFYING GRAVITY" on n' avait plus de nouvelle. Quelle surprise d'apprendre que John revenait avec non pas un solo à proprement dit mais avec un nouvel opus de Mastedon. Attention, cela semble être un coup marketing de Frontiers car le CD est aussi sorti sous le nom John Elefante with Mastedon. Frontiers a pris délibérément le partie de donner une suite à "IT'S A JUNGLE OUT THERE" et "LOFCAUDIO". Il faut dire que ces deux albums sont considérés comme des incontournables dans le genre Hard FM, AOR. D'ailleurs, le label ressort le "IT'S A JUNGLE OUT THERE" aujourd'hui introuvable ou très dur à se procurer.

Le projet Mastedon est né après le passage de John Elefante dans le groupe Kansas en remplacement de Steve Walsh. Il créa avec son frère Dino le label Pakaderm Records qui produisit un tas de supers albums chrétiens pour Petra et Halo entre autre. Au milieu de ces productions, les deux frangins sortent le projet Mastedon ou il sont rejoint par Dave Amato entre autres (Reo Speedwagon) et d'autres musiciens et vocalistes. Sur le premier Mastedon, John ne chante pas beaucoup, il se contente de composer, de produire et de jouer, sur "LOFCAUDIO" il est nettement plus présent et cela donne d'ailleurs un album nettement moins Hard que le premier. Un must de l'AOR. D'ailleurs cela serait une bonne idée que Frontiers nous le ressorte également.

Ensuite John va sortir deux albums solos "WINDOWS OF HEAVEN" et "CORRIDORS" pour arriver à ce "DEFYING GRAVITY" en 1999 chez Frontiers. Ces 3 opus solos sont vraiment des incontournables dans ma discothèque. J'étais donc ravi de retrouver notre ami John ainsi que son frère Dino et Dave Amato pour le retour de Mastedon.

Pour faire un résumé global, je dirais que ce "3" est un mix entre la période Kansas, celle Mastedon et celle de sa carrière solo. On retrouve les ingrédients de ces 3 projets au sein de ce "3". Pour Kansas, le référence va de soi avec l'invitation de Kerry Livgren sur l'épique "One Day Down By The Lake". Ce titre de plus de 10 minutes fleure vraiment bon le grand Kansas et propose un grand moment de rock FM progressif. Une pierre angulaire sur le CD. On retrouve également Kansas avec la reprise de "Dust In The Wind" en plage 11. Ce méga hit de Kansas est réorchestré et on se délecte toujours de ce titre sublime.

Le côté Mastedon est plus présent sur des titres comme "Slay Your Demons" assez hard dans l'ensemble mais avec un refrain très mélodique. Egalement sur le rock dur et endiablé de "Water Into Wine" ou John nous la joue rentre dedans comme rarement. L'aor de "LOFCAUDIO" est présent sur le très bon "Western World".

Mais je préfère John quand le style lorgne vers ses propres albums solos. Les excellents "Revolution Of Mind", "Nowhere Without Your Love" et surtout "Questions" prouvent combien ce type excelle dans ce genre de compos ultra mélodique.

A la fin du CD, il ressort une impression agréable mais pas d'épanouissement total. En effet, par moment cet album est assez ardu à écouter. Le titre de 10 minutes, d'autres comme "That's What You Do" sont de bons titres mais qu'on écoute avec parcimonie.

A côté de cela il y a d'autres plages qui coulent dans nos oreilles comme du bon miel.

Cet album "3" restera dans les années à venir comme un très bon album car extrêmement riche en arrangements et en trouvaille musicale. Pour l'instant il peut paraitre un peu abscond pour certains, dont je fais partie. Il n'en demeure pas moins qu'objectivement John Elefante prouve avec cet album qu'en plus d'être un grand vocaliste, il est un compositeur et un arrangeur hors pair. Un album aussi riche où l'on découvre à chaque écoute des subtilités musicales ne peut être qualifié d'album moyen.

Witness "Witness" (1988)

2009-11-15T07:19:00.000+01:00

Réjouissons nous ! En effet, en ce moment il y a pléthore de réédition de qualité. YesterRock fait partie de ces labels à l'instar de Renaissance Records, qui nous ressortent des bonnes grosses pépites AOR, Hard FM qui étaient impossible à trouver en format CD.

L'album de Witness en fait partie. Personnellement, j'avais cet opus en format CDR avec une vieille pochette pourrie en noir et blanc. Au vu de la qualité de cet opus, j'étais donc plus que ravi qu'il ressorte à un prix abordable. Cet unique opus du groupe est considéré pour beaucoup comme un incontournable du Hard FM, à juste titre. Il faut dire que la voix de Debbie Davis y est pour beaucoup. Elle illumine de toute sa classe cet opus ainsi que ces complices musiciens. Au niveau des guest c'est pas mal non plus puisque on retrouve Steve Smith et Neal Schon de Journey, Brad Gillis de Night Ranger, Danny Chauncey de 38 Special ainsi que Michael Bolton et Martin Briley qui co-signent des morceaux.

Cet album est un peu un mix entre la puissance de Saraya et le mélodisme de Heart. En effet, c'est loin d'être mou du bulbe et les titres dépotent grave aides en cela par une production dantesque de Bill Drescher et Kevin Elson. Même notre Johnny national connait cet album puisque sur son opus "CA NE CHANGE PAS UN HOMME", il avait repris le hit "Desperate Lover" en le traduisant par "Le Nom Que Tu Portes". Sur ce même album il avait repris également "Dirty Love" de Thunder. Maintenant il écoute Christophe Mae c'est autre chose !

Que dire de plus sur ce CD si ce n'est que tous les titres sont tous excellents et forment une galette impressionnante. Que ce soit "Show Me What You Got", "Am I Wrong", le slow "Let Me Be The One" ou "Jum Into The Fire" tous peuvent être considères comme des musts du Hard FM. Une mention spéciale au guitariste Damon Johnson qui tout au long de la galette se déchaine comme un damné.

Le seul regret est que cet album resta sans suite. Sorti chez Arista en 1988, il semble que le groupe n'ait pas été très suivi par son gros label et comme beaucoup a disparu sans laisser de trace si ce n'est ce monument du Hard FM qui perdure avec le temps.

Foreigner "Mr. Moonlight" (1994)

2009-11-12T19:04:00.000+01:00

En 1994, Mick Jones et Lou Gramm quelques peu échaudés par l’échec relatif de leurs productions séparées se rabibochent et publient "Mr. MOONLIGHT", un album sous-estimé à tort. Pour être franc je dois avouer que les changements de chanteur au sein d’un groupe ne m’ont jamais emballé même quand le chanteur en question fait partie de mes préférés comme c’est le cas aujourd’hui avec Kelly Hansen (Hurricane). C’est donc avec ravissement que j’accueillis le retour du Lou au bercail après 7 ans d’absence. La critique habituelle est que l’album manque de pêche et se contente d’enfiler ballade, semi ballade et mid-tempo comme Cynmi ses conquêtes. Et alors !! Cette galette fait partie des meilleures réalisations de l’étranger. Outre les deux leaders, nous trouvons Bruce Turgon à la basse, l’acolyte habituel de Lou Gramm, ainsi que Jeff Jacobs aux claviers et Mark Schulman à la batterie. Plusieurs titres méritent de rejoindre la cohorte de leurs hits passés : "Until The End Of Time" exquise ballade au refrain meurtrier qui vous prend les tripes grâce à cette voix jouissive qui nous manque tant, "Running The Risk", "Hand On My Heart" mid-tempo savoureux avec refrains comme aux bons jours, "Real World" ballade ténébreuse aux envolées lyriques avec des guitares qui viennent découper les nappes de claviers, sans oublier le slow braguette "I Keep Hoping" idéal pour la voix du chanteur. Pour ceux en manque de guitares électriques rapprochez-vous de "Under The Gun" et de "Big Dog" quasi instrumental dans lequel Mick Jones retrouve la vigueur de ses jeunes années, parole de groupie.

Foreigner "Can't Slow Down" (2009)

2009-11-06T20:38:00.000+01:00

Il y a énormément de choses à dire sur le nouveau Foreigner. Déjà, il a fallut attendre 15 ans par rapport au dernier effort studio "Mr MOONLIGHT". 15 ans qui aura vu Lou Gramm quitter le groupe suite à une grave maladie, 15 ans qui aura vu arriver un nouveau chanteur Kelly Hansen (ex- Hurricane) et 15 ans qui aura vu fleurir moult compilation et autres live plus ou moins improbables. De fait du groupe original de 1977, il ne reste plus que Mick Jones aux commandes entouré de Kelly Hansen et de Jeff Pilson (Dokken) pour les plus connus. Depuis un moment le groupe nous annonçait un nouvel album studio mais on ne voyait rien venir. Aujourd'hui, ce nouvel album "CAN'T SLOW DOWN" est la et j'étais impatient de voir ce que cela allait donner.

Je vais évacuer tout de suite les critiques que j'ai pu entendre disant que le CD était mou et qu'à part "Can't Slow Down" le premier morceau, au demeurant excellent, le reste était chiant à mourir. Je voudrais dire simplement que Foreigner ce n'est pas "UNUSUAL HEAT", album Hard avec Johnny Edwards au chant, ce n'est pas non plus que "Juke Box Hero" titre Hard. Foreigner c'est du rock FM où l'on navigue entre titres à consonances Rock mais aussi mid-tempos et slows rutilants. Foreigner c'est "That Was Yesterday", "Head Games", "Cold As Ice" ou "Say You Will". C'est aussi "Fool For You Anyway" un titre absolument génial qui figure sur le premier opus et qui est réinterprété et réorchestré en plage 13 sur "CAN'T SLOW DOWN". Foreigner c'est aussi un album qui passe un peu inaperçu dans leur discothèque et qui est pourtant un des meilleurs "Mr MOONLIGHT". Ce CD est une pure merveille et la dernière grande performance vocale de Lou Gramm. J'ai eu une inquiétude également quand je vis que Marti Frederiksen avait co-écrit la plupart des titres. En effet, on ne peut pas dire que ce compositeur m'ait enthousiasmé lors de son travail avec Aerosmith. Je vous le dis tout net, toutes mes inquiétudes , mes angoisses ont étés bien vite balayées à l'écoute de l'album. Je l'ai déjà dit mais je le répète cet album est peut être leur meilleur album. Je vais en choquer pas mal mais c'est pourtant ce que je pense en connaissant bien toute la discographie du groupe. En effet, à l'inverse de la plupart des albums du groupe, sur celui ci il n'y a pas de titres moyens voir mauvais ce qui était le cas auparavant. Il y a une qualité d'ensemble absolument ahurissante. Les compositions y sont pour beaucoup mais je dirais que le travail de Kelly Hansen est énorme. On avait signalé sur Arnel Pineda combien sa voix ressemblait à celle de Steve Perry et bien avec Kelly Hansen on a l'impression d'entendre le Lou Gramm des années 80. Sa performance vocale tout au long de l'opus est tout bonnement hallucinante voir hors norme. Quelques morceaux quand même à mettre en avant et qui sont vraiment incontournables comme le magnifique "In Pieces" et son refrain qui vous trotte dans la tête pendant longtemps. "When It Comes To Love" qui rappelle les grandes ballades du groupe avec le retour du saxo qu'on avait plus entendu depuis le 4. Le rock FM de "Living A Dream", l'AOR parfait de "Give Me A Sign", le retour au 70s avec "Too Late" qui rappelle les "Women" ou autre "Cold As Ice". A noter sur ce titre le retour de Russ Irwin pour l'écriture et au piano. Je vous dis cela car ce type a sorti début 90 un solo tout a fait recommandable et on n'avait plus de news. Pour finir la sublime ballade "I Can't Give Up" ou Kelly Hansen tutoie les sommets

En plus du nouvel album on a droit à un CD de remixes pour 10 standards du groupe qui n'apporte pas grand chose par rapport aux originaux.

On a droit aussi à un DVD intéressant mais pas transcendant non plus car on assiste pas véritablement à un concert mais à un montage de différents sets dans différents endroits. Un moment quand même émouvant c'est le retour de Mick Jones à Paris ou il se souvient qu'en 68 il accompagnait notre Johnny Hallyday national avec Jimmy Page.

On pourrait bien entendu utiliser les formules éculées du genre "retour gagnant" mais la c'est plus que cela. Ce groupe m'accompagne depuis 1977 et j'avoue que depuis 1994 j'étais un peu orphelin de leur musique même si j'ai acquis pas mal de compilations et autres live. Avec "CAN'T SLOW DOWN" ils redeviennent pour moi un de mes combos préfèrés pour un album qui figurera dans ma playlist de 2009.

Bridge 2 Far "Bridge 2 Far" (1989)

2009-11-06T19:49:00.000+01:00

Un album comme on aimerait en entendre plus souvent mais manque de bol, comme on dit en Chine, c’est l’unique opus de la formation. Un projet dont le noyau dur est constitué de Mark Williamson et de John "JR" Robinson auquel j’ajouterai Chris Eaton dont la signature apparaît sur plusieurs titres et pas des moindres.

Un fantastique album de Westcoast/AOR dont la locomotive s’appelle "Heaven On Earth", une titre qui pourrait figurer sur la liste des cents meilleures chanson du genre qu’il serait instructif de dresser un jour. A lui seul il justifie l’achat du CD : rythmé avec des couplets et un refrain en béton armé porté par des voix puissante et des musiciens surdoués. La liste des participants est à ce titre éloquente : Steve Lukather, Michael Landau, Marty Walsh (guitares), Neil Stubenhaus (basse), David Paich (claviers) et des cuivres arrangés par Jerry Hey. Autant dire que les fans de Toto et de Chicago sont invités à acquérir l’objet (quand il sera réédité, ce qui sera plus sage pour les finances). La cerise sur le gâteau c’est que "Heaven On Earth" est l’arbre qui cache la forêt car les 9 titres qui composent l’album sont d’une précision supérieure à l’horlogerie Suisse. Par exemple je défie quiconque de résister aux refrains percutants de "Say You Will" et de la ballade "I Must Be Blind". A propos de ballade écoutez "Caught Inside Your Heart" et ses chorus de sax qui vous donneraient presque envie de renouer avec celle (ou celui) que vous maudissiez juste avant.

Si vous préférez que ça balance un peu plus mais avec élégance "We Got A Way", "This Is Killing Me" et "Straight To The Heart" sont faits pour vous. Le chant se rapproche souvent de celui de Michael Bolton (à qui je ne parle plus depuis qu’il a déserté nos rangs, mais dont j’écoute quand même encore les trois premiers CD’s) "Hold You Tonight".

A l’image de leur chanson fétiche, Bridge 2 Far c’est pas loin du paradis sur terre.

Martin Page "In The House Of Stone And Light" (1994)

2009-11-04T19:56:00.000+01:00

Connu pour ses qualités de songwriter (Starship, Heart…) Martin Page se lance comme interprète en 1994 et le résultat est si convainquant que l’on s’interroge sur les 14 ans de silence qui suivront avant qu’il ne réitère l’expérience avec "IN THE TEMPLE OF THE MUSE" en 2008.

Sur ce premier effort, Martin est l’auteur et compositeur de tous les titres à l’exception de deux textes "Light In Your Heart" et "Monkey In My Dream" écrits par Bernie Taupin le partenaire habituel d’Elton John pour qui, 7 ans auparavant, il avait composé et produit l’album "HE WHO RIDE THE TIGER". On trouve d’ailleurs beaucoup de similitude entre ces deux disques, dans le style vocal tout d’abord mais aussi sur le plan mélodique. Cependant "IN THE HOUSE OF STONE AND LIGHT" demande un effort de la part de l’auditeur car les mélodies ne sont pas évidentes à la première écoute. Déclinés sur un mode personnel en tonalité soft plusieurs titres se distinguent néanmoins assez rapidement "Shape The Invisible", "Keeper Of The Flame" ou la délicieuse ballade "In My Room".

Contrairement à ce que l’on pouvait attendre, il s’agit plus d’un album d’auteur que de celui d’un faiseur de tubes. Le genre de disque qui vous apprivoise au fil des écoutes.

Manassas "Pieces" (2009)

2009-11-01T16:38:00.001+01:00

Vous en rêviez Rhino l’a fait, un album d’inédits et de prises alternatives du géant Manassas, le groupe fondé par Stephen Stills au début des années 70 dont vous pouvez écouter 7 titres complets à sur le site de Rhino.

Quand cela démarre avec un titre comme "Witching Hour" on se demande vraiment ce qui a pu l’écarter du second Manassas qui, tel quel qu’il existe, fût une déception pour les fans. Une mélodie racée et inspirée, avec la voix et les guitares qui vont avec. Le seul reproche que l’on pourrait faire à cet album est sa durée car certains titres n’ont pas leur forme définitive et sont sous la barre des 2 minutes, mais rien à redire quant au son et le titre de l’album est explicite "Morceaux". Parmi les titres connus, on en retrouve deux issus de son second album solo "Sugar Babe" et "Word Game" avec shuffle accentué, deux autres qui figuraient sur le second Manassas "Lies", dans une version supérieure avec en invité un Joe Walsh éblouissant à la guitare, ainsi que "Do You Remember The Americans". "My Love Is A Gentle Thing" était également précédemment paru sur le Box Set de CSN et "Love And Satisfy" sur le second Souther Hillman Furay Band. Toutes les versions sont évidemment différentes de celles publiées dans leurs versions originales. Pour le reste, du jamais entendu messieurs dames : le Country rock "Like A Fox" en duo avec Bonnie Raitt, deux reprises de classiques bluegrass "Panhandle Rag", "Uncle Pen", l’instrumental latino "Tan Sola Y Triste", "Fit to Be Tied" avec pédale Wha Wha impériale, le bluesy "High And Dry", la ballade Country "Dim Lights, Thick Smoke (And Loud, Loud Music)" et pour terminer un blues acoustique avec Stephen Stills seul à la guitare comme dans "Blues Man" sur le premier Manassas. Un album qui laisse bien augurer du coffret rétrospective annoncé par Rhino et sur lequel on espère retrouver des extraits des fameuses séances enregistrées avec Jimi Hendrix dont on ne connaît officiellement que "Old Times, Good Times" paru sur son premier effort en solo.

West Of Sunset "West Of Sunset" (1992)

2009-10-27T06:32:00.000+01:00

Encore une énorme réédition sur le label Yesterrock. En effet, pour se procurer cet album de West Of Sunset il fallait se lever de bonne heure et encore...

Cet opus date de 1992 et est composé de 2 Suédois, Bjorn Strom qui officie au chant à la guitare et aux claviers et Thomas Axelsson bassiste et guitariste. Référencé sur tous les sites de Westcoast, je n'ai jamais compris ce classement. Pour moi ce West Of Sunset n'est pas vraiment un album de Westcoast mais plutôt un excellent CD de Pop AOR Scandinave. Bien entendu quelques réminiscences Westcoast sont quand même présente avec "Ocean Boulevard" ou bien "I Just Wanna Hold You" mais cela ne représente pas l'essence même du CD. La voix de Bjorn Strom rappelle d'ailleurs celle de Jeff Scott Soto sur certains morceaux comme le très rock "Gimme Your Love". Comme tous les groupes Scandinaves, l'accent est porté sur les parties vocales qui sont magiques. Il faut écouter les monstrueux "Now You're Gone" et "Giving My Heart Away". Avec ces titres on est proche de Michael Learns To Rock. Même Ace Of Base a piqué le rythme de "Time Is All We Need". Rassurez vous rien de rédhibitoire car avec ce superbe titre on est pas dans de la dance préfabriquée à deux balles mais simplement sur un titre au rythme entrainant qui bénéficie lui aussi de parties vocales à mourir. Pour retrouver du pur AOR, jetez une oreille sur "Homeward Bound" et "Taking A Chance" qui est sans doute le meilleur titre du CD. Une bombe que je ne me lasse pas d'écouter.

Ce West Of Sunset est vraiment un must à tout point de vue. Quand les Scandinaves sont à ce niveau de classe et de mélodisme, on ne peut que s'incliner devant tant de talent.

Un conseil, que ceux qui sont allergiques à la Westcoast ne passent pas leur chemin car ils seraient assez surpris de constater combien cet opus est un grand CD d'AOR.

Jack Wagner "Don´t Give Up Your Day Job" (1987)

2009-10-08T06:41:00.001+02:00

Je l'attendais depuis longtemps et maintenant que mon souhait est exaucé, je suis ravi. En effet, avec "DON'T GIVE UP YOUR DAY JOB" la trilogie de Jack Wagner après "ALL I NEED" et "LIGHGHTNING UP THE NIGHT" se clôt. 3 rééditions pour 3 incontournables.

Le label Friday Music vient de rééditer ce chef d'œuvre qui trônait fièrement en vinyle sur mes étagères puis en CDR ensuite au vu des prix pratiqués pour l'acquérir. Cet album fait vraiment partie de mes incontournables et si je partais sur une ile déserte, il ferait très certainement partie de mes bagages. Des compos magnifiques, une liste de producteurs et de musiciens longues comme le bottin de New York, des songwriters tous plus inspirés les uns que les autres, bref un Monument. A une exception près, "Island Fever" qui fait vraiment tâche par rapport au reste. Une composition insipide qui n'a rien à faire au milieu d'un tel album. Heureusement, on oublie vite cette faute de goût en écoutant les "Love Find It" composé par Clif Magness et Glenn Ballard, "Easy Way Out" signé par Tom Kelly et Billy Steinberg et qu'on retrouve sur l'album d' I-Ten, "Common Man", "Lovers In The Night" co-écrite par John Bettis qui a beaucoup écrit pour Stan Bush, "Sneakin Suspicions" de la grande Diane Warren et "Back Home Again" qui clôt cet album de façon magistrale.

Il serait injuste d'oublier le duo magique avec Siedah Garret pour le morceau "I'ts What We Don't Say" qui est un monument...

C'est bien simple depuis 1987, cet opus tourne régulièrement sur mes platines et je ne m'en lasse pas. Pourtant, je connais par coeur les paroles et autres arrangements musicaux sur le bout des doigts mais cela ne fait rien, cet album me transcende toujours autant.

Franchement, si les fans d'AOR me lisent et ne connaissent pas encore ce monument, il est temps de réparer cet erreur et de se jeter sur cette réédition.

Jesse's Powertrip

2009-10-07T20:19:00.000+02:00

Jesse Bradman, vous voyez qui c’est ? Je parle pour ceux du fond… Bon, je vous aide Saints And Sinners. Ah, tout de même ! C’était en 1992, un album étonnant qui portait certes la griffe d’Aldo Nova mais aussi celle du précité qui composait 50 % du matériel et qui jouait des claviers comme d’autres jouent des épaules. Après cela Jesse a rejoint Poison puis monté le groupe Innocent dont l’album est sorti en 1997. Le groupe se composait alors de Jesse Bradman (Vocaux, claviers ; Aldo Nova, Night Ranger), David Sikes (basse ; Boston, Giuffria), Bob Gilles (Guitare ; découvert par Mike Varney) et Curly Smith (Batterie ; Boston). L’album comportait de bonnes compositions hélas desservies par un son approximatif, genre démos d’origine.

Son projet suivant s’appelle Jesse's Powertrip et l’album "NOT SO INNOCENT" (1999). Le line-up est identique à l’exception de Curly Smith qui devait être le plus innocent des quatre. Du bon Hard Américain avec Bobby Barth (Axe) au mixage et cette fois ça roule. Dans les deux cas, la surprise c’est qu’en sus (me glisse une amie intime) de ses rôles habituels, Jesse assure également le chant d’une voix haute légèrement voilée avec beaucoup d’assurance. Une galette qui démarre tambour battant avec le très Rock "Let It Roll", déconseillé d’écouter face à face car risques de collision frontale, et le groovy "Heart To Heart" avec la guitare de Ritchie Kozen (Poison) qui décharge son venin dans un solo reptilien. Par la suite climat général est plutôt tempéré, avec une brise légère genre mid-tempo "Lonely Girl", "Leaving Home", "Hole In You Heart", celui-ci signé Cain/Waite/Gilles aurait pu figurer sur un album de Bad English, ou encore ballades et semi ballades "Sister Mercy", "Wanna Be Loved" cette dernière avec Mike Varney à la guitare solo. A propos de solo, la majorité sont assurés par Luis Maldonado (il joue sur le dernier Glenn Hugues "FIRST UNDERGROUND NUCLEAR KITCHEN") et il aurait mérité de faire partie intégrante du groupe. Pour les plus agités , l’up-tempo "Hotwired" clôture l’album sur une cavalcade effrénée avec Frank Hannon en soliste (Tesla) qui prend également celui de "Lonely Girl".

Quant à la pochette, elle illustre le titre de l’album par la photo d’un bébé braqué par un revolver. Comme finesse j’ai connu mieux… Nobody’s perfect !

Rétrospective Little Feat (Les années Lowell Georges)

2009-09-28T13:07:00.010+02:00

Little Feat (traduction littérale : Petit exploit , mais c’est aussi une allusion phonétique à la taille des pieds du leader) est formé en 1970 par le guitariste multi-instrumentiste Lowell Georges après son départ des Mothers Of Invention. L’histoire dit qu’il présenta sa composition "Willin’" à Frank Zappa qui la refusa et lui conseilla de se rendre à L.A. pour monter son propre groupe. Aussitôt dit aussitôt fait, Lowell plie ses bagages dans lesquels il emmène Roy Estrada, le bassiste des Mothers. Ils recrutent le batteur Richie Hayward, le claviériste Bill Payne et en voiture Simone.

"LITTLE FEAT", produit par Russ Titelman, paraît en 1971. D’une veine Boogie-Country-Rock-Blues-Folk au parfum sudiste (genre la totale) , il reflète l’influence dominante de Lowell Georges tant au niveau des compositions qu’il signe ou co-signe avec Bill Payne et Roy Estrada, que du chant traînant et plaintif qui le caractérise ou des parties de slide qui illuminent l’album. Il contient notamment la démo de "Willin’" enregistrée avec Ry Cooder à la slide ainsi que le remarquable "Truck Stop Girl" et un medley constitué de deux reprises du bluesman Howlin’ Wolf "Forty Four Blues / How Many More Years". L’atmosphère rappelle souvent les Stones période "BEGGAR’S BANQUET". L’album reçoit un bon accueil critique de la part du magazine Rolling Stone mais les ventes ont du mal à décoller : on parle de 11 000 copies à l’époque.

"SAILIN’ SHOES" en 1972, qui est produit par Ted Templeman, inaugure la célèbre série de pochettes signées par le dessinateur Neon Park qui rendront les albums du groupe immédiatement reconnaissables. Si l’album précédent faisait déjà preuve d’une maturité certaine pour un premier essai, le talent du groupe éclate cette fois au grand jour "Sailin’ Shoes", "Apolitical Blues A", "Got No Shadow" ou encore la nouvelle version de "Willin’". Critiques élogieuses mais cette fois encore des ventes à la ramasse. Les albums qui vont suivre seront produits par Lowell Georges.

"DIXIE CHICKEN" (1973) marque un changement notable avec le départ de Roy Estrada et l’arrivée de Paul Barrere (guitare), Kenny Gradney (basse) et Sam Clayton (congas, percussions). Trois des titres ne sont pas signés Lowell Georges : "On Your Way Down" d’Alan Toussaint, "Walkin' All Night" co-signé Barrere/Payne et "Fool Yourself" de Fred Tackett. Un album de croisière avec l’apport d’influences Nouvelle Orléans sur le morceau éponyme. Toutes les compositions sont intéressantes avec une mention spéciale pour "Juliette".

La reconnaissance critique est inversement proportionnelle à celle du public, le moral est en berne et les musiciens s’éparpillent dans multiples séances de studio : Doobie Brothers, Bonnie Raitt, Robert Palmer… et les jours du groupe semblent comptés.

"FEATS DON’T FAIL ME NOW" (1974) Le groupe se remet néanmoins à l’ouvrage grâce à leur manager Bob Cavallo qui achète un studio d’enregistrement dans le Maryland. Les ventes s’améliorent et les arrangements se diversifient : les cuivres de "Spanish Moon" le piano jazz bastringue de "Oh Atlanta" et de "Feats Don’t Fail Me Now" le blues and Roots "Skin It Back" signé Barrere. Une sorte d’album de transition avec un apport plus important des claviers.

"THE LAST RECORD ALBUM" (1975) : Comme la fin d’une époque qui voit Lowell Georges plus en retrait, il ne signe que trois chansons mais dont une qui deviendra un classique "Long Distance Love". Les compositions de Barrere et Payne, parfois ensemble, dominent et sont nettement plus commerciales "All That You Dream", "One Love Stand", "Somebody's Leavin'", on lorgne vers le Jazz-Rock "Day Or Night". Les cartes sont en train de changer de mains.

"TIME LOVES A HERO" (1977) : Cette fois c’est fait, Lowell ne signe plus que deux titres dont l’exceptionnel "Rocket In My Pocket". Les influences Jazz-Rock jusqu’alors diffuses sont prédominantes "Hi Roller", "Time Loves A Hero", l’instrumental "Day Dog At The Races", on aborde la Westcoast "Red Streamliner" avec un Michael McDonald tout simplement génial sur les contre-chants. Encore un classique avec la ballade bluesy "Missin’ You" signée Barrere. L’album est produit par Ted Templeman.

"WAITING FOR COLOMBUS" (1978) : Leur premier album Live enregistré durant l’année 77 et qui sera pendant longtemps leur meilleure vente, faisant cette fois l’unanimité côtés critiques et public. Un panorama représentatif de leur carrière et de leur énergie scénique.

"DOWN ON THE FARM" (1979) : Condoléances attristées. Paru après le décès de Lowell Georges d’une crise cardiaque dans sa chambre d’hôtel après un concert dont le dernier titre chanté en rappel "Twenty Million Things" (des millions choses à faire) sonne comme une ironie du sort. Un album qui témoignait d’une reprise en main du groupe par Lowell Georges qui signe ou co-signe 5 titres sur les 9 qu’il contient et assure également la production (avec l’aide de quelques amis…l’album étant finalisé après sa mort). On revient aux racines "Down On The Farm", on la joue laid-back "Perfect Imperfection", on touche la Westcoast manière Doobie Brothers avec "Front Page News" et "Wake Up Dreaming". Un album que j’adore mais qui marque hélas la fin de l’ère Lowell Georges.

Même si vous possédez la discographie complète du groupe, je vous recommande impérativement l’achat du Box-set publié chez Rhino en 2000 "HOTCAKES & OUTTAKES : 30 YEARS OF LITTLE FEAT". D’une présentation exemplaire avec livret hyper documenté et richement illustré, il parcourt l’ensemble de la carrière du groupe, y compris les albums non chroniqués ici et parus à cette date. Le quatrième CD propose inédits, démos et versions alternatives.

Sans oublier l’album solo de Lowell Georges "THANKS, I'LL EAT IT HERE" (1979) qui retrouve l’esprit des premiers Little Feat et sur lequel figure une liste impressionnante de guest-stars dont ses collègues Bill Payne et Richard Hayward.

Allez un dernier hors contexte pour la route : "HOY HOY" (1981) belle iconographie, anciens et nouveaux titres dont le magnifique "Gringo" de Bill Payne.

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Rétrospective Steely Dan

2009-09-27T19:22:00.004+02:00

Donald Fagen et Walter Becker se rencontrent à la fin des années soixante, au collège de Bard Dans l'état de New York. A la fin de leurs études, ils décident de se lancer dans une carrière musicale dont les premiers témoignages seront la musique du film "You Gotta Walk Like It (Or You'll That Beat)" et des compositions écrites et arrangées pour le groupe Jay And The Americain au début des années 70. Des chansons qui datent de cette période referont opportunément surface des années plus tard sous diverses appellations "THE EARLY YEARS", "BERRY TOWN", "OLD REGIME", etc... Avec le recul, elles s'avèrent plutôt médiocres et laissent difficilement présager la qualité de ce qui suivra.

La catalyseur va être la rencontre déterminante du producteur Gary Katz et du guitariste de séance Jeff Baxter. Steely Dan que l'on pourrait poétiquement traduire par Gode d'acier, est une expression qu'ils avaient utilisée dans une de leurs premières compositions "Soul Ram" et qui serait inspirée par Dan, un vibro masseur qui figure dans "Le Festin Nu" de l'écrivain William Burroughs, et par leur utilisation d'une Steel guitare. Le groupe nouvellement constitué se compose alors de Donald Fagen, Walter Becker, Jeff Baxter et de Dennis Dias (guitare, sitar), Jim Hodder (batterie) et David Palmer (chant).

"CAN'T BUY A THRILL" paraît fin 72. La pochette kitch multicolore représente des prostituées en attente de clients, une bouche pleine de promesses et le nom du groupe tracé à la mayonnaise Lesieur (pub gratuite), un mauvais goût à l'opposé du contenu. Première claque "Do It Again", un de ces tubes qui font partie de l'inconscient collectif et qui 37 ans plus tard n'a rien perdu de son pouvoir : voix, refrain et rythme obsédants. La contribution de David Palmer est secondaire car la voix de canard de Fagen (prénom Donald...) retient toute l'attention. L'autre titre imparable s'appelle "Reeling In The Years" avec la contribution d'Elliot Randall à la guitare, une des participations extérieures qui seront une constante dans toute leur oeuvre future. On trouve déjà les bases de ce kaléidoscope musical ultra élaboré qui mélange avec swing et légèreté, chant nonchalant, Pop, Jazz et rythmes latins. On peut citer aussi le mal nommé "Dirty Work".

"COUNTDOWN TO ECTASY" qui lui succède en 1973 présente tout autant d'attraits en dépit de l'absence de vrais hits grâce à des titres aussi bluffant que "The Boston Rag", "Show Biz Kids", "Bodhisattva". David Palmer est cette fois relégué au rang de choriste tandis que les musiciens de séance sont baptisés spécialistes, Rick Derringer à la Slide sur "Showbiz Kids".

Le soucis de perfection qui anime nos deux compères va trouver un premier réel aboutissement en 1974 avec "PRETZEL LOGIC" dont est extrait "Rikki Don't Lose That Number" qui s'installe au Top 5 du Billboard. L'album, auquel ont participé une pléthore d'invités célèbres ou en devenir parmi lesquels David Paich, Jeff Porcaro, Dean Parks ou encore Tim Schmit, obtient un succès colossal. Le groupe est devenu quasiment culte aux Etats-Unis mais décide d'arrêter les concerts, après une ultime journée promotionnelle triomphale, ce qui va conduire au départ de Jeff Baxter chez les Doobie Brothers.

Quand "KATY LIED" est publié l'année suivante, le groupe se résume au duo Fagen/Becker, malgré la présence de Dennis Dias, avec une liste impressionnante de musiciens extérieurs. L'album voit l'arrivée aux choeurs de Michael McDonald qui a même droit à sa photo au verso de la pochette. "Bad Sneakers", "Doctor Wu", "Black Friday" autant de titres à filer le tournis, où le duo s'éclate avec un matériel ultra performant pour l'époque : un enregistreur 24 piste construit spécialement pour eux (dixit les notes de pochette). Du Rock à la sauce Jazz pourrait-on dire comme en témoigne la présence de jazzmen réputés tels que Phil Wood au sax alto.

"THE ROYAL SCAM" en 1976 enfonce le clou avec une coloration Funky. Un nouveau tube avec "Haitian Divorce" et sa pédale Wha-Wha omniprésente, la ritournelle implacable de "The Fez", "Kid Charlemagne", les guitares de "Don't Take Me Alive", un album majeur dans leur discographie avec la présence ineffable de Larry Carlton.

Pourtant tout ce qui précède ressemble à de vagues préliminaires face à l'impact que va avoir leur nouvel opus "AJA" en 1977 dont la complexité musicale bouscule les idées reçues sur la musique grand public. A l'époque, tout cadre moyen l'a dans sa discothèque même si précédemment il n'a jamais entendu parler du groupe. "Aja" et "Deacon Blues" franchissent les limites formatées du single avec des titres de 7 à 8 minutes qui favorisent les explorations musicales de nos deux perfectionnistes. Le swing de "Josie", de "Peg", le Jazz de "I Got The News", on atteint les sommets de ce style musical sophistiqué auquel le timbre de voix de Donald Fagen donne un ton unique. Leurs nouveaux partenaires font une nouvelle fois partie de la crème des musiciens : Wayne Shorter, Tom Scott (saxo), Larry Carlton, Lee Ritenour, Dean Parks (guitare), Steve Gadd (batterie)...

Il faudra attendre 3 ans pour les voir réapparaître sur les présentoirs des disques avec "GAUCHO" en 1980, si l'on fait exception du titre "FM" paru en 1978 sur la BO du film éponyme. L'album s'apparente à un véritable travail de laboratoire qui signera leur chant de cygne, du moins pour un temps, avec toujours cette précision diabolique dans les arrangements. Deux morceaux (j'aime pas le mot, on dirait que l'on parle de bouts de chansons mais j'ai utilisé 5 fois le mot titre...) vont cartonner : "Hey Nineteen" et "Babylon Sisters". Les choeurs sont essentiellement féminins, ce qui était partiellement le cas sur "AJA", et l'on remarque la présence de Mark Knopfler (Dire Straits) sur "Time Out Of Mind" (il paraît qu'il s'en souvient encore, égo soit dit).

Conscient de l'effort fourni pour publier un digne successeur à "AJA" qu'ils considèrent comme leur pic de créativité, Donald et Walter décident de dissoudre Steely Dan et l'histoire du groupe semble s'arrêter là. A ce titre, si vous ne possédez pas leurs albums, je vous conseille l'acquisition du double CD "SHOWBIZ KIDS : THE STEELY DAN STORY" qui reprend la plupart de leurs classiques entre 1972 et 1980 et propose l'inédit "Here At The Western World" issu des séances de "THE ROYAL SCAM".

Deux ans plus tard, en 1982, Donald Fagen reprend du service avec "THE NIGHTFLY" dont la seule réelle différence avec un album de Steely Dan est l'absence de Walter Becker. Un succès phénoménal même en France où il recevra le prix de l'Académie Charles-Cros. "New Frontier" et "I.G.Y." rejoignent illico les standards du duo. Donald Fagen renouvellera deux fois l'expérience avec "KAMIKIRIAD", produit par Walter Becker en 1993 ("Tomorrow's Girls") et "MORPH THE CAT" en 2006 mais avec un accueil plus mitigé.

Walter Becker publiera également deux albums solo "11 TRACKS OF WHACK", produit par Donald Fagen en 1994, duquel ni la voix, ni les compositions, ni les arrangements ne m'ont accroché, et "CIRCUS MONEY" en 2008 (que je ne connais pas).

Pour en revenir à notre duo, les retrouvailles artistiques auront lieu à la fin de l'été 1993 avec leur première tournée depuis 19 ans sous l'appellation "Steely Dan Orchestra". Plusieurs autres tournées se succéderont les années suivantes dont l'album public "ALIVE IN AMERICA" (1995) sera le témoignage.

Il faudra attendre 5 ans pour qu'ils se retrouvent enfin en studio avec de nouvelles chansons qui donneront naissance en 2000 à l'album auto-produit "TWO AGAINST NATURE" dont il existe également une extension en DVD avec nouveautés et reprises d'anciens titres. Un album qui possède tous les ingrédients qui ont fait le succès des précédents mais où la sauce manque de goût, c'est léché et élégant mais l'ennui prédomine. Cet avis n'engage que moi car je dois préciser que l'album a remporté 3 Grammy Awards.

Leur dernier opus en date "EVERYTHING MUST GO" qui est sorti en 2003 m'apparaît nettement plus inspiré et retrouve une qualité mélodique et un groove dont était dépourvu le précédent ("The Last Mall", "Pixeleen", "Blues Beach", "Green Book" et "Everything Must Go").

L'histoire est loin d'être terminé puisque leur dernière tournée baptisée "Left Bank Holiday" les a conduit le 2 juillet dernier à l'Olympia de Paris pour un concert exceptionnel dans tous les sens du terme.

Michael Sembello "Bossa Nova Hotel" (1983)

2009-09-20T18:17:00.002+02:00

La pochette de l'album vaut son pesant de cacahuètes : côté face on voit Michael Sembello derrière un comptoir le visage moitié blanc/moitié noir (peut être un hommage à Stevie Wonder dont il fût le guitariste sur "SONGS IN THE KEY OF LIFE" et avec lequel il co-signa le titre "Saturn"), côté pile en tenue de vacancier qui déboule à la mer, short et panama compris.

C'est cool, comme la musique de cet impérissable qui sent bon les claviers et les basses synthétiques du début des années 80. L'album reprend le hit planétaire "Maniac" qui figurait sur la BO du film Flashdance et au son duquel certains ont peut-être usé leurs talonnettes sur les pistes de danse. Mais son vrai point fort ce sont les ballades où la voix médium du chanteur, aux intonations souvent proche de Stevie Wonder m'a toujours emballé : "First Time", "It's Over" ou encore "Talk" en duo avec son épouse Cruz a qui est dédié l'album. Ce dernier s'écoute avec plaisir grâce à l'agencement des titres où même les moins forts sont agréables à l'oreille. Pour les fans, il existe un maxi vinyle de 12 pouces avec "Automatic Man" en version longue et en instrumental, ainsi que le jubilatoire "Summer Lovers" du film du même nom, un titre produit par George Duke qui fait également une apparition au sein de l'album avec un solo de synthé sur "Godzilla".

Un album marquant même pour son auteur puisque son nouveau projet en compagnie de Bruce Gaitsch et de Janey Clewer s'intitule Bossa Nova Hotel.

Tane Cain "Tane Cain" (1982)

2009-09-20T18:16:00.000+02:00

Voici un album qui aura fait la fortune de ceux qui le possédait en support CD. En effet, il était presque, à ce jour, introuvable et il s'arrachait, donc, à des sommes prohibitives sur Ebay. Je le possédais en CD-R et je n'osais plus espérer la réédition. Le label Renaissance Records l'a fait !

Tane Cain est la 1ère épouse de Jonathan Cain que l'on ne présente plus et son album éponyme date de 1982. La pochette pourrait être le titre d'un film d'un film genre "Danse avec le Kitsch". En effet, une pose de manequin habillée en indienne, chevauchant à l'intérieur du CD un étalon, en amazone s'il vous plait... Tout ceci est risible et rappelle le style d'un David Hamilton, le chantre des photos de jeunes filles en fleurs, photos qui tapissaient les chambres des adolescentes pré-pubères dans les années 80.

Bref, une pochette qui est absolument irrésistible. Il faut rajouter que Jonathan Cain ne "s'emmerdait" quand même pas trop car Tane est loin d'être un laideron. Après ces considérations physiques, attachons nous sur le contenu de l'album. Au niveau de la production, on retrouve des personnes confirmées tel que Jonathan Cain et Keith Olsen. Au niveau du songwriting, Jonathan Cain est omniprésent et on trouve également Beau Hill. Les musiciens sont tous des seconds couteaux comme Cain off course, Neal Schon, Tim Pierce, Michael Baird, Richard Page et Tom Kelly pour ne citer que les moins connus !

Avec tout ce beau monde, on se retrouve devant un bon album de Rock FM tendance AOR et Westcoast comme on savait en faire dans les années 80. Comme Shangai, l'autre réédition du label Renaissance Records pour le mois d'août 2009, on est proche de pat Benatar, de Scandal ou Face To Face. Les hits FM s'enchaînent comme "Temptation", "Danger Zone" ou bien "Holdin' On". Le duo avec Jonathan sur "Almost Any Night" rappelle les duos que l'on pouvait trouver sur les BO dans les années 80 comme "Footloose" avec "Almost Paradise" de Mike Reno et Ann Wilson. A côté de cela, il y a des titres plus dispensables comme "Vertigo" ou "Suspicious Eyes" qui ne "cassent pas des briques".

Comme l'album éponyme de Shangai, cet album de Tane Cain vaut surtout par sa rareté que par sa qualité même si cela reste d'un bon niveau...

Shangai "Shangai" (1982)

2009-09-13T10:06:00.000+02:00

Renaissance Records a encore frappé... Ils viennent de ressortir 2 albums introuvable en CD ; d'un côté Tane Cain et de l'autre Shangai. Après Wrabit, Prism, Charlie et Fast Forward, ce label se positionne comme une aubaine pour notre portefeuille.

Shangai est un groupe qui est né des cendres d'un autre combo, Spider. Il est compsé d'Amanda Blue au chant et d'une grosse pointure comme musicien, Beau Hill. La production est assurée par le grand Bruce Fairbain. Pour apprécier cet opus, il faut se mettre dans le contexte du début des années 80. L'album date de 1982 et cela s'entend. Si on est accro. à Pat Benatar, Scandal et Grace Slick dans Jefferson Starship, on ne peut que prendre du plaisir à l'écoute de cette galette. Une voix entre finesse et rudesse, des guitares bien Rock entourés de synthés "vintage" omniprésents. Certes, tout n'est pas parfait comme le trop Hard "Born To Rock" qui dénote par rapport au reste de l'album ou biens des compositions moyennes comme "Girl Who Likes To Cry". A côté de cela, il y a de bons hits FM, qui sans révolutionner le genre, font passer un agréable moment. Je citerais "Always A Rebel", "SOS", "I Need Your Love" ou bien "On Video".

Pour résumer, cet album vaut pour sa rareté que pour sa qualité. C'est un bon album que je qualifierais d'honnête sans être un must. Ce sera d'ailleurs le seul album de Shangai : Amanda Blue reprendra son vrai nom Amanda Leigh pour une carrière solo très underground, Beau Hill deviendra un énorme producteur pour Warrant, Winger et Alice Cooper entre autres, le bassiste Jimmy Lowell participera à l'album éponyme de Fast Forward, le guitariste Keith Lentin jouera avec Keith Richards et Anton Fig deviendra un musicien de session de renom et jouera pour Aldo Nova, Journey, Kiss, Madonna...

George Grunwald "So Much To Say" (2007)

2009-09-13T09:07:00.000+02:00

La Pologne, à part Jean Paul 2, Lech Walesa et quelques joueurs de foot, on ne peut pas dire que je maîtrise le sujet. Au niveau chanteur ou groupe, pas de référence non plus même si le pape, à l'époque, avait sorti un album ! Je vous raconte cela car George ou Jerzy Grunwald est d'origine polonaise. Installé en Suède, il parcourt le monde et cela lui permet, un peu comme Frédéric Slama, de faire des rencontres. Tout d'abord, il s'est contenté d'une carrière en Europe de l'Est puis i a décidé de s'atteler à son projet Westcoast qui lui tenait à coeur. Il trouva en la personne d'Oli Poulsen, un producteur qui alait lui ouvrir pas mal de portes. Oli Poulsen est le producteur, entre autre, du groupe pop danois Michael Learns To Rock dont la réputation et le succès va bien au delà des frontières danoises. Une liste de musiciens dans la tête, le projet de George commença à prendre forme. Il contacta donc une bande de "baltringues" comme Joseph Williams, Bill Champlin, Jason Scheff, Tamara Camplin, Warren Wiebe, Lou Pardini et Alex Ligertwood pour les parties vocales et pour les musiciens David Garfield et Eric Marienthal, entres autres. Un petit line-up de choix qui rappelle les albums d'AOR de Mister Slama.

C'est bien beau d'avoir des super musiciens encore fut-il que le reste suive ; et c'est la grosse "baffe" ! George Grunwald est un remarquable compositeur et un interprète idoine. "SO MUCH TO SAY" est un album rempli de feeling, de classe, de mélodie et de talent. Tout au long des 10 titres, George déroule un tapis rouge entre nos oreilles. Les hits d'enchaînent comme "So Much To Say" et le monstrueux "So Emotional" et ses choeurs dantesques. La ballade Westcoast qui "tue" avec "Save My Love". Le duo avec Alex Ligertwood, "Touch The Sun", qui peut postuler pour être un classique de la Westcoast Music. Le groove de "Have I Lost My Girl", la grâce de "With Every Breath". On retrouve même la patte Michael Learns To Rock sur "Don't Give It Up", le titre enjoué et un brin Pop.

Sorti en 2007, cet album était jusqu'à présent très difficile à se procurer. C'est la raison pour laquelle, je ne l'ai pas chroniqué à l'époque car il le valait bien pourtant. Réédité sous le nom de Jerzy Grunwald par un label polonais, il est nettement plus aisé aujourd'hui d'avoir cette petite bombe dans sa discothèque. Alors, n'hésitez pas !

Dwayne Ford "Needless Freakin" (1981)

2009-09-06T08:01:00.000+02:00

Dwayne Ford pratique les claviers en tous genre (piano, Orgue Hammond, Fender, Synthesiseurs...) et son album en est truffé. Mais rassurez-vous, question guitares on dénombre 4 gratteux parmi lesquels Steve Lukather et Jay Graydon. Sa voix haut perchée et musicale est une bénédiction pour les amateurs d'harmonies vocales qu'il assure avec Patricia Gallant (Patsy pour les intimes) "The Hurricane" ou le quasi-duo "Stranger In Paradise".

On oscille entre Westcoast pur jus "Losin' And Losin' You" et Pop inspirée "The Hurricane", tous 2 sortis en single, en passant par la ballade entraînante "Am I Ever Gonna Find Your Love".

8 titres dont, en songwriter accompli, il est le compositeur et le principal auteur, avec la complicité de David Foster à la production. Encore un à ranger précieusement au rayon des classiques oubliés.

Paul Rodgers "Cut Loose" (1983)

2009-09-06T07:42:00.000+02:00

Paul Rodgers a connu des hauts et des bas, pour les seconds on retiendra les éphémères "THE FIRM" avec Jimmy Page et "THE LAW" avec Kenny Jones (The Who) et pour les premiers, on se souviendra de Free "ALRIGHT NOW" et de Bad Company qui nous offrit 6 albums de Blues-Rock exemplaires avec Mick Ralph à la guitare. "CUT LOOSE" paraît un an après "ROUGH DIAMOND", leur dernier effort en commun.

Un véritable album solo puisqu'il y compose tous les titres, joue de tous les instruments et en assure la production. On connaissait l'immense chanteur et l'auteur-compositeur, on découvre un guitariste aux riffs tranchants capable de solo débridé "Live In Peace". Les compositions sont variées, du Rock bien senti "Cut Loose", "Fragile"; du Blues-Rock "Superstar Woman" ou du Blues tout court "Talking Guitar Blues". Mais sa spécialité reste les ballades "Northwind", "Rising Sun" et "Live In Peace", de celles à l'écoute desquelles, selon votre tempérament, vous vous sentirez émus comme une soeur qui va prononcer ses voeux ou une actrice de Hard qui va passer son premier casting.

H.e.a.t "H.e.a.t" (2008)

2009-09-06T07:29:00.000+02:00

Cela faisait un moment que je voulais chroniquer cet album mais faute de temps, je l'avais un peu "zappé", à tort. En effet, peu d'albums peuvent se targuer d'avoir eu des critiques dithyrambiques à 100%. C'est bien simple, je n'ai rien vu de négatif concernant cet opusde ce groupe suédois. 1er album et 1er carton, tout au moins dans les commentaires.

Quand j'ai acheté cet album, je me suis dis sur quoi je vais tomber. Avec mon esprit de contradiction, je me voyais bien descendre en flèche cet album mais c'est impossible. Dans le genre Hard FM, AOR, c'est du très très lourd. La surprise a été de voir que les compositions "sentent bon" le Hard FM US ou Canadien et pas vraiment celui Scandinave comme Treat ou Bad Habit. On pense à Giant, Honeymoon Suite ou Red Dawn. D'ailleurs la voix du chanteur Kenny Leckremo m'est pas sans rappeler celle de Larry Baud ou Dann Huff.

L'ensemble du CD est propre, carré et très bien produit avec des excellentes compositions. Les 2 titres d'ouverture "There For You" et "Never Let Go" donnent d'emblée le ton ; 2 brûlots FM de haute volée, un peu comme le début de "Never Say Surrender" de Red Dawn avec "Flying High" et "I'll Be There", les claviers de David Rozenthal en moins. "Late Night Lady" fait penser à Giant, période "TIME TO BURN", "Bring The Star" et "You're Lying" ressemblent à des titres des combos canadiens comme Haywhire et puis il y a le titre qui "tue", la ballade ultime, j'ai nommé "Follow Me". Ce dernier morceau est une pure beauté.

Les groupes scandinaves comme Brother Firetribe, The Poodles ou Wig Wam avait déjà fait renaître une certaine idée du Hard FM. H.e.a.t vient également apporter une pière supplémentaire à ce "revival" qui depuis a fait tâche d'huile quand on voit la qualité des albums qui sont sortis et qui vont sortir sur des labels tels que Frontiers Records. La plupart des groupes semblent revenir à un son plus mélodique et ce n'est pas le dernier Danger Danger qui démontrera le contraire. En tout cas, avec les albums de Marcello Vestry et de Rockarma, cet album de H.e.a.t est vraiment à ranger dans les meilleurs albums de Hard FM de ces dernières années.

Ole Borud "Shakin' The Ground" (2008)

2009-09-02T07:03:00.005+02:00

Je n'en sui pas revenu ! En effet, je me suis procuré l'album d'Ole Borud "SHAKIN' THE GROUND" sur Ebay qui au milieu de ses caleçons et autres paires de chaussettes, vendait cet album pour une bouchée de pain. Cet album était encore sous cellophane un peu comme si le type l'avait reçu en cadeau comme les vinyles de George Moustaki que je recevais à Noël quand j'étais plus jeune de la part d'un oncle. J'étais poli, je disais merci et puis le vinyle restait bien sagement dans sa pochette...

Deuxième choc, en écoutant le CD, j'ai découvert un génie ! Ce jeune danois avec ce premier opus m'a littéralement bluffé. J'avais déjà découvert ses capacités vocales sur l'album hommage à David Foster "FLY AWAY" où il interprétait "Through The Fire" avec excellence.

Le bonhomme est la réincarnation en une seule personne de Prince, Bill Champlin et Earth Wind & Fire. Rarement, j'ai pu écouter un disque de Westcoast Music qui groove autant. On retrouve une majorité de cuivres, des arrangements grandioses, des choeurs bien en place avec une touche Soul qui flirte avec le divin. Certains titres postulent pour être, dans le futur, des classiques de la Westcoast comme le monumental "All Because Of You" ou bien "This Blood" qui rappelle également Stevie Wonder. Le côté un peu déjanté de Prince est représenté par "The Vow" qu part un peu dans tous les sens mais avec un talent musical qui transpire par tous les pores. Le garçon sait utiliser la guitare électrique sur le titre "Under Control" qui marie à la perfection le côté Rock et le groove immense avec une basse bien ronflante et des cuivres magistraux. Ole s'attaque au Funk à la manière Seventies et Kool And The Gang sur le remuant "Sanctified By Love" qui donne envie de se la "pêter" en boite de nuit en se regardant dans les vitres du Macumba. Quand le ton s'adoucit, on a droit à un magique "One More Try" digne d'un Bobby Caldwell en grande forme ; quel titre... On termine avec une composition monumentale "City Lights". Si vous ne tapez pas du pied à l'écoute de ce titre et vous ne fredonnez pas le refrain, je n'y comprend plus rien. Certainement mon titre préféré du CD qui en contient beaucoup.

On parlait l'autre fois de chef d'oeuvre et bien "SHAKIN' THE GROUND", je le classe aisément dans cette catégorie. C'est un des plus grand album de la Westcoast Music de ces 20 dernières années. D'ailleurs, le label Zink Music ne s'y est pas trompé puisqu'il le propose maintenant en vente sur le site alors que l'opus date de 2008.

HIM

2009-09-02T06:36:00.006+02:00

Depuis quelques temps, j'hésitais à vous parler de lui, enfin de HIM (Her Infernal Majesty, en français cela donne SIM c'est beaucoup moins Rock and Roll...). Un groupe que l'on trouve souvent classé dans les bacs "indépendant" ou "alternatif" pour une raison que j'ignore car cette formation d'origine finlandaise dont le leader au look gothique se nomme Ville Valo oeuvre dans un style qui se rapproche davantage d'un Metal aux accents Pop qu'il qualifie lui-même de "Love Metal".

En 2000, "RAZORBLADE ROMANCE" qui est leur second album est rempli de riffs de guitare en lames de rasoir, de textes un peu morbides, l'amour et la mort, et de mélodies attrape-tympans, véhiculées par une voix entre grave et médium. Les titres indiquent l'ambiance littéraire "Join Me In Death", "Death Is In Love With Us", "Resurrection", "Bury Me Deep Inside Your Heart" mais donnent une idée fausse de la musique qui elle n'a rien de lugubre. Souvenez-vous que les parents emmènent leurs enfants jouer au Père Lachaise et aucun pédiatre n'a encore signalé le moindre traumatisme. "Poison Rouge", "I Love You" et sa voix sensuelle sur les couplets , gutturale sur les refrains, sous un déluge de guitares saturées c'est de l'imparable même si vous êtes champion de boxe. Idem pour "Heaven Tonight" paradisiaque avec ses vocaux éthérés et sa mélodie ensorcelante, le refrain de "Right Here In My Arms" ou la ballade "Gone With The Sin" superbement mélancolique mais déconseillée les jours de vague à l'âme.

"DEEP SHADOWS AND BRILLANT HIGHLIGHTS" en 2002 m'a tout autant enthousiasmé, les mélodies sont toujours percutantes et l'ambiance littéraire aussi romantique. Ecoutez "Pretending" et vous mendierez des nouvelles que je vous offre immédiatement ; "Salt In Our Wounds" et son solo pas piqué des vers (comme on dit chez les écolos) ; "Heartache Every Moment", si c'est pas du refrain obsédant c'est quoi ? et le martelé "Lose You Tonight" qu'est ce que vous en pensez ?

Par honnêteté, je dois pourtant reconnaître que mon engouement s'est émoussé à partir de "LOVE METAL" qui est paru en 2003 et que je trouve trop proche des deux précédents. Néanmoins, j'ai eu la chance de voir le groupe en 2004 à l'Elysée Montmartre et j'en garde le souvenir ému d'un show d'une infernale majesté malgré quelques problèmes de retour que Ville Valo avait résolu en balançant son oreillette.

Think Out Loud "Think Out Loud" (1988)

2009-09-01T06:44:00.006+02:00

Quand en 1988, 2 artistes qui gravitent autour de la Westcoast Music se rejoignent cela donne Think Out Loud. D'un côté, Steve Kipner auteur en 1978 de "KNOCK THE WALLS DOWN" un opus devenu avec le temps un classique de la Westcoast et de l'autre, Peter Beckett chanteur du groupe Player (auteur du tube planétaire "Baby Come Back"). Steve Kipner deviendra dans les années 80 un songwriter et un compositeur très prisé. Il fera, entre autres, un tube pour Olivia Newton-John, "Physical". Peter Beckett sera l'auteur d'un albuem éponyme en 1991 qui est considéré comme un must de l'AOR. Les 2 hommes se retrouveront en 1997 avec l'aide du label MTM pour le deuxième album de Think Out Loud "SHELF LIFE" même s'il contient de bons titres, ne soutient pas la comparaison avec l'album éponyme de 1988. Rarement, j'aurais vu un album avec autant de superstar de la Westcoast et de l'AOR. Cette liste non exhaustive comprend donc Humberto Gatica, Randy Goodrum, Bob Marlette, Marc Jordan, Steve Lukather, Michael Landau, John Capek, Bobby Cadwell, Tris Imboden, Brandon Fields... qui dit mieux ? Peut être Airplay For The Planet... Le style de l'album est qu'on appelle de l'AOR "Hi Tek" comme il s'en faisait beaucoup dans les années 80. Une grosse prédominance de claviers comme pour Mr Mister, Joe Pasquale, les premiers Peter Cetera, Third Matinee...

On retrouve sur cet opus des classiques indémodables dont le grandiose "After All This Time" co-écrit avec Steve Dorff, autre grand compositeur de BO et de la Westcoast Music. Une ballade unique comme la voix de Peter Beckett ! Autre grand moment : le groovy "Body And Soul" co-écrit, cette fois-ci avec Bobby Caldwell. Mais le must reste "No Uncertain Terms" digne de "Insincere" de Planet 3 et écrit par le grand Randy Goodrum. On citera le superbe "Stranger Things Have Happened" et les incontournables "The Deep End" et "Raise You Up".

Voilà une réédition que j'attendais depuis fort longtemps et que je n'espérais plus. C'est chose faite maintenant et c'est une des meilleures nouvelles de l'année.

Bill Quateman "Just Like You" (1979)

2009-08-31T08:22:00.005+02:00

En 1979, Bill Quateman s'entoure principalement des futurs membres du Larsen Feiten Band, ses 2 leaders (claviers, guitares) et Lenny Castro (percussions) ainsi que David Hungate (basse), de Jeff Baxter (guitare) et de Michael McDonald (c'est pourquoi j'en parle) aux choeurs sur certains titres.

On commence en tempo mesuré avec "Didn't Have The Heart" aux guitares soyeuses que l'on se prend à fredonner dés le second couplet. "One Night In The Heat" groove davantage avec voix haut-perchées et solo de guitare mélodieux à la Buzz Feiten. "I Want To Be Known" est plutôt Soul blanche avec piano et guitare qui sautillent. Ballade amoureuse avec "Just Like You" soutenue par le piano de l'interprète avec un solo de saxo et des violons pour faire joli. Une autre ballade tendance Gerry Beckley (America) avec "And The Night Goes On Forever" qui bénéficie de la présence de Valerie Carter. "It's Alright", la troisième d'affilée ça fatigue, mais comme j'ai le vinyl et qu'elle commence la face B, j'ai eu le temps de faire un break en allant chercher une bière dans la cuisine. On retrouve un peu de vigueur avec "Judging By The Light" et surtout "You're So Heavy" dans lequel Bill Quateman démontre que Michael Jackson n'a pas été le seul blanc à chanter comme un noir. On repart en ballade avec "Nobody's Fool" où l'on distingue les contre-chants caractéristiques de Michael McDonald et "On The Boardwalk" qui clôture un album qui ne tient pas tout à fait ses promesses mais s'écoute sans déplaisir.

AOR "Journey To L.A" (2009)

2009-08-06T20:48:00.001+02:00

Depuis l’an 2000, Frédéric Slama aligne les albums en toute réussite, toujours sous le nom d’AOR et le "petit" dernier, 7ème du nom, intitulé "JOURNEY TO L.A", ne déroge pas à la règle.

Toujours en compagnie de Tommy Denander (Radioactive, Sayit, Prisoner) à la guitare et à la production, soutenu par la voix magistrale de Philip Bardowell (Beach Boys, Unruly Child, Places of Power) sur 7 titres (l’album en comporte 12), la musique de ce nouvel album est un véritable nectar mélodique, inégalé, incroyable de force et de finesse et toujours hyper enthousiasmant. La plénitude émotionnelle est à son apogée sur toutes les compositions que ce soit celle exprimée par Philip Bardowell, véritablement au sommet de son art, par Dane Donohue sur "West Into The Sun", par Fergie Frederiksen (Toto) sur "Desperate Dreams", par Bill Champlin (Chicago) sur la nouvelle version de "Lost In Your Eyes", par l’impeccable Steve Overland (FM, Shadowman, Overland) qui ouvre l’album avec "Waiting In The Darkness".

Tout auditeur passionné de rock FM sera bouleversé par cette musique haut de gamme, riche en mélodies, puissante parfois par l’apport plus expressif des guitares légèrement plus agressives. Cet album s’installe au fil des écoutes au panthéon du rock FM avec toutes les qualités requises à cet exercice difficile. En effet les refrains, les chœurs soutenus par les claviers idylliques feront trembler de bonheur par leur caractère si spécifique, si classique aussi, mais surtout si lyrique et si jouissif. Chaque titre comporte de l’énergie, du style : Westcoast sur "West Into The Sun", FM sur "Love Remains The Same" et avec répétons-le la prédominance éclatante des guitares à la fois cristallines et puissantes, alliées à des claviers toujours présents, à point nommé pour apporter cette touche de douceur impérative à cette musique si chatoyante.

Alors si toutes les compositions ont en elles ce parfum alléchant si FM (mélange de Whitesnake et de Foreigner), il sera difficile de sortir du lot un titre en particulier. De "Waiting In The Darkness" à "Never Surrender" prédominent guitares et refrains assassins, les plus remuants étant "Don’t Turn Back", "Desperate Dreams" et "Never Surrender" ce dernier affolant nos oreilles avec un solo de guitare génial et absolument monumental de plus de 4 minutes. Ensuite de "The View Of You" à l’instrumental qui clôt l’album "You’re My Obsession", un peu plus de douceur grâce aux claviers, pour caractériser ce "JOURNEY TO L.A" véritable joyau mélodique. Petite explication pour l’instrumental susnommé : composition de haute volée due au travail d’orfèvre de Bruno Levesque (Silence) qui enfin rejoint Frédéric Slama dans l’expression exaltante de ce rock FM d’anthologie !

C’est donc un album sensationnel aux musiciens expérimentés, qui offrent avec art leur passion : citons Steve Lukather (Toto), David Williams (Michael Jackson, George Benson), Eric Barkdull aux guitares, David Diggs (Irene Cara, Quincy Jones) et David Getrau aux claviers et à la basse, Joey Heredia (Stevie Wonder, Joe Sample) aux fûts, tous apportant leur pierre à cet édifice musical somptueux. Une œuvre de toute beauté qui va éclater de mille feux au firmament de ce rock FM ô combien renouvelé, ô combien exaltant ! Bravo à Frédéric Slama et à tous ces musiciens de classe internationale pour cette page musicale admirable et déjà essentielle ! Tout simplement magistral !!!

John Parr "Man With A Vision" (1992)

2009-08-06T20:41:00.003+02:00

Quand un chanteur est appelé par David Foster pour co-écrire et chanter "St. Elmo's Fire (Man in Motion)" (numéro 1 au Billboard en 1985) c’est qu’il a du répondant. En 1992, à la parution de "MAN IN VISION", John Parr a déjà deux albums à son actif mais 6 ans se sont écoulés depuis le dernier. Pour cent-cinquante euros remboursés par la Sécurité sociale, un psychologue professionnel vous expliquerait qu’il est paresseux et que cela vient de son nom.

Son premier album "JOHN PARR" publié en 1984 contenait deux titres dont je me rappelle encore "Love Grammar", "Revenge" et le second "RUNNING THE ENDLESS MILE" sorti en 1986 deux autres que j’adorais aussi "Two Hearts" et "The Story Still Remain The Same". Plusieurs titres de ce nouvel effort se révèlent de la même trempe, à commencer par "Startin’ All Over Again", "Restless Heart" et "Ghost Driver" trois mid-tempos dotés d’une évidence mélodique qui laisse pantois. Vocaliste hors pair à la voix râpeuse comme une langue de chat, John Parr excelle dans tous les registres : du musclé "Come Out Fighting" au plus cool "This Time" en passant par les intermédiaires "Everytime" ou "Dirty Lovin’" aux accents Stoneiens. Multi-instrumentiste d’envergure, notamment question guitare, il délaisse les claviers au profit de Richard Cottle et de John Cooke déjà présents sur l’album précédent.

Un CD qui rejoindra illico vos favoris grâce à des refrains flamboyants et à des arrangements puissants et soignés qui mettent en valeur les lignes de guitares et de claviers. N’en déplaise à l’orthographe, je qualifierais l’ album d’imparrable…